Arcádia Psicodélica

Filhos das putas!

2011-03-27T18:10:00.001-07:00

Como de costume, os donos do capital e suas restrições mercantis estão à ameaçar a integridade do blog. Volvemos a receber ameaças de bloqueios referentes à postagem de páginas de downloads aqui nessa arcádia, por orgãos tão patéticos que carregam o sinal da cruzada antipirataria, a saber:Deêmecêa( não posso explicitar a crítica, não é , olhos e ouvidos do rei?)

A recente vítima do insaguinolento genocídio virtual foi o álbum do Gentle Giant, acquirng the taste, cujo link foi enviado ao chuveiro dos rascunhos, embora porvir devemos repostá-lo para deleite dos ávidos leitores cujos paladares anseiam pela degustação músico-cultural. A questão, ou melhor, as questões que mais convém registrarem-se aqui, perante tamanho constrangimento, são:
- Quem é o verdadeiro pirata? O mercantil manda chuva da música, a destituir e instituir as regras do jogo cultural sob a édige do kapitalismus e seus rufiões interesseseiros, ou aquele cujo trabalho é disseminar o especificamente nada, epíteto pusilânime de ARTE?
- Acaso sabem os espiões intranets de TUDO o que mexo e remexo acá no Google, alhures na internet?

Enfim, aqui está minha resposta:

http://www.megaupload.com/?d=5ARO6TB3

Sem mais,
A Equipe.

David Bowie - Diamond Dogs (1974)

2010-12-29T16:24:00.000-08:00

Durante sua extensa carreira artística, Bowie se tornou conhecido pela grande variedade de estilos pelos quais navegou, prática que lhe rendeu o apelido de "Camaleão do Rock". No entanto, podemos dizer que ele é um camaleão em sua própria existência. Ele é o que faz. Durante todas as transições pelas quais sua carreira passou, não é difícil apontar que o próprio músico sofreu várias metamorfoses.

Bowie surge como jovem talento com Space Oddity para cerca de 2 anos depois criar junto ao nascimento de uma das personalidades mais marcantes da música pop, o marciano Ziggy Stardust, aquilo que seria chamado Glam Rock. Ao se desvirtuar da imagem de Ziggy Stardust, Bowie ainda faria grandes peregrinações pela Dance Music, Pop Music e muitas outras obras, cada uma aparentemente distoante da última.

Por ser um artista de obra tão extensa, não é difícil apontar os muitos méritos de David Bowie. Poderia dedicar esse espaço a muitas de suas maravilhas musicais, como Space Oddity, Alladin Sane, Hunky Dory (Clássico imperdível), Rise and Fall Of Ziggy Stardust, entre muitos outros. No entanto, vou dedicá-lo apenas a um de seus álbuns conceituais: Diamond Dogs.

O álbum Diamond Dogs é um divisor de águas na carreira de Bowie. Se em Space Oddity (seu primeiro álbum) Bowie começava a aplanar o terreno para aquilo que seria o Glam Rock, a partir de Diamond Dogs ele começa a se afastar do estilo. Seria impossível Bowie apagar o que ele havia feito e também ainda era pra ele muito difícil se desapegar de suas obras anteriores, mas tudo insinua que ele queria experimentar coisas novas.

A escolha do tema para sua obra conceitual, no entanto, não é nada sutil. Como se ele mesmo procurasse escancarar para o mundo que agora optara por mudar seus rumos, Bowie faz uma obra baseada no livro de temática pós-apocalíptica de George Orwell: 1984 (como fica claro nas canções We Are The Dead, Big Brother e, é claro, 1984). Reza a lenda que o artista planejava até mesmo fazer uma adaptação cinematográfica do livro, mas não obteve a licença sobre os direitos autorais de Orwell.

Tecnicamente, Diamond Dogs é uma compilação de todas as influências musicais da época. David Bowie passa a flertar então com o progressivo, o Hard Rock, o Soul e até com um pouco de Disco, jogando violentamente tudo em sua panela de pressão e misturando àquilo que ele próprio já havia produzido anteriormente. Em uma abordagem mais radical, pode-se dizer que Diamond Dogs foi a contribuição de Bowie para o que viria a ser o Punk alguns anos depois, afinal, nada mais apropriado para tratar de um tema pós-apocalíptico do que anarquia musical, e é exatamente disso que Diamond Dogs se trata.

capa pintada por Guy Peellaert

1- Future Legend (1:01)
2- Diamond Dogs (6:04)
3- Sweet Thing (3:39)
4- Candidate (2:40)
5- Sweet Thing Reprise (2:32)
6- Rebel Rebel (4:33)
7- Rock'n Roll With Me (4:02)
8- We Are The Dead (4:59)
9- 1984 (3:27)
10-Big Brother (3:20)
11-Chant Of The Ever Circling Skeletal Family (2:08)

DOWNLOAD

postado por Caio

The Clash - London Calling

2010-11-15T17:45:00.000-08:00

The Clash surgiu nos anos 70 na Inglaterra e era composto pelo já falecido Joe Strummer, vocais e guitarras; Mick Jones, guitarra e eventualmente outro instrumento, Paul Simonon, baixo e Topper Headon, bateria. Originalmente uma banda punk fortemente influenciada pela cena vigente na época, o The Clash com o tempo construiu uma carreira musical que se distanciou muito do estilo "punk puro", estilo no qual predomina três acordes tocados o mais rápido possível. O álbum London Calling foi terceiro álbum do grupo e foi o primeiro a abraçar diversas influências musicais, fazendo com que o rótulo até então usado fosse sempre questionado e repensado. O grupo flertou com os mais diversos estilos, dentre os quais o Ska/Reggae, rockabillty, hard rock e Jazz, alcançando uma complexidade musical bem diferente das bandas ditas punks da época.
Na verdade, que fez com que a alcunha punk fosse aplicada à banda, além do fato de que primordialmente a banda possuía um som menos sofisticado e mais "porrada", estilo este que se repetiu em várias canções durante a sua carreira, foi a atitude dos membros. Não me refiro àquela atitude "escrota" das bandas punks atuais, em que tocar pelado e zoar a MTV é grande feito, e nem ao apelo doutrinário que outras bandas atuais possuem, no qual a tênue linha do panfletário idiota e crítica é facilmente extrapolado. As canções possuíam um direcionamento político voltado para a esquerda e há diversas letras em que isso é subentendido ou até mesmo explicitado, mas não há um apelo vago de " vamos derrubar o sistema e implantar a revolução socialista armada". Há sim um foco em diversas situações, como a derrocada do poder tirano, o alerta ao fascismo europeu ( alerta atualmente vermelho, visto o intenso crescimento da extrema direita na europa), a crítica à paranóia, à sociedade de consumo, ao armamentismo, à aristocracia e velhos costumes ingleses, ao tédio do interior inglês, ao mercado musical, a discrimação aos imigrantes negros ( a convivência com os jamaicanos enriqueceram a música do the clash, com fortes influências do ska), ao trabalho alienativo e à falta de perspectiva desse. Enfim, uma banda que se mantém extremamente atual mesmo 33 anos após debutar e que se manteve coesa com seus princípios sem apelar à doutrinação barata (algo que refuto veemente), mas sim com letras realmente bem feitas e inteligentes, incitando ao questionamento e ao inconformismo e mostrando que os integrantes possuíam interesse e conhecimento à respeito das diversas facetas culturais do mundo, bem como os conflitos mundiais.
É notável também a capacidade de recriação de tipos e de estilos nas músicas, além de letras com conteúdo narrativos interessantes. O próprio visual da banda remete ao vintage dos anos 50. Quem ouviu "Jimmy Jazz" entede o que falo, caso contrário, convido-lhe a baixar o disco e tirar suas conclusões. Um belo disco.
London Calling remete à segunda guerra mundial e o chamado para os cidadões ao combate, em um clima apocalíptico nuclear, e possui um fundo musical marcante, embebido em punk.
Brand New Cadillac é rockabilly com uma letra engraçada, ambígua e irônica, mesmo que simples - a garota que consegui um cadillac novo já não reconhece ninguém a bordo de sua possante máquina ( qualquer semelhança com Serge Gainsbourg é mera coincidência). Jimmy Jazz é uma canção com levada jazz interessantíssima e uma letra narrativa bem feita com a construção do "tipo" malandro, o referido Jimmy Jazz, que a polícia procura mas que ninguém pode falar sob a condição de sofrer consequências. Rudie can't fail é ska puro, e como tal, fala sobre o movimento Rude Boy inglês dos anos 60 e o comportamento Rude, sem as preocupações adultas, com as conseqüentes vozes de crítica da sociedade. A antológica Spanish Bombs é muito bonita e discorre sobre a guerra espanhola com fidelidade aos fatos históricos, embora o refrão não faça muito sentido cantado em castellano. The Right Profile é uma canção sobre Montgomery Clift, o famoso ator. Lost in the Supermarket é uma bela balada sobre o vazio do consumismo. A memorável The Guns Of Brixton fala sobre o violento bairro jamaicano que o baixista morava ( ele que assume o vocal na música), Brixton, permeado por conflitos entre a opressora polícia e os trabalhadores estrangeiros, e daí toda a sua sonoridade rap/dub/ reggae legal, BEM LEGAL.
Death Or Glory e Lover's Rock é puro hard rock, enquanto The Card Cheat é sobre um homem que distrai a solidão afundando-se em jogos e bebidas, Wrong 'em Boyo tem pano de fundo Ska, enquanto Koka Kola é uma " brincadeira" com Coca Cola e cocaína. Train in Vain tem um apelo meio pop mas é bem legal, embora curiosamente não foi adicionada no encarte do disco. Revolution Rock parece The Police, com mistura de rock, Ska e Reggae.
Não há uma música desse disco que seja facilmente discartada, a grande amplitude de temas músicais e de letras, aliadas à criatividade do grupo para fazê-las tornou esse disco antológico, quebrando as barreiras do Punk.
Ah, e a capa é uma referência á Elvis Presley.

postado por: Ricardo.

DOWNLOAD

Morphine - Good.

2010-11-11T09:32:00.001-08:00

Estamos encarcerado, cercados por jaulas que nos forçam a sentarmos confortavelmente na frente da televisão e não questionarmos a ordem de como acontecem as coisas no século XXI:
primeiramente morremos, então nascemos para permanecermos mortos. Quando, com sorte, alguns poucos conseguem se esgueirar entre os concretos frios, livrando-se dos grilhões atemporais e respirar pela brecha o vento fresco e a vida pulsante, eles são devidamente descartados e deixados em quarentena até que possam submeterem-se docilmente ao mundo.
A dor, a dúvida, a angústia da solidão e tédio consomem as entranhas de irriquietas almas que não conseguem submeterem-se passivamente ao leilão de pequenos sonhos mesquinhos nas vitrines. A casa com dois carros na garagem e home teather não parece ser nenhum pouco sedutora, muito pelo contrário, causa repulsa imediata.
O prazer da vivência fora à muito esquecida, é bem verdade. Preza-se o amanhã, sempre o amanhã, nunca o hoje. É aquele que abdica do hoje, sacrificando as preciosas horas, o pôr do sol e a lua cintilante, disciplinando sua natureza tal como espartano soldado do futuro, que vai conseguir alcançar o sucesso. Sucesso é, antes de mais nada, sinônimo de permanecer morto, definhando em dor e desperdiçando nossa tão frágil e efêmera existência.
É preciso se livrar da dor, e para tanto, há dois caminhos possíveis :
Há o shopping, onde se ruma para o inexorável vazio existencial, e há a morfina, droga esta que alivia as dores do soldado amputado, do enfermo em seu derradeiro suspiro e a do desajustado.
O desajustado é justamente aquele que ousa respirar, que se recusa a ir ao shopping no fim de semana e encarar a horda de mortos vivos no morticínio insanguinolento; é aquele que se desespera em caminhar silenciosamente para o fim, mas que tampouco consegue encontrar o alívio para a dor da (in)existência nesse mundo caótico, desesperado, solitário e entendiante.
É em busca desse alívo que se escolhe a Morphine:
Sax, bateria, baixo, poesia e vividez. O som minimalista. Lisérgico, libidinoso. Sensual, embriagante. Instrospectivo, arrebatador, delirante, hipnótico e poético. É muito mais do que o alívio para o sofrimento e a angústia: é a cura, é a celebração de vida, da paixão e do prazer.

É um convite à noite úmida.

GOOD:
01. Good
02. The Saddest Song
03. Claire
04. Have a Lucky Day
05. You Speak My Language
06. You Look Like Rain
07. Do Not Go Quietly Unto Your Grave
08. Lisa
09. The Only One
10. Test-Tube Baby/Shoot'm Down
11. The Other Side
12. I Know You (Part I)
13. I Know You (Part II)

Cure For Pain
01. Dawna
02. Buena
03. I'm Free Now
04. All Wrong
05. Candy
06. A Head with Wings
07. In Spite of Me
08. Thursday
09. Cure for Pain
10. Mary Won't You Call My Name?
11. Let's Take a Trip Together
12. Sheila
13. Miles Davis' Funeral

YES
01. Honey White
02. Scratch
03. Radar
04. Whisper
05. Yes
06. All Your Way
07. Super Sex
08. I Had My Chance
09. The Jury
10. Sharks Patrol These Waters
11. Free Love
12. Gone For Good

Like Swimming:
01. Lilah
02. Potion
03. I Know You, Pt. 3
04. Early to Bed
05. Wishing Well
06. Like Swimming
07. Murder for the Money
08. French Fries With Pepper
09. Empty Box
10. Eleven O'Clock
11. Hanging on a Curtain
12. Swing It Low

THE NIGHT
01. The Night
02. So Many Ways
03. Souvenir
04. Top Floor, Bottom Buzzer
05. Like a Mirror
06. A Good Woman Is Hard to Find
07. Rope on Fire
08. I'm Yours, You're Mine
09. The Way We Met
10. Slow Numbers
11. Take Me With You

Singelamente postado por:
Ricardo.

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra - Unza Unza time (1999)

2010-11-05T18:52:00.000-07:00

Para os cinéfilos de plantão, o sérvio Emir Kusturica já é provavelmente figura conhecida. Famoso por filmes como Underground e A Vida é um milagre, o diretor é referência mundiall no cinema. Menos conhecido, no entanto, é seu trabalho com o grupo "The No Smoking Orchestra" (uma ironia, já que todos os membros da banda fumam compulsivamente), tema inclusive de um documentário de direção do próprio Kusturica: "Memórias em Super 8" que eu ainda estou por assistir.

Infelizmente, as esparsas informações que posso disponibilizar aqui se limitam mesmo ao trabalho do grupo. Como todo bom músico cigano (como se existisse algum músico cigano ruim) Kusturica e seus companheiros bebem diretamente na fonte de Django Reinhardt, além de claras influências da música Klezmer, com quem a música cigana sempre caminhou lado a lado. Em meio a fumaça de cigarro e de pólvora, o grupo também assume uma decidida posição punk-rock, não apenas musical como também comportamental e crítica, bem evidente nas canções. Já na canção de abertura, "Unza Unza Time", isso fica bem latente, já que em uma frase conseguiram resumir toda a ideologia musical que a mídia tanto valoriza na atualidade: All music turned into a fashion show.

1 - Unza Unza Time (4:42)
2- DJindi RinDJi Bubamara (5:01)
3- Lubenica (5:51)
4- Prnavor (3:37)
5- Pitbull Terrier (4:05)
6- Was Romeo Really A Jerk (4:11)
7- Drang Nach Osten (4:48)
8- Corfu (2:35)
9- Upside Down (4:10)
10-Sanela (5:39)
11-Devil In The Business Class (3:45)
12-Grüss Gott Trauer (4:05)
13-Emir's Dream (0:42)
14-Imam Sam Bjelog Konja (4:40)
15-Some Other Man (1:48)
16-Furja DJildje (4:14)

DOWNLOAD

postado por Caio

The Dave Brubeck Quartet

2010-10-06T15:03:00.000-07:00

Assim como muitas músicas que aprecio, conheci o Dave Brubeck Quartet através do meu pai, com a faixa “Take Five”, talvez uma de suas músicas mais famosas e com a qual, convenhamos, é impossível não ficar hipnotizado ao ouvir. O quarteto foi formado em 1951, em São Francisco, EUA, por Dave Brubeck (piano), Paul Desmond (saxofone), Joe Morello (bateria) e Eugene Wright (contrabaixo).

É interessante dizer que Brubeck não sabia ler partitura. Ele dispensava todo e qualquer método ou regra, querendo apenas compor suas músicas livremente.

O álbum que escolhi para postar aqui, “Time Out”, de 1959, quase não foi lançado. Chegou às lojas contra a vontade da maioria dos executivos da gravadora, Columbia Records. Sobre esse episódio, Dave Brubeck diz: “Quebrei três leis da Columbia. Todas as sete faixas eram composições originais, quando a gravadora gostava de entremear com standards. Queria também músicas que fizessem as pessoas dançar e eu lhes dei todos aqueles compassos esquisitos. Botaram um pintura na capa do LP, coisa que nunca se fazia com um disco de jazz. Obviamente, a companhia não queria lançar o álbum”. Apesar de tudo isso, em 1961, “Time Out” se tornaria o primeiro disco de jazz a atingir a marca de um milhão de cópias vendidas. O quarteto gravaria outros álbuns, dentro do mesmo estilo, como Time Further Out (1961), Time in Outer Space e Time Changes. Infelizmente, o quarteto de Dave Brubeck acabaria em 1967, embora tenham feito uma reunião em 1976, para comemorar seu 25º aniversário.

DOWNLOAD

postado por Débora Ferrari

Grand Funk Railroad - Survival

2010-09-15T15:09:00.000-07:00

Esta noite começou com um comentário do meu amigo Caio, que não sei o porquê, era um comentário que eu iria fazer com ele. Survival é um dos melhores álbuns de música já feitos no planeta terra. E nós estávamos ouvindo ele, cada um em seu recinto, admirando esse petardo músical.

Bom, Grand Funk Railroad é uma banda norte-americana de hard rock com forte pegada blues mas que sempre flertou, durante sua carreira, com diversos outros estilos musicais, dentre os quais posso citar o jazz, funk, gospel, e folk. Um gigantesco caldeirão de influências que brotou na época de ouro do rock'n roll mundial, isto é, em pleno início dos anos 70.

Formado incialmente por Mark Farmer ( teclados, guitarras e vocais princiapais), Mel Schacher (baixo), e Don Brewer ( baixo e vocais princiapais também) em 1968 na cidade de Flint, o nome da banda deriva de Grand Trunk Western Railroad, uma conhecida linha de trilhos de trem que opera por todo os EUA, bem como em Michigan, estado natal da banda.

A banda, que outrora já foi a mais quente do cenário musical da época, faz um som realmente impressionante, ainda mais se lembrarmos que há apenas três integrantes. Ao mesmo tempo em que ela soa pesada, inovadora e diversas vezes agressiva, não há perca da consistência, da harmonia, coerência e qualidade. Survival, lançado em 1971, foi considerado pela própria banda, como está registrado nos créditos, o primeiro álbum de estúdio da banda. Não que eles nunca haviam lançado discos de estúdio, mas é que esse foi o primeiro álbum em que se concentraram durante um tempo, mais precisamente dois meses, após o término de uma tourné na Inglaterra, com foco unicamente nesse projeto. Ainda, como o estúdio em que eles gravavam mudara de lugar, foi necessário anteriormente à gravação um imenso trabalho de recriação do ambiente e som, ambos infimamente interrelacionados. E o resultado é fenomenal, um tanto quanto mais sofisticado que os álbuns anteriores, mas mesmo assim sem perder a "pegada", o "punch" da banda.

encarte interno de Survival

Os membros da banda sempre diziam que há um lado espiritual, algo com uma energia que se incorpora junto aos integrantes enquanto tocam e tornam o som tão especial. Resultado disso são diversas lendas e até mesmo anedotas engraçadas, como o fato de ter nascido uma criança durante um show da banda, cujo batismo foi Grand Funk Railroad.
O grupo muitas vezes foi e é malhado pela crítica; aliás, isto ainda é constante: podemos ver que Survival é classificado com 2 estrelas pela Rolling Stones e três estrelas pela All-Music. Lamentável, não irei argumentar arrogantemente dizendo que não manjam nada de música, mas o fato é que esse disco é absolutamente incrível. Obviamente havia jogos de interesse e poder por de trás disso tudo, como observou o então empresário da banda, Terry Knight.
Também podemos ver que não é uma banda muito conhecida nos dias de hoje, de alguma maneira ela adentrou o ostracismo, o que é uma lástima.

Bom, o álbum, além de possuir uma arte gráfica interessante, com os membros todos vestidos de homens das cavernas, está recheado de imagens muito bacanas de flyers e concertos. Quando ele foi remasterizado, foi adicionado as faixas orginais de três músicas, que são Country Road, All you've got is money e Feelin' allright. Gosto de pensar que ESTE é o álbum original, pois as músicas são mais compridas e bem mais " viajadas", com mudanças de andamentos e temas que beiram o progressivo.

A faixa número 1 é Country Road, bela canção com tema um tanto quanto folk/country cuja letra refere-se ao retorno à simplicidade e felicidade da vida no campo, tão diferente da vida conturbada e violenta da cidade, cheia de obrigações. Na versão estendida, há um interlúdio com mudança de andamento e tema, com um fundo tocado no orgão, de maneira que a música rallenta para o grande solo de guitarra feito por Farmer, além da adição de uma estrofe a mais na letra. Logo após, começa a quebradera funk All you've got is money, cuja versão sem cortes possui já na introdução um riff com wah wah e na segunda parte após o refrão um solo viajadaço de harmônica. Essa pessoalmente é minha música favorita, com paradas sensacionais, groove fodido, refrão fodido, e letra incrível ( aspecto que esqueci de dizer: as letras da banda são ótimas, contestadoras, pacifistas , ambientalistas e questionando sempre os valores da sociedade da época, observando perplexamente como nos autodestruímos pelo trabalho ou dinheiro ). Ouça o que o baterista faz nessa música, é pavoroso, bem como o interlúdio repleto de exclamações e gritos entre o solo de guitarra e o final, que é pura quebração, onde novamente Farmer e Don mostram-se inspiradíssimos.

Confort me é uma música fenomenal, que começa com um riff tranquilo, leve, confortador e quente, e que possui um incrível poder de curar o ânimo após um dia de contrariedades. De fato, eles conseguem expressar isso na música. A seguir, um cover de Joe Cocker, Feelin' Alright, também repleta de boa energia. A quinta música, I want freedom, tem uma introdução bastante bacana no orgão, e curiosamente, a banda gravou as discussões dos membros de como a música devia soar e as deixou no início da gravação, podendo assim ser possível identificar o que estão falando. Ela possui um forte tema gospel com o apoio do orgão, o que a embeleza muito.

I can feel him in the morning fala sobre Deus, guerra, novo mundo e suicídio, e nela há um começo com crianças falando sobre Deus. Ela começa lentamente, com Don cantando e a guitarra acompanhando, para depois iniciar um coro novamente bem influenciado pelo Gospel, quando subitamente ocorre um interlúdio de orgãos que beira o progressivo, para então retomar o ciclo da música. De fato, incrível, como a própria banda reconheceu ser essa música e seu arranjo.

O álbum finaliza com um cover pesadíssimo de Rolling Stones, Gimme Shelter, dotada de um clima sombrio e agressivo. Chega a ser irônico, uma banda que na época superou o Rolling Stones em audiência, público e fama, gravar um cover justamente deles. Para o álbum remasterizado, foram adicionados I can't get along with society e Jam, além das três já mencionadas.

Baixe o álbum e se delicie com o que há de melhor na música.

DOWNLOAD 1 - cd original

DOWNLOAD 2 - álbum remasterizado

1 - Country Road
2- All You've Got Is Money
3-Confort Me
4-Feelin' Alright
5- I want freedom
6- I can Feel Him In The Morning
7- Gimme Shelter

bonus track ( só para 2)
8 - i can't get along with society
9-Jam ( footstompin' Music)
10 - Country Road ( original)
11- All you've got is money(original)
12- Feelin' Alright ( original)

Postado por: Ricardo.

Herbie Hancock - Mr. Hands (1980)

2010-08-28T17:51:00.000-07:00

Se para nós soa apenas natural apelidar Bowie como o Camaleão do Rock, chega a ser estranho o mesmo não ser feito com Herbie Hancock para o Jazz. Não bastasse ser um dos pioneiros do Fusion na década de 70 com a gravação do impressionante Headhunters, Herbie Hancock ainda explorou exaustivamente todos os recursos do Funk, Acid Jazz e, principalmente, do Jazz.

Para representar toda essa metamorfose que é Herbie Hancock, "Mr Hands." é praticamente uma caricatura do artista, talvez pelo fato de conseguir compilar muitos dos estilos por ele adotados em somente uma obra.

Enquanto Spiraling Prism sugere toda a virtuosidade que o fazia pender para o Fusion, Calypso alterna para sua face mais ligada ao Jazz, ainda que com um pegajoso refrão aos ritmos caribenhos, como dá a entender o nome da composição. Já Just Around The Corner passa para todo o funk e groove com que Herbie Hancock se fez famoso. "4 AM", a faixa que se segue, conta ainda com a participação de um dos grandes ícones do Fusion: Jaco Pastorius, já em decadência psicológica, mas ainda um excelente músico. "Shiftless Shuffle" é mais um trabalho de Herbie Hancock com os Headhunters (o mesmo quinteto que trabalhou com ele no disco homônimo). O álbum fecha brilhantemente com "Textures", faixa gravada inteiramente por sintetizadores comandados pelas mãos de Herbie Hancock.

1- Spiraling Prism (6:26)
2- Calypso (6:45)
3- Just Around The Corner (7:35)
4- 4 AM (5:24)
5- Shiftless Shuffle (7:11)
6- Textures (6:40)

DOWNLOAD

postado por Caio

Big Bill Broonzy

2010-08-22T19:09:00.000-07:00

Big Bill Broonzy foi um dos primeiros artistas de Blues a popularizarem o estilo musical e a formatá-lo. Nascido ainda no século 19, descendentes de escravos, no interior dos Estados Unidos em Mississipi, Big Bill Broonzy é "velharia " mesmo, raízes do blues, da época em que se cantava spirituals ( pré-blues) nas lavouras rurais, portanto sendo um pedaço da história da música.
O estilo de Broonzy é bem variado, de forma que o longo período em atividade ( 1920 até meados de 1950) fez com que ele presenciasse diversas alterações na tecnologia musical. A princípio, Broonzy era um guitarrista acústico solo, o que caracterizava sua música com a sonoridade folk-country-blues bem típica do interior dos Estados Unidos. Com o decorrer do tempo, aderiu a formação clássica de baixo, bateria e guitarra, para mais tarde, no final de sua vida, retornar à guitarra acústica solo.
Devido à sua vida repleta de migrações e dificuldades por ser negro, enfrentando o racismo violento vigente na época ( que acabou mesmo?) , sua música é permeada por letras que refletem a dificuldade da vida urbana ( caracterizando o Chicago Blues) bem como a nostalgia da vida rural ( caracterizando o mississipi Blues) e a fusão/ convívio de ambos os estilos. Ainda, como seus pais nasceram no interior no final da escravidão, Broonzy sempre teve uma consciência política bem forte, como podemos notar nesse seguinte vídeo:

" Black, Brown and White"
http://www.youtube.com/watch?v=k0c1c0ZsTLA

Como cantor e acima de tudo instrumentista de Spirituals, Blues country, blues urbano e blues rural, o legado deixado por Big Bill Broonzy ao instrumento é grande, pois além de ter muitas influências de outros artistas, possuía uma maneira muito autêntica de tocar e que influenciou DEMAIS Eric Clapton ( personagem ilustre do post aí de baixo) entre outros.

Foi nos anos 50, quando retornou ao estilo de raiz, e com o avanço da qualidade de gravações que Broonzy gravou na posteridade pérolas do blues.

Posto aqui alguns links de outros blogs que tem álbuns de Big Bill Broonzy:
link 1

link 2
link3 ( todos os clássicos, vale bem a pena baixar)

Postado por : Ricardo Franco.

Cream - Wheels Of Fire (1968)

2010-08-22T17:55:00.000-07:00

O Cream talvez seja uma das bandas mais expressivas da década de 60. O grupo consistia de praticamente um "Dream Team" da época, com o power trio formado por nada menos que Eric Clapton, Ginger Baker e Jack Bruce.
Como tudo que é bom dura pouco, não tardou muito para Baker brigar com Bruce, Bruce brigar com Clapton, Bruce brigar com ele mesmo e, enfim, a banda deixar de existir. Após os conflitos, Jack Bruce partiu em carreira solo, Clapton iniciou sua caminhada pelo Blues e Baker ficou a vagar pelas escuras e úmidas ruas londrinas em busca de inspiração Jazzística. Baker e Clapton ainda formariam mais tarde o Blind Faith, mas que também teve curta duração.

De qualquer modo, é inegável a importância do Cream no contexto musical de então. Quando se fala em Cream, imediatamente se lembra da capa psicodélica de Disraeli Gears. Pouco depois, nos sentimos extasiados ao som de Sunshine of Your Love ou mesmo Strange Brew. Então, recuperando a consciência nos lembramos... Disraeli Gears não é bom... é MUITO BOM! No entanto, pelo fato de Disraeli Gears ser tão bom, algumas vezes acaba por ofuscar os outros dois grandes álbuns da banda: Fresh Cream e Wheels of Fire que também são MUUUUITO BONS! Daí se conclui porque o Cream é o que é, foi o que foi, como queira, ainda assim é eterno.

Wheels Of Fire se destaca bastante dos demais por conta do experimentalismo. Enquanto temos canções que refletem bastante o que o grupo tinha criado até então, tais como a canção de abertura "White Room", além de "Politician" e "Born Under a Bad Sign", existem também quebras interessantes como "As You Said" e "Pressed Rat and Warthog". Na verdade, para mim a canção mais interessante do disco é justamente essa última. Narrada e, de certo modo, "fabulada" por Ginger Baker, a música assume certo tom fúnebre, acompanhada por o que parecem ser trombetas de guerra e ritmos de marcha, quase como que, ao mesmo tempo um luto à falência dos negócios das duas personagens, assim como um protesto à corrupção das duas (Uma livre interpretação minha, sintam-se livres para criar as suas próprias).

Wheels Of Fire é imperdível. Disraeli Gears é imperdível. Fresh Cream é imperdível. Cream é mesmo fantástico.

Hoje fica por aqui o Wheels Of Fire

Adieu.

CD 1

1- White Room (5:00)
2- Sitting On Top Of The World (5:00)
3- Passing The Time (4:34)
4- As You Said (4:23)
5- Pressed Rat And Warthog (3:16)
6- Politician (4:14)
7- Those Were The Days (2:56)
8- Born Under A Bad Sign (3:12)
9- Deserted Cities Of The Heart (3:38)

CD 2

1- Crossroads [Live] (4:21)
2- Spoonful [Live] (16:49)
3- Traintime [Live] (7:04)
4- Toad [Live] (16:16)

DOWNLOAD

postado por Caio

Little Walter

2010-08-22T17:32:00.000-07:00

Boa noite a todos os leitores do Blog.

Após um longo período sem postar, espero reunir forças e motivações o suficientes para que freqüentemente possa servir-lhes com um bocado de boa música. Devo dizer que é um pouco frustrante, após três anos de Blog, desfrutar de uma certa falta de resultados, no âmbito de ainda possuirmos poucos seguidores e comentários. Por isso peço gentilmente a vocês leitores que comentem, pois o único motivo pelo qual escrevemos é compartilhar nossos gostos em relação à artes, de tal forma que o comentário, por mais singelo que seja, nos fornece motivação para que continuemos a escrever, uma vez que nosso esforço de ouvir, escrever e analisar o elemento em questão é mais do que bem recompensado ao notarmos que há reconhecimento, em outras palavras que não estamos escrevendo ao léu, para leitores fantasmas.
Agradeço a quem nos segue e a quem baixa os cds aqui postados, de maneira alguma quero ignorar nossos seguidores e os comentários aqui feitos. Ainda, é visível um certo desânimo de minha parte em escrever novos textos, mas como lhes disse anteriormente, parte disso se deve a sensação de ausência de reconhecimento.

Bom, ao que interessa, vos apresento uma pérola do Blues: Little Walter.

Little Walter, nascido Marion Walter Jacobs em primeiro de maio de 1930 na cidade de Marksville, Lousiana, foi um dos maiores gaitistas que já pisaram nesse planeta. Criado na zona rural de Alexandria, Little Walter cedo abandonou a escola para trabalhar e conseqüentemente muito jovem chegou à Chicago, a idade de 15 anos, sendo portanto um dos membros do que se denomina "Chicago Blues" ou blues urbano, composto por músicos negros que abandonaram a zona rural e partiram para a cidade grande em busca de melhores condições de vida. Isto sempre foi uma constante em sua música, no sentido da solidão da vida urbana, bem como na música feita pelos bluesman que se encontravam em semelhante situação.Embora sua música possuia raízes nesse estilo, suas intepretações possuiam certo sofisticamento que o diferenciava de outros músicos e foram o motivo de seu tremendo sucesso. Dificilmente se vê em Little Walter composições referentes à saudade da terra natal e temas rurais , mas podemos dizer que a solidão da vida urbana, bem como a dificuldade da vida urbana são temas muito comuns em suas letras, como esse trecho de Mean Old World:
"
This is a mean old world,
tryin' to live in by yourself
This is a mean old world,
tryin' to live in by yourself
Can't get the one you're lovin',
have to use somebody else
"

Walter acompanhou diversas lendas da música norte americana negra, tais como Muddy Waters,Willie Dixon, Hound Dog Taylor e Floyd Ross, e desde muito cedo foi influenciado por músicos também não menos que lendários, como Sonny Boy Willianson II. Walter foi um dos pioneiros no uso de amplificadores para a harmonica, uma vez que quando o blues se eletrificou na época, era impossível de a gaita soar com o som da guitarra, baixo e bateria em volumes muito maiores. Assim, várias técnicas da harmônica foram originalmente criadas ou largamente difundidas por ele, como o uso de "drive" ( distorção) no som da gaita e creio eu, ao ouvir o disco,o reverb como certo elemento de ambientação para o instrumento.

" I'm gonna roam this old Highway, until the day i die"

O fraseado bluesísitico de Walter também é impressionante, de modo que ele é considerado um virtuoso do instrumento tamanha a capacidade técnica e feeling que possuía. Walter também cantava, mas seu grande legado foi o vocabulário musical por ele criado. Certas músicas e certas frases possuem um certo quê de Jazz ( pelo menos para mim hehe =D, cabe a vocês decidirem) Certas vezes ele é comparado com Hendrix e Charlie Parker em relação à revolução que foi na época e para a música moderna, bem como Jimi e "The Bird" foram em seus instrumentos e épocas. Ele por duas vezes fez tournes na Europa.
Walter morreu com 37 anos por causa natural, embora diga-se que sofreu complicações após uma briga de bar.

DOWNLOAD

senha:360grauss.blogspot.com

Crédito : http://360grauss-mp3.blogspot.com/

Postado Por: Ricardo Franco

Os Mutantes - Jardim Elétrico (1971)

2010-08-05T13:45:00.000-07:00

Já era hora de um novo post. Não só isso, um post dos Mutantes também. Na verdade, não sou um perito na banda, mas sempre apreciei muito o trabalho deste grupo de São Paulo, formado pelos dois irmãos Arnaldo Baptista e Sérgio Dias, além de Rita Lee. Um dos motivos pelos quais a banda parece ser única se deve talvez ao fato dela seguir um rumo paralelo às demais bandas nacionais de então. Não que o Mutantes faça algo de inovador. Longe disso, parecia querer seguir as grandes influências da época: Beatles, Rolling Stones, a psicodelia das bandas de São Francisco, ou seja, tudo aquilo que havia se consolidado na Contracultura Norte-Americana, enquanto as demais bandas brasileiras pareciam simpatizar mais com os Tropicalistas. Apesar de participarem ativamente do movimento Tropicalista, para mim, Os Mutantes tinham uma sonoridade bem diferente.

Talvez justamente por caminhar lado a lado com o rock internacional "Os Mutantes" seja mais conhecido lá fora do que aqui no Brasil. Isso acaba tornando, não impossível, mas um pouco difícil achar os discos da banda pelo país. Aqui muito da fama do grupo se deve à posterior repercussão da carreira solo de Rita Lee.

Tá certo que nosso paisínho não é nenhum paraíso para se adquirir CDs, até pelo fato de não deixarem de sobretaxar nem a cultura, mas chega a ser o cúmulo se tratando de um grupo nacional. Revoltas à parte, quando me deparei com o primeiro disco da banda (Os Mutantes - 1968) pairando nas estantes de alguma livraria, não pude deixar de adquirí-lo. Naquele momento, acreditava ter posto as mãos na maior pérola do grupo. Não à toa, já que o disco conta com algumas das composições mais famosas da banda, tais como "Panis et Circenses" e "Minha Menina"

Bem, isso já faz algum tempo, mas um dia desses, meu irmão me disse que conheceu um disco da banda que era muito superior ao primeiro. Fui meio cético quanto a isso, mas esses dias decidi provar o "Jardim Elétrico"... e agora simplesmente não consigo parar! O disco não dá brechas para se respirar, é simplesmente uma música deliciosa atrás da outra. Infelizmente, a duração do disco é curta, ou talvez até felizmente, assim se fica só cerca de meia hora sem respirar.

Compartilho, portanto, meu entusiasmo recente deste disco com vocês.

1 - Top Top (2:28)
2- Benvinda (2:48)
3- Tecnicolor (3:44)
4- El Justiciero (3:53)
5- It's Very Nice Pra Xuxu (4:49)
6- Portugal de Navio (2:44)
7- Virgínia (3:27)
8- Jardim Elétrico (3:14)
9- Lady, Lady (3:33)
10-Saravá (4:25)
11-Baby (3:37)

DOWNLOAD

postado por Caio

Paulo Moura Sentimental

2010-07-25T19:24:00.000-07:00

Normalmente eu pesquisaria algo com afinco sobre o artista em questão, mas não vim aqui falar sobre a obra dele, em especial. Sei que esse é só mais um no meio de tantos e que, de fato, não adiciona em nada na cultura de todos , mas noto que até hoje ainda não me despedi direito de Paulo Moura, que morreu há uns 10 dias ou coisa assim.

Minha mãe tinha um CD do Paulo Moura em um dueto com o violonista Raphael Rabello, chamado "Dois Irmãos". Lembro-me de ouvi-lo há uns bons 10, 11 anos atrás. Gostava bastante dele, apesar de pouco saber sobre música na época. Recordo também ter perguntado quem eram os músicos para ela e ter ficado um pouco sentido sabendo da morte de Raphael Rabello.
Bem, quando o clarinetista e saxofonista veio se apresentar na Unicamp, em 2008 se bem me recordo, não podia perder! Era num gramado amplo e para a infelicidade da maioria, estava bastante frio naquela noite. Então, sua apresentação com a Orquestra da Unicamp começou e... Foi um tanto broxante: as músicas eram bastante lentas e já era razoavelmente tarde, o que levou uma boa parcela a ir embora. Eu mesmo não durei muito tempo, porque tinha muita fome. De qualquer jeito, fiquei feliz de tê-lo visto pela primeira(e única) vez. Porém, de maneira alguma deixei de idolatrá-lo.

Poderia dizer "Que ele fique em nossos corações e que assim nunca morrerá", mas espero mesmo que ele fique em nossos Cd Players, tocadores de vinis, mp3 e o que vier. E que ele seja passado de geração em geração!

Vai, Paulo Moura, vai fazer festa com Sivuca e Pixinguinha onde quer que você esteja!

Postado por: Guilherme

Tom Zé - O Pirulito da Ciência (2010)

2010-05-27T19:38:00.000-07:00

A Virada Cultural Paulista promoveu interessantes oportunidades de se conhecer os trabalhos de alguns artistas. Confesso que o trabalho de Tom Zé me era estranho. O pouco que conhecia dele (beeem pouco), nunca chegou a me interessar muito. Quando fiquei sabendo que ele viria a se apresentar no SESC Bauru na Virada, meio cético, decidi tentar minha sorte.

E que sorte. Tive a oportunidade de conhecer mais a fundo um dos mais interessantes artistas brasileiros. Irreverente, carismático, seco e experimentalista, Tom Zé parecia saber guiar o público como poucos. Infelizmente, sempre existem algumas maçãs podres, principalmente em eventos gratuitos, que mais se contentam em atrapalhar do que ajudar e o show terminou em uma discussão apimentada entre o artista e alguns outros elementos da plateia. Emputecido e sentindo-se desrespeitado, Tom Zé deixou o palco prematuramente.

No entanto, com uma hora e pouco de show, pude conhecer seu mais recente trabalho. Tom Zé utilizou-se da Virada para promover um DVD denominado "O Pirulito da Ciência", gravado Ao Vivo. Muito interessante é o uso dos vocais no som de Tom Zé, utilizados como se fossem instrumentos extras de percussão.

Dadas as características experimentais e sarcásticas, aproximando-se a um humor ácido, hoje me soa extremamente sensata a comparação que ouvi há um tempo atrás em algum recanto cibernético: "Seria Tom Zé o Frank Zappa brasileiro?" Claro que é uma questão que não dá para se afirmar com extrema contundência, mas dado seu contexto tanto geográfico como cultural, acredito que ambos tenham se valido de premissas equivalentes: a de reinventar a música a sua maneira, o que é feito, no Pirulito da Ciência, com invejável precisão.

Para quem quiser também conferir o esporro de Tom Zé na Virada, no melhor estilo Hermeto, segue também o vídeo abaixo. Perdão pela baixa qualidade do áudio, não fui eu quem gravou.

"Tom Zé Se Irrita"

"Tom Zé perde a paciência em Bauru" (qualidade de áudio melhor)

1 - Nave Maria (4:55)
2- Fliperama (4:28)
3- Ui! (você inventa) (5:07)
4- Companheiro Bush (3:05)
5- Classe Operária (3:19)
6- Ogodô (ano 2000) (6:11)
7- Hein? (3:27)
8- Menina Jesus (4:23)
9- Menina, Amanhã de Manhã (3:31)
10-Neto, Craque da Copa (8:21)
11-Meninas da USP e da GV (2:15)
12-Minha Carta (5:23)
13-Cademar (2:43)
14-Brigitte Bardot (3:08)
15-Augusta, Angélica e Consolação (4:37)
16-São, São Paulo, Meu Amor (4:06)
17-Tô (2:24)
18-Jingle do Disco (2:09)
19-Jimmy Renda-se Moeda Falsa (4:11)
20-João nos Tribunais - O Céu Desabou - Síncope Joãobim (8:19)
21-Defeitou 3: Politicar (4:36)
22-Faça Suas Orações (Antiga Gene) (8:05)
23-Todos Os Olhos (4:34)
24-Parque Industrial (4:39)

DOWNLOAD

postado por Caio

Lee Morgan

2010-04-26T20:31:00.001-07:00

De morte precoce, aos 33 anos (Jesus?), Lee Morgan foi conhecido por sua maneira excêntrica de ser e tocar seu trompete. Cara de pau, talvez em excesso, era capaz de retrucar a monstros do bebop na chance de conseguir mais atenção para si, como ocorrido quando convidado a uma jam session: ao ser questionado por um saxofonista famoso da década de 50 o que gostaria de tocar, disse “O que você quiser.”. Mal sabia que o saxofonista iria lhe ensinar uma bela lição, quando quis tocar um dos temas mais difíceis do Jazz, Cherokee, com andamento elevado e em si, um dos tons mais complicados de se levar uma música. Mal sabia o saxofonista que depois do incidente e do sumiço de Lee Morgan por alguns meses, ele iria tocar com Art Blakey and The Jazz Messengers, onde sua belíssima carreira começou a alavancar, até ser morto pela sua mulher. Maldita seja ela.
De qualquer modo, o que fizeram ou deixaram de fazer com ele não é da minha conta. O CD, sim, me interessa. Ele inicia com a faixa de maior sucesso do artista, “The Sidewinder” e possui 10 maravilhosos minutos do que seria, de certa forma, uma inserção de temas funkeados ao clássico bebop, tema frequente em Morgan. A quebra rítmica, ou síncope, aplicada pelo baterista Billy Higgins e a célula rítmica do baixista erigem a forma soul-jazz de ser. “Since I Feel for You” se trata de uma balada com pegada calma e leve, com temas bonitos no trompete, bastante diferente de “Speedball”, que é um dos melhores exemplos do hard bop desempenhado pelo trompetista. A quarta música lembra uma bossa nova. Com tema fluido, “Ceora” se faz um pouco diferente do estilo de Morgan, como ocorre com a última música, “I Remember Clifford”, um tema lento e fúnebre, clara homenagem ao também trompetista Clifford Brown. Por fim, a quinta música é caracterizada pela influência do funk, que se nota, nessa altura da conversa, ser ponto comum no artista.
Fazer tudo isso no final da década de 50 e começo da década de 60 é, minimamente, digno de ser escutado. Sua excentricidade aparece claramente naquilo que toca, no que deseja transmitir ao público. Apesar de também um tanto egocêntrico e até petulante, construiu parte da injeção do soul ao jazz purista.
A compilação que coloco aqui pode soar até mesmo destrutiva; como ser capaz de mitigar toda a obra de um jazzista a míseras seis músicas? E ainda mais se tratando de um “The Best of”, que só contém as mais conhecidas. Isso é válido? Sim, é válido. Em se tratando de Lee Morgan, quando falo dele, muitos dos que conheço e apreciam o jazz, costumam apresentar cara de dúvida. Aqui vai, então, meu empurrãozinho. Se quiser saber mais, então, que procure por ti, como pretendo fazer, porque a minha parte vai até aqui. Explore até onde gostar. Eu gosto mesmo é de me deitar na cama e relaxar ouvindo um desses mágicos instrumentistas. Ah, eu amo jazz!

Last FM

Postado por: Mim

Double John "Fantasy "

2010-04-10T23:34:00.000-07:00

Double John "Fantasy" - Prefácio de Paulo Leminski sobre Pergunte ao Pó.

*c
A ficção norte americano do século xx jamais ocupou lugar especial no meu coração.

Para meu paladar, afeito às sutilezas culinárias da frase de Flaubert e aos seus súbitos abismos da prosa de Joyce, ela sempre me pareceu comercial demais, vulgar demais, rasa, " mal escrita" demais.
Comercial, ela é mesmo. Literatura, nos Estados Unidos, é negócio para dar dinheiro grosso. E sonho de escritor americano é levar vida de estrela de Hollywood, casa na Califórnia, piscina cercada de starlets, festas de arromba todos os sábados.

Esta aproximação que faço da literatura americana não é muito fotuita: boa parte da ficção ianque deste século foi escrita, um olho no papel, um olho na Metro- Goldwin-Meyer.
O próprio Fante escreveu muitos roteiros para filmes.
Meca e oásis dos narradores, o cinema, arte de massas, massificou a literatura norte americana: boa história é história que emocione milhões, emoções de seis milhões de dólares. Para isso, precisa ser médio. Trabalhar com emoções médias. O cinema proclamou uma idade média.
Uma linguagem média.

Para atingir o sucesso, não se pode violar demais as leis do trânsito linguístico, sintático, formal: não se estupra impublicamente o quadro de expectativas de sua Majestade o Público consumidor, novo rei deste absolutismo estatístico.

Nisso a ficção norte americana do século xx se parece com a soviética.

A " mediocracia" norte americana é ditada por razões do mercado. A soviética, por injunções ideológicas e pedagógicas, sujeitas à contínua atenção e intervenção do Estado e seus aparatos policiais." Incompreensíveis às massas" foi a frase que matou Maiakovski, o maior poeta da Rússia comunista. Essa frase mataria qualquer escritor americano, também.

Vulgar demais, a ficção americana também me parecia.

Sempre achei tediosa perda de tempo acompanhar aqueles registros minuciosos de gestos cotidianos, insignificantes, irrelevantes, banais, em que se compraz a literatura
do país mais rico da terra: aquela tentativa de flagrar " a vida como ela é", as coisinhas do dia-a-dia, a mera passagem da vida para as palavras, isso sempre me pareceu menor.

Fanático por Borges e Cortazár, literatura, para mim, como a pintura, para Leonardo da Vinci, sempre foi 'una cosa mentale", arquitetura de idéias: nunca um clique-clique-clique
fotográfico das irrelevâncias em que consiste isso que se chama vida.

" Mal escrita demais". Educado nas matemáticas cadências da frase de Flaubert, herdeiro das redondices e redundância rítmica de Bousset, os curto-circuitos da frase norte americana, seus cortes abruptos, afins à fala, descartesianos, a escrita de ficcionistas americanos sempre me pareceu, menos que um erro, uma imperícia.

Com tudo isso, foi surpresa encarar a barra de passar, pela primeira vez, à língua de Machado e Eça, as perguntas que este desconhecido John Fante fez ao pó, em 1939.
Tudo o que eu sabia é que era o escritor favorito de Charles Bukowski. Hoje, sei muito mais.
Retrato do artista quando jovem e tolo o bastante para se julgar o melhor escritor do mundo, ASK THE DUST abre um movimento complexo no interior do seu processo. Afinal, é a história das desventuras de álguem querendo ser um grande escritor: um relato sobre o próprio escrever, desvelando seu fazimento. Ao escrever ASK THE DUST, esse alguém o consegue: é uma double fantasy, uma dúplice ficção, FANTE/BANDINI, BANDINI/FANTE.

" Desventuras de alguém querendo ser", eis o tema da chamada novela picaresca, conceito derivado da literatura espanhola, onde o gênio cristalizou e produziu obras- primas, na passagem do renascimeno para o barroco: Vida del Pícaro, Guzmán de Alfareche ( 1599), de Mateo Alemán; Libro de entretenimiento de la pícara justina {(1605) de Francisco Lopes de Úbeda, historia de la vida del Buscón ( 1626), de Francisco de Quevedo: Estebanillo González ( 1646), de Estebanillo González, El diablo cojuello( 1641) de Velez de Guevara, tudo tendo começado com esse El Lazarillo de Torme( 1544), a proto-picaresca, de autor ainda discutido ( Hurtado de Mendonza?).

Muito elegante a história ao borrar o nome do autor da primeira picaresca: o herói de todas elas, não importa o nome, é sempre o "pícaro", figura típica da Espanha da época ( e de todas as épocas). O pícaro é, antes de mais nada, um desclassificado, indivíduo fora dos quadros de um grupo social, lonesome rider, sujeito isolado, contando apenas com sua astúcia, falta de escrúpulos e os acasos da fortuna para continuar vivo.

Um pilantra, em suma. Um marginal, misto de cínico com estóico.

A palavra parece vir do verbo " picar", "bicar": pícaro é o "bicão", o que não foi convidado para a festa, o batedor de carteiras e oportunidades, o personagem de moral provisória, adaptável a todas as novas situações de uma vida de de grande mobilidade, geográfica ou social. É um errante, sempre em trânsito, santo aqui, miserável ali, ora por cima, ora por baixo, se virando mais que charuto em boca de bêbado, para manter a a cabeça acima da maré de merda, a vida de quem rompe com os quadros tradicionais do seu grupo social de origem.
A picaresca é uma novela de baixa articulação, constituída do fluxo de anedotas, percalços e peripécias, sem maior nexo estutural, o fluxo que caracteriza a vida pícara. No final, sempre uma, e só uma, conclusão-moral-da-história: a vida é assim mesmo, e malandro que é malandro não chia.

Pícaro, no brasil, é o malandro, e picaresca é a malandragem, a atitudade mestiça e mulata de quem vive na fronteira entre dois mundos, e tem sempre que fazer o papel de agente duplo contra si mesmo, a plasticidade transformada em modo de vida.
Meio italiano, meio americano do Colorado, pobre de dinheiro mas forte do talento que acredita ter, anjo caído num hotel classe c da hollywodiana California dos anos 30, Fante é um pícaro, ASK THE DUST , um texto picarescamente entre a prosa e a poesia, perigosamente Pênsil entre a vida e o signo.
Traduzindo ASK THE DUST, me defrontei com um híbrido de prosa e poesia, o que eu não esperava.
O fluxo verbal da prosa de Fante é afetado por aquele grau de imprevisibilidade, a que associamos o nome de poesia. Só com técnincas narrativas, aliás, não teria atingido o agudo de pungência, docemente lírico e amaragamente cínico, que caracteriza sua narrativa, entremeada de ex-abruptos dramáticos, mas contidos.
E tem muita landragem por trás de suas (aparentes) simplicidades.
Fante, por exemplo, sabe usar uma corriqueira expressão indiomática, fazendo a ressoar seus 365 sentidos: uma escrita de "" vanguarda", que não parece de vanguarda, à primeira vista.
No ataque do capítulo dois, "i was twenthy then" . Claro: " eu tinha vinte anos na época". Mas e se fosse: eu era vinte na época? O chão do texto de Fante está todo minado de coisinhas assim, discretas malícias, finuras quase invisíveis, ambuguidades em meio tom.
Me espantaram também certas modernidades de escritura, nesse "romance" de 1939: liberdades de diálogos e transcrição de cartas.
Isso, claro, à luz da caretice geral da liberdade americana média, que teria entre nós, seu paralelo mais proximo em Érico Veríssimo, o maios norte americano dos nossos ficcionistas, não em Jorge Amado, muito menos em Guimarães Rosa.
Muita coisa, no entanto, me deixou de ser mistério desde que tropecei com o nome e a cegueira de Joyce, no capítulo dois, e no cartoze, onde Bandini fantasia os críticos dizendo do seu livro: "nothing like it since Joyce", superlativa fantasia beirando a paranóia. Com Joyce, estrangeiros da língua inglesa, um irlandês, o outro italiano, Fante compartilhava um traço comum marcante: a educação em colégio jesuíta, o catolicismo estranhado, explodindo em manifestações blasfemas, negado, mas sempre afirmado, obsessivo, através da própria negação.

Ulysses é de 1922. E as subversões e as transgressões desse grande irlandês, desde então, penetram no solo da ficção anglo saxã, como tinta na areia ( Virginia Wolf e William Faulkner que o digam).

O fantasma de Joyce, recitando o monólogo de Molly Bloom no final de Ulysses, atravessa ASK THE DUST, atropelando vírgulas, acavalnado frases, liberando as lógicas. ASK THE DUST, descubro, vem de uma das melhores famílias da prosa inglesa, a louca linhagem irlandesa que começa com Swift e Sterne e desága no desvario absoluto de Finnegans Wake, de Stephan Dedalus, à procura de um pai, nas ruas de Dublin. Assim como Arturo Bandini ( protótipo de Chinaski, persona de Buk) perambula, à procura da glória e da felicidade, pelas ruas de Los Angeles.

Ask the dust é um monólogo interior, invenção do frances Édouard Dujardin, em seus Les Lauriers Sont Coupés ( 1887), levada até as suas últimas consequências por Joyce, no Ulysses, 35 anos depois.

Que tal traduzir logo " os loureiros Estão cortados" e começar essa história desde o principio, talvez começando com as Confissões de Agostinho?

paulo leminski.

No final do livro, há uma especie de "Apêndice":

Espeficicações Técnicas

A prosa da ficção brasileira, afluente da francesa, corta as frases ( vírgulas, conjunções, travessões, dois pontos) de modo diverso da prosa anglo saxã( e americana).
Em Fante, isso é particularmente acentuado, pelo próprio caráter meio poemático de ASK THE DUST.
Onde teriamos, em português, uma série de virgulas, Fante coloca um and em lugar de cada virgula: "she was beautiful and warm and blond an all that..."
Muito caprichosa, para nossos critérios, a pontuação de fante.
Ele usa dois pontos mais de uma vez no mesmo período, o que, em português, somente as vanguardas fariam.
Alem de uma exuberante profusão de vírgulas, e até desse estranho ponto e vírgula que nem os mais astuciosos retóricos nunca chegaram a definir bem pra que é que serve.
Na tradução, procurei preservar ao máximo esta peculiaridade de registro material do texto de Fante, convicto que o pensamento é uma coisa material e que as singularidades de uma grafia são um modo de pensar.
Não abrasilerei, " fantesei" a língua portuguesa
Num particular, não deu: a transcrição de diálogos. A ficção de língua inglesa coloca " aspas" cercando as falas, onde nós, franceses, usamos os dois pontos, linha nova, travessão e fala.
Nisso, franco abrasilerei.

Traduzi ASK THE DUST sem ter lido antes.
foi traduzindo que fui lendo, frase após frase.
A supresa de cada frase, de cada episódio, de cada parágrafo, de cada mudança da fortuna, essa surpresa produzindo a energia para passar a frase ao português.

ASK THE DUST, pergunte ao pó.
ocorre, porém, que o verbo "to ask", em ingles, pode significar " pedir" : pedir o jantar. Por exemplo, "peça o pó"?
por fim, ask, ainda, significa "convidar"; "convide o pó".
esse pó de palavras que fante espalhou por tantas páginas.

John "Arturo Bandini" Fante, obrigado por Camila Lopez, por Vera Rivken, por Hellfrick, por Hackmuth, pela senhora Hargraves, por uma noite nas praias da califórnia, pelo terremoto, por uma história chamada "o cachorrinho riu", por todas essas bobagens em que consiste isso que se chama viver, e que, sem você, hoje já teriam virado pó.

Paulo Leminski, curitiba, junho de 84.

Double John " Fantasy" - monólogo interior sobre John Fante.

2010-04-09T20:49:00.000-07:00

" Não há Deus, que nos perdôoe, para nós não há futuro!"

Visceral. Não há palavra mais certa do que essa para sintetizar de maneira completa a prosa poética produzida por Fante. Sua escrita provém diretamente das profundezas do coração, suas obras são o reflexo máximo que temos de como a miséria e a brutalidade de um cotidiano opressor minimiza aqueles cujas vidas estao inseridas nessa realidade, transformando seus sonhos em distantes suspiros de esperança.

Fante viveu nessa miséria e sobreviveu a ela, de maneira que suas obras possuem alto teor autobiográfico, são o resumo de suas vivências e sonhos juvenis, que discorrem sobre como o ambiente devorado pela pobreza e falta de perspectivas esfacela os sonhos das pessoas que se sujeitavam a uma rotina fustigante de trabalho para poderem manter um longínquo sonho vivo. Nessa realidade, o ato de escrever era um momento de fuga, de dar voz as angústias e fúria interna que são acobertadas, engolidas diariamente.

Mas Fante não é nem de longe apenas um escritor meramente "social".

Sua prosa é ampla e plural *( ver abaixo) . Fante trata com magistralidade assuntos como a hipocrisia da sociedade mesquinha norte americana, inclusive retratando os ricos ignorantes que compõe a esfera social superior. É comum encontramos momentos de arrogância por parte de seu Alter -Ego, quando sufocado pela trabalho ou pelo desprezo do patrão, desata a falar sobre Niesztche, evidenciando a reflexão e o diálogo com uma das referências de Fante, sobre a validade da civilização ocidental, bem como a maneira que os seres humanos relacionam-se na sociedade. O desprezo e o desrespeito ao qual somos tratados diariamente por outros semelhantes é desesperador, e Bandini/ Molise sabe disso; sua vida é insignificante para outras pessoas, seus problemas não são humanos, são apenas um diagnóstico psciológico( como esquecer Dorothy em 1933 tratando Molise como Paciente, não como um amigo que nunca será?)

O egoísmo e a solidão são também temas frequêntes, bem como as emoções desencadeadas por isso. Aliás, se há uma coisa que mudou em minha vida após ter lido seus livros foi não ter medo das emoções, de expressar-me, mesmo que da maneira mais caótica e violenta possível. Fante trata sobre emoções sem medo. Em " Caminho de Los Angeles" temos uma cena lindíssima: Bandini estendido dentro do guarda roupas, sem amigos nem mulheres , rendido em sua falta de esperança, solidão, angústia, cansaço e raiva, chorando e rasgando os vestidos da irmã.

Fante também é multiétnico e multicultural: filho de imigrantes italianos, marginalizados da sociedade e em eterno conflito entre a cultura de seus pais e do país em que morava. Este é um dos pontos mais fortes de sua obra, inclusive aquela tratada com mais consideração por Paulo Leminski( multicultural também) e curiosamente esquecida por muitos. Talvez apenas pessoas que convivem com esse dilema conseguem entender a pluralidade e profundeza dessa questão.

A Misc in Scene Fantiniana também é riquíssima. Los Angeles é fielmente traduzida e representada, o tédio e solidão da vida urbana e como aquilo nos faz sentirmos ora bem ora mal possui momentos únicos, bem como os personagens bizarros, fragmentos de indivíduos e vidas espalhadas pelas empoeiradas e frias ruas. O legado do romance undeground, com bares e hotéis decadentes, a soturna e evanescente noite com os seres que ali encontram sua moradia, como prostitutas, bêbados e pessoas das mais direntes estirpes, as longas caminhadas pelo centro em busca da inspiração ou a simplesmente à procura do nada, tudo o que compõe a atmosfera do "submundo" beat que Fante também descreveu de maneira não menos que belíssima.

E, acima de tudo , Fante permanece atual, por mais que a questão economica e social na qual sua narrativa é inserida, relatando os bairros pobres de imigrantes italianos e mexicanos e a miséria subconsequente do esfalcelamento economico dos EUA pela crise de 1930, seja um bocado diferente. Afinal, juntamente com a brutalidade do cotidiano, ainda somos tratados como lixo e escória pela respeitosa sociedade vitoriosa, somos desprezados , nossos rostos e nomes são insignificantes, camuflando-se em meio da multidão de formigas operárias.

Terapia diária: nos momentos mais desperadores, lembro-me de da garota de casaco púrpura, das noites entediantes e cheias de Los Angeles, da fuga do interior frio do Colorado rumo ao sonho de ouro, falo com Kenny sobre a merda do tédio desta cidade. Revolta maior do que Fante, nunca li na minha vida. Por sorte encontrei um livro que desafoga as angústias que também sinto e que por causa disso nunca fui compreendido.

Desde aquele dia, em que comecei a leitura de " Caminho de los Angeles" Ganhei um irmão de declínio.

Arturo/ Molise/Fante é meu irmão de declínio.

Obrigado, Fante.

E me perdooe a falta de destreza para escrever em melhores palavras aquilo que você soube medir, sem mais nem menos a acrescentar.

*Inclusive isso é algo curioso em relação as discussões que tive com outros leitores assíduos: como Fante marca cada um pessoalmente em um determinado âmbito, mas sempre em alguma convergência: alguns preferem a parte social, outros a multiétnica, outros o retrato undeground de los angeles, outros a solidão dilacerante que é tema frequente em suas obras.... cada um de sua maneira absorve aquilo que mais lhe faz sentido, mas aceitando a grande variedade de temas que ele oferece. Sinto que certos autores acabam sendo marcados por determinada característica que mais sobressai em relação a outras. Talvez a isso se deve não tão somente a indiscutível qualidae de sua obra, mas também ao fato de que há poucas discussões sobre Fante em literatura portuguesa e até mesmo na vida acadêmica, por mais que seja um artista de vanguarda. Presenciei isso quando conversei com pessoas do instituto de linguagem da minha universidade: Fante é clássico e não se faz trabalhos acadêmicos sobre ele. Pudera, imagino que a grande dose de conceitualização e irrelevância dos medíocres acadêmicos iria tornar Fante uma pasta insignificante. De acordo com Paulo Leminski, porém, Fante também era um grande escritor no que diz respeito ao âmbito estilístico.

Glauco Villas Boas ( 1957- 2010)

2010-03-21T15:21:00.000-07:00

Amanheceu triste, fatídico dia 12 de Março de dois mil e dez. Tomei ciência disso quando abri a página principal, anunciando, apocalipticamente, a morte de Glauco e seu filho.

Glauco, o cartunista? Tem certeza?

Sim, aquele mesmo. Geraldão, geraldinhos, geraldos, casal neura e aquelas personas-reflexos-de nós mesmos que enchiam as páginas de jornais e revistas.

Um vazio. Lacuna, ausência. Um segundo arrastou-se longo, esquisito. Seco, a garganta balbuciando involuntariamente. Estranhamento distante, aquilo era possível? Pesadelo Brasileiro!

E era possível...

-Glauco, o cartunista? Tem certeza?
-Sim, aquele mesmo- ouvi os comentários distantes numa sala de aula vazia, mas repleta de geraldos, que brotavam ali e acolá, mas,veja bem, puxa! somos nós mesmos.

Que descansem em paz.

2010-01-28T05:38:00.000-08:00

Pink Floyd - The Wall (1979)

Aclamado por críticos e fãs como um dos melhores álbuns dos Pink Floyd ( juntamente com Dark Side of the Moon e Wish You Were Here ), é conhecido como sendo um clássico do rock, e as suas canções inspiraram muitos dos músicos rock contemporäneos.

- DISC I-

1-In The Flesh
2-The Thin Ice
3-Another Brick In The Wall (part I)
4-The Happiest Days Of Our Lives
5-Another Brick In The Wall (part II)
6-Mother
7-Goodbye Blue Sky
8-Empty Spaces
9-Young Lust
10-One Of My Turns
11-Don't Leave Me Now
12-Another Brick In The Wall (part III)
13-Googbye Cruel World

DOWNLOAD: http://www.zshare.net/download/71796479710885d4

-DISC II-

1-Hey You
2-Is There Anybody Out There
3-Nobody Home
4-Vera
5-Bring The Boys Back Home
6-Comfortably Numb
7-The Show Must Go On
8-In The Flash
9-Run Like Hell
10-Waiting For The Worms
11-Stop
12-The Trial
13-Outside The Wall

DOWNLOAD: http://.zshare.net/download/7179735303406628/

Logo mais estarei postando o Filme ''The Wall'', aguardem...

Postado por Bruno Mazarin

The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)

2010-01-26T17:27:00.000-08:00

Existem muitas formas de se definir genialidade. Para mim, uma dessas formas dentro da música se limita às apresentações ao vivo. Creio que, se uma banda consegue exprimir tudo aquilo e mais um pouco no palco do que ela é capaz de produzir no estúdio, está em um nível superior às demais. Partindo desta premissa, o Allman Brothers Band está num patamar só dele, único, e isto deve-se em grande parte a At Fillmore East.

A banda é considerada um dos grandes expoentes do Southern Rock Americano. Surgiu no fim da década de 60, fundada pelos irmãos Gregg e Duane Allman e ficou famosa pelo incontestável entrosamento entre seus músicos, que faziam das apresentações ao vivo um festival para os sentidos, com duradouras sessões de improviso, guiadas pelas mãos do virtuoso Duane Allman, considerado um dos maiores guitarristas de Rock de todos os tempos.

"At Fillmore East" é a gravação da apresentação lendária que o grupo fez em 1971 em Fillmore East, Manhattan. No álbum, o que marca do começo ao fim são as longas sessões instrumentais, prolongadas por improvisações duradouras de Duane e dos dois bateristas, que conduzem com maestria o espetáculo. O álbum também é um marco como o último em que Duane participou por inteiro. Isto deve-se à morte prematura do jovem guitarrista ainda em 1971 em um acidente de moto. No período, a banda gravava o álbum "Eat A Peach", do qual Duane participou de parte, mas não chegou a finalizar o disco.

Apesar de contar com apenas 7 músicas, o disco tem mais de 70 minutos de duração. A música, como um todo, é ao mesmo tempo tão introspectiva quanto potente. Tal potência, porém, avança junto ao decorrer do show. Parece que tudo é arquitetado como um aquecimento preparatório para as duas últimas canções. O álbum mesmo é excelente do começo ao fim, mas os grandes destaques ficam para "In Memory Of Elizabeth Reed" e "Whipping Post".

1-Statesboro Blues (4:20)
2-Done Somebody Wrong (4:34)
3-Stormy Monday (8:50)
4-You Don't Love Me (19:15)
5-Hot'Lanta (5:22)
6-In Memory Of Elizabeth Reed (13:06)
7-Whipping Post (23:06)

DOWNLOAD

postado por Caio

Milton Nascimento & Lô Borges - Clube Da Esquina (1972)

2010-01-20T18:11:00.000-08:00

A década de 60 foi um período conturbado na História Mundial e não o deixou de ser para o Brasil. Em um mundo imerso em plena Guerra Fria, as ditaduras começavam a se instaurar firmemente na América do Sul, área sob a esfera de influência Norte-Americana. Neste contexto, instaurou-se o período que é conhecido como a Ditadura Militar no Brasil, que perdurou de 1964 a 1985.

Como forma de manipular a consciência popular e conter a "ameaça" socialista, os governos militares passaram a intervir nas formas de comunicação em massa, censurando tudo aquilo que não se adequasse aos padrões impostos por este novo regime. Nos anos de chumbo, com o decreto do AI-5, esta censura passou a ser considerada uma repressão que fazia o Estado Novo fascista de outrora parecer mera piada.

Neste período, surgiram vários movimentos artísticos de grande significado para a estruturação da identidade cultural brasileira tal qual a conhecemos. Em um estranho paradoxo, a censura passou a exigir uma maior criatividade dos artistas, de modo a driblar estes veículos de repressão tanto artística quanto informacional. Em meio a isto, surgem movimentos como a Tropicália, a Jovem Guarda (esta por sua vez não tão engajada) e o Clube da Esquina. Tratemos deste último.

O Clube Da Esquina foi um movimento musical que nasceu na região das Minas Gerais. Entre suas propostas, estava principalmente a fusão do Regional com o Pop, ou seja, uma espécie de Antropofagismo, como provavelmente gostaria de colocar Oswald De Andrade. De certa maneira, pode-se dizer que isto seria alcançado pelo aproveitamento de elementos da música global daquela época, como o Jazz e o Rock'N Roll, este último representado na época por nomes como os Beatles e os Rolling Stones; e elementos nacionais, como a Bossa Nova.

O movimento se consolida a partir do lançamento do incrível disco homônimo, creditado a Milton Nascimento e a Lô Borges. O disco, até por sua extensão (são 21 composições), consegue representar muito bem o que o próprio movimento propunha: Consegue explorar a diversidade de influências da época, juntando sempre elementos brasileiros e regionais e navegando pela música erudita, pelo rock e pelo Jazz. Algumas canções até manifestam o engajamento político de então, como são exemplos "Cais" e "San Vicente".

1 -Tudo Que Você Podia Ser
2 - Cais
3 - O Trem Azul
4 - Saídas E Bandeiras N°1
5 - Nuvem Cigana
6 - Cravo & Canela
7 - Dos Cruces
8 - Um Girassol Da Cor Do Seu Cabelo
9 - San Vicente
10-Estrelas
11-Clube Da Esquina N°2
12-Paisagem Da Janela
13-Me Deixa Em Paz
14-Os Povos
15-Saídas E Bandeiras N°2
16-Um Gosto De Sol
17-Pelo Amor De Deus
18-Lilia
19-Trem De Doido
20-Nada Será Como Antes
21-Ao Que Vai Nascer

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

A moda é ser Alternativo...

2010-01-17T20:06:00.000-08:00

Alguns, se não a maioria, deve ver no mínimo um problema no titulo dado a este post. Infelizmente sou obrigado a dizer que não, esse é um "problema" que reparei e tomei nota a algum tempo, e acredito que não tenha sido o único a reparar. Em shoppings, ruas movimentadas e bares podemos notar pessoas, e não são poucas, adotando um estilo de visual, e ate de gosto cultural tido como alternativo, mas me pergunto: "a ideia de um estilo alternativo não seria contrariar os padrões tidos como "na moda" ?"

Talvez a grande maioria dos quais adotam esse estilo publicamente não passem de um grupo de imitadores querendo causar uma impressão mais intelectualizada ( ou assustadora em alguns casos ) como ocorre com os adeptos de um sistema mais alternativo.

Dentro do blog ficamos muito tempo discutindo os post, as vezes tendo de censurar alguns artigos postados pelos membros por não possuírem o carácter "psicodelico" que o blog tem, ou tentamos faze-lo ter, a verdade é que esse padrão é atingido ao se desvencilhar um posts do conhecimento comum, tentar explorar fontes mais brutas de cultura, ou postar obras nossas e de outros autores que tenham um padrão não usual, o que ocorre é que essa forma bruta de cultura tem sido tão explorada a ponto de se tornar banal em blogs e todas as formas de transmissão de cultura virtual fazendo assim com que aquilo que despertava curiosidade se transforma-se em material comum e assim perdendo o seu principal atrativo: a originalidade.

Em momento algum (ate agora) questiono a qualidade das obras e nem posso faze-lo, o que questiono é se o fato de o inusitado ao se tornar comum deixa de ser chamado de original e começa a ser cada vez mais popular, com mais e mais pessoas tornando popular o estilo a qualidade cai de forma diretamente ligada com que a diversidade aumenta, pois por mais que possamos ter especialistas com grandes composições teremos leigos tentando se colocar em um patamar superior mesmo sem se aprofundar, e quando isso ocorre a tendência é dar merda, pois surgem então pseudo estilos e vertentes que vão cada vez mais se afastando do padrão original e possivelmente gerando aberrações culturais, como foi a cultura emo, nascida no berço do rock e então distorcida e destruída por seguidores no mínimo ridículos ou o pagode nascido de um mistura frustrada entre um samba decadente e uma musica recém nomeada sertanejo universitario, que também deriva de um sertanejo decadente.

É fundamental que isso ocorra para que uma cultura seja assimilada pela massa, esse enfraquecimento na solidez das obras é fundamental para gerar um abrandamento do publico, mas a partir do momento que o alternativo se torna popular ele perde seu significado original e entra no ciclo vicioso da musica e cultura onde o não casual se torna popular, depois é esquecido por um tempo e depois volta como retro por consequencia o retro se torna moda e depois é esquecido, em um ciclo infinito. A questão agora é procurar o que é realmente alternativo antes que este estilo se torne uma nova grande forma de alienação e o trabalho original desapareça dando lugar ao estilo Big Brother que domina as massas mundiais.

A questão que tento abordar é: isso realmente esta acontecendo com a cultura alternativa ? é possível notar uma decadência no nível de produção cultural e movimento social ? Se for possível dizer que sim, o problema já não tem mais solução, pois a popularização gera de qualquer forma a produção independente de esteriotipos do estilo original e a consequente queda de qualidade.

Não escrevo a fim de gerar revolta ou de ser drasticamente repreendido pelos que não concordam comigo, mas penso e vejo desta forma que lhes ilustrei, se existir quem discorde favor manifeste-se.

Fico grato pela atenção.

Postado por: João Paulo

The Sound Stylistics - Greasin' The Wheels (2007 - 2008)

2009-12-29T16:29:00.000-08:00

É inegável que nestes últimos anos de revoluções nas mídias de comunicação em massa, a internet reinou hegemonicamente. Subjulgou as demais formas de comunicação e, com domínios como o Youtube e até mesmo o Blog, pretende também fagocitá-las aos poucos. Por mais que em momentos nos ponhamos a criticá-la, existem coisas que não teríamos a possibilidade de saborear se não fosse a acessibilidade a esse vasto portal paradoxal, que em momentos aparece como um dos grandes vilões da sociedade patológica do Século XXI, seja por casos escrachados de exposição sexual, seja por outros motivos; mas em outros, aparece inefável como o maior portal de acesso à cultura já desenvolvido na História da Humanidade.

No meu caso, não teria acesso a nem 1/8 do que eu conheço hoje de música se não fosse pela internet. "Sound Stylistics" então, seria um sonho ainda mais distante. Não saberia eu o que estava perdendo, pois trata-se de uma das maiores pérolas da cena Funk inglesa.

Sound Stylistics é uma daquelas bandas que você descobre navegando a esmo pela Internet. Quando se depara com aquele encarte singelo no MySpace, mal pode esperar pela revolução rítmica que, em breve põe em questão tudo o que você conhece de música. Quando já se tem certeza que ouviu de tudo, surgem estas bandas tímidas e revolucionárias. Tão inovador, ao mesmo tempo que se prende a influências tão arraigadas e que, infelizmente, cada vez mais se encontram dissolvidas nos "grandes artistas" da música do jovem Século XXI, com riscos notáveis de desaparecimento. Por outro lado, a tecnologia deste mesmo conturbado Século nos trouxe a possibilidade de acesso infindável a esses redutos de Cultura, onde ela toda se renova e se reafirma nos porões escuros da World Wide Web, enquanto lá fora, na boca e nos ouvidos do povaréu se degrada e se banaliza.

Pois bem, chega de desvios. Vamos ao que interessa. "The Sound Stylistics" é o resultado de uma reunião entre músicos já creditados e renomados no mundo do Jazz e Funk londrino. O organista James Taylor, junto ao baixista Gary Crockett, baterista Neil Robinson e os guitarristas Eddie Roberts e Mark Van der Gucht unem-se aos excelentes Jim Watson (sintetizadores), Dominic Glover (trompete), Nichol Thompson (trombone), todos estes reconhecidos por seus trabalhos na banda Incognito; e Andy Ross e Mike Smith (saxofonistas, sendo este último integrante do Jamiroquai). Como pode notar-se, não somente é um arsenal de músicos com um currículo já consagrado como também um arsenal de Sopros.

Apesar da influências de seus integrantes, o Sound Stylistics não chegou no início de sua formação a emplacar. O primeiro álbum, "Deep Funk", de 2002, teria supostamente virado um item de colecionador, já que nunca havia sido concebido oficialmente, o que veio a acontecer em 2007.

Passados e lamentações à parte, a banda com certeza se reencontra em "Greasin' The Wheels". Assim que se propõe a dar uma voz mais jazzística ao Funk em "Tie One On", o disco já é todo sucessos. Porém, fica melhor ainda em "The Crisis Generator". Esta segue nas linhas da última, mas nos embalos de um dos maiores solos de teclado que meus ouvidos já puderam se dar ao luxo de ouvir. "Crack Away Jack" emplaca um funk cru, com os sopros remetendo-o bastante ao Soul americano. "Eye Of The Storm" já muda de orientações e apresenta a verdadeira salada de maravilhas e ritmos que é este álbum, adicionando agora ares de Fusion, ao mesmo tempo que mantém a marcante pegada funk característica da banda.

Os demais destaques ficam para "The Taking Of Pecham 343", "One For The Road" e "Cornholin", sem desmerecer as demais composições, que mantém-se em um patamar nivelado ao dos grandes mestres que conduziram a gravação de obra tão esplêndida.

1- Tie One On (4:38)
2- The Crisis Generator (4:54)
3- Crack Away Jack (4:13)
4- Eye Of The Storm (5:47)
5- Knucklehead (5:34)
6- The Taking Of Pecham 343 (4:48)
7- The Burner (6:23)
8- Say It Ain't So (5:35)
9- One For The Road (5:25)
10-El Nino (5:28)
11-CornHolin (4:22)
12- Big Pieces (5:02)

OBS: A data de lançamento do álbum está entre 2007 e 2008 no título pois em nenhuma fonte achei algo que estimasse com precisão sua realização. Serve apenas para direcionar e não deve ser utilizado como fonte de informações.

DOWNLOAD

MYSPACE

postado por Caio

Blood, Sweat & Tears - Blood, Sweat & Tears (1968)

2009-12-19T17:25:00.000-08:00

O Blood, Sweat & Tears foi criado em 1967. Nesta época, aflorava-se a Contracultura Hippie, o que foi um fator determinante para a fama inicial que a banda alçou, já que Al Kooper, um dos fundadores da banda e o "frontman" então, já era conhecido no mundo musical pelo fato de ter participado de alguns shows com grandes artistas e representantes do movimento, como por exemplo Jimi Hendrix.

O contexto do álbum homônimo à banda, porém, está integrado ao período em que David Clayton Thomas, um cantor canadense, assumiu a voz do grupo. O "Blood, Sweat & Tears" assumiu um estilo bem diversificado, marcado pelas influências do Jazz, do Rock e do blues, mesclando-os e criando uma espécie de Fusion. Porém, contrapõe-se ao Fusion padrão, que tendia mais para os arranjos instrumentais e une o vocal como carro-chefe da música.

O álbum "Blood, Sweat & Tears" foi o segundo da banda e talvez o trabalho mais marcante desta, considerando que, após o lançamento deste e a saída de Al Kooper, o grupo nunca mais alcançou o mesmo sucesso. O disco é marcante do início ao fim, porém destacam-se as músicas "Smiling Phases","Spinning Wheel" e "Blues pt.2".

1 - Variations On A theme By Erik Satie (2:30)
2- Smiling Phases (5:11)
3- Sometimes In Winter (3:09)
4- More and More (3:04)
5- And When I Die (4:06)
6- God Bless The Child (5:56)
7- Spinning Wheel (4:08)
8- You've Made me So Very Happy (4:19)
9- Blues pt.2 (11:43)
10- Variations On A theme By Erik Satie (1:40)

DOWNLOAD

postado por Caio

Me acertem um tiro na cabeça.

2009-10-26T17:32:00.001-07:00

Me acertem um tiro na cabeça, por favor.
E acabem com esse tédio.
Uma carcaça morta pesadamente segurando meus pés. Me impede.
Me acertem um tiro em minha mente, por favor.
Já nem sinto mais o perfume do jardim.
Nem o sol entrando na janela do quarto.
Morra tédio, morra.
A noite está quente, mas as ruas são feitas de matéria negra e de solidão.
Chovem rostos desformes, e o caos toma conta do coletivo de bois no matadouro.
Próximos de serem fatiados e virarem embalagens.
Um motim de violência e revolta inexplicável, mas sincera.
Explodam as casas daquela avenida morta.
Pisotearam, esmagaram, massacraram, gritaram.
Mas o tédio continua ali, inerte, no alto da montanha, rindo de sua onipotência..
E acertaram um tiro em minha cabeça.
E voou restos de miolos podres, já corroídos pelo tédio.
E o sangue preguiçoso que demoro pra começar a escorrer. Porque era acomodado em seu leito lerdo de fluxo.
E aquele vício, aquele ar putrefato, irrespirável, um bafo quente e pesado que me envolvia repentiamente me abraçou, sufocando-me.
Sentia nojo.
Mas não conseguia me soltar.
E eu estava deseperado, com um grito gigantesco preso na garganta.
Mas não conseguia me libertar.
E eu fui assim, me minimizando, até virar uma engrenagem do motor, um boi no abatedor.
E minha cabeça explodida e sangrando pesava.
E o tédio contiuava alí, em cima, poderoso, ainda mais forte, mais poderoso, rindo e se deliciando da minha miséria.
Desgraçado. Morra.

A Onda - Movimentos Totalitários, Governos Nazi-Fascistas

2009-10-14T14:26:00.000-07:00

A idéia de fazer o post sob "A Onda" veio do post abaixo feito pelo meu grande amigo Ricardo, com seu tipíco discurso totalitário e entusiamado, beirando o lunatismo, mas sem perder a razão, é claro. (caso leia isto, Ricardo, não passa de uma brincadeira, mantenha a esportiva ^^)

A Onda é um filme já filmado três vezes, de formas completamente diferentes, mas mantendo sempre a fidelidade ao roteiro original, que no final das contas é o que deve sempre ser considerado primordial em qualquer filme.
O filme aborda o funcionamento dos mecanismos que levaram ao nascimento do sentimento Nazi-Fascista, mostra como o anti-semitismo, xenofobismo e até mesmo o puro preconceito podem se instalar em uma sociedade considerada desenvolvida e consciente.
O que mais chama a atenção no enredo é seu desenvolvimento, o sentimento de nacionalismo e de poder atravez da ordem, como surge e abraça os que estão ao seu alcançe.
Durante todo o filme a ficção absorve a atenção dos espectadores e ao fim choca-os com a frase que antecede os créditos: "Baseado em fatos reais". Causando reflexão nos dispostos a compreender a sociedade humana e seu comportamento perante o poder e a ordem, e se Hitler, Stálin, Mussolini e outros eram monstros, ou apenas parte de algo maior.

Sinopse:

Um professor do ensino secundário propõe aos seus alunos uma experiência que tem como objectivo perceberem como funciona um regime totalitário. Os alunos iniciam então o projecto que terá consequências trágicas. Ao fim de alguns dias, noções inicialmente inofensivas tornam-se um verdadeiro movimento: a Onda. E ao terceiro dia, os alunos começam a excluir e perseguir aqueles que não se unem à causa. Quando o conflito explode e a violência vem ao de cima, o professor resolve terminar o projecto. Mas é demasiado tarde, a Onda já é incontrolável.

Informações Técnicas (2008)

Título Nacional: A Onda
Título Original: Die Welle
Ano de Lançamento: 2008
País de Origem: Alemanha
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 102 minutos
Diretor: Dennis Gansel
Escritor: Dennis Gansel/Todd Strasser

Elenco
Jürgen Vogel ... Rainer Wenger
Frederick Lau ... Tim Stoltefuss
Max Riemelt ... Marco
Jennifer Ulrich ... Karo
Christiane Paul ... Anke Wenger
Jacob Matschenz ... Dennis
Cristina do Rego ... Lisa
Elyas M'Barek ... Sinan
Maximilian Vollmar ... Bomber

Abaixo segue o link para Download da mais recente filmagem , de 2008, e os links do filme no youtube, no entanto este é uma versão americana e não tão boa quanto a atual ou a clássica.

Download, filme 2008.

Parte 1 do Filme no Youtube.

Leitores, fico grato pela atenção e recomendo novamente o filme a todos que leêm nosso blog e tem interesse no assunto.
Um Grande Abraço a Todos.

Postado por: João Paulo

The Jazz Crusaders - Chile Con Soul (1965)

2009-09-25T18:53:00.000-07:00

Tá aqui o único disco que conheço deste grupo americano de Jazz. Infelizmente, pelo menos para mim, tem sido muito difícil achar material deles em qualquer lugar da internet. Por outro lado, se todos os discos tiverem a mesma qualidade de Chile Con Soul, minha busca será compensada.

The Jazz Crusaders é uma banda norte-americana fundada na década de 60. A variedade de influências presentes na música do grupo é fantástica. Fiquei impressionado ao me dar conta que se tratava de um grupo norte-americano, pois a marca maior de seu som é a forte presença de ritmos latinos.

A coluna cervical da banda está nos sopros. Para os flautistas e saxofonistas de plantão, este disco é um prato cheio. O piano, seguindo o estilo do jazz cubano também adiciona um tempero essencial e os vários instrumentos de percussão proporcionam o toque final desta salada de ritmos. O resultado é uma das mais originais bandas de Jazz até então.

Dentres as influências do grupo, estão principalmente os ritmos latinos, como a música cubana e a salsa; mas também há, no fundo, a presença do soul e do jazz. Por mais que possam parecer antagônicos, a união desses estilos é feita com tal sutileza e maestria que tudo parece de uma soberana naturalidade.

Muito recomendado a todos, ainda mais àqueles que querem fugir um pouco do jazz-standard para um tipo mais eclético de música.

1 - Água Dulce [sweetwater] (5:25)
2 - Soul Bourgeoisie (7:25)
3- Ontem A Note (4:20)
4 - Tough Talk (2:39)
5 - Tacos (4:09)
6 - Latin Bit (4:09)
7 - The Breeze And I (5:09)
8- Dulzura (4:37)

DOWNLOAD

As Irmãs da Providência

2009-09-21T19:39:00.000-07:00

O MySpace e a internet podem ter seus valores negativos na visão "marketeira" de se enxergar o todo. O portal Online tem custado milhões à indústria fonográfica e parece apontar para um futuro de cultura-livre, queiram ou não os graúdos donos dos selos de gravadoras.

Afastando-se dessa visão, a rede nos reserva muitas surpresas, fora a praticidade de divulgação para novas bandas. As Irmãs da Providência foi uma surpresa agradável. Ao ser informado sobre a existência da mesma por uma amiga, cantora da banda, fiquei curioso. Mais do que curioso, fiquei extremamente impressionado com toda a qualidade esbanjada pelo grupo.

A banda, formada principalmente por alunos do curso de Artes Plásticas da Unicamp surgiu em 2006. Desde então, vem fazendo shows em eventos na cidade de Campinas e divulgando seu nome. O grupo foi inclusive convidado a tocar na Virada Cultural de 2009 em Campinas, mas infelizmente o evento foi cancelado.

Com um som que mistura diversas influências, a banda não se limita somente a um estilo bem definido e marcado, mas trabalha bem em todos os que se dispõe a interpretar, principalmente em cima do "folk". O resultado final lembra muito o bom e velho "Secos e Molhados", com algumas influências também de "Os Mutantes" e do bom e velho "Clube da Esquina" de Milton Nascimento.

Vale a pena conferir e, não se preocupe, Manu. No próximo show de vocês estarei lá!

MYSPACE

BLOG

postado por Caio Bucaretchi

Desculpas (2)

2009-09-01T07:03:00.000-07:00

Perdão aos leitores se houver alguma demora, pois todos quem ultimamente posta ou é universitário ( correria só) ou está no cursinho/trabalhando ( que não é para menos).

Por favor façam barulho MESMO com os links defeituosos para que possamos repostá-los.
Fico cuma réiva desses links que duram pouco, alguns é dificil reencontrar e precisamos portanto upar o cd da máquina o que demora ainda mais.

Obrigado,

Ricardo

Tim Maia - Racional.vol 1 (1975)

2009-07-20T14:39:00.000-07:00

Retomando minha peregrinação pelas raízes da música Brasileira, não necessariamente suas origens, mas suas virtudes ao meu ver, vos trago um dos grandes clássicos. Tim Maia é conhecido por ser um músico extremamente talentoso e um dos principais ícones da música Brasileira. Sua fase Racional é justamente a que mais expressa essa genialidade do Mestre, iniciada justamente com o disco Racional.vol 1.

A inspiração para as composições surgiram de um envolvimento, na época, de Tim Maia com a seita "O Universo em Desencanto", corrente religiosa que prezava que o enriquecimento espiritual do homem viria a partir do pensamento e da cultura, ou seja, da Racionalidade. Mais tarde, Tim Maia viria a se "desencantar" justo com a seita a qual tão fielmente fez parte, deixando sua fase Racional da música de lado. Dizem as más línguas que sua revolta com a corrente religiosa seria o fato de ter encontrado sua esposa à cama com o Grão Mestre Varonil, Manoel Jacintho Coelho, porém, não existem fontes confiáveis deste relato. Deixem os chifres de Tim Maia descansarem em paz.

Em sua fase Racional, Tim Maia usa e abusa de ritmos e elementos da música "black" americana, tais como o Funk e o Soul, além do feijão com arroz Brasileiro, como a Bossa Nova e o Samba. Além disso, o disco é marcado pela voz potente de Tim Maia em seu melhor estado, o que se deve ao abandono, pelo menos em partes, da bebida enquanto seguidor da corrente "O Universo em Desencanto".

O disco é bom em todos os aspectos, além de conter algumas das faixas clássicas de Tim Maia, como "Imunização Racional" e "Bom Senso".

1- Imunização Racional (5:11)
2- O Grão Mestre Varonil (0:24)
3- Bom Senso (5:09)
4- Energia Racional (0:15)
5- Leia O Livro O Universo Em Desencanto (2:50)
6- Contacto Com O Mundo Racional (3:06)
7- Universo Em Desencanto (3:46)
8- You Don't Know What I Know (0:38)
9- Rational Culture (12:26)
10-Ela Partiu (4:40)
11-Meus Inimigos (3:48)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

O Sétimo Selo - Ingmar Bergman

2009-07-18T21:48:00.000-07:00

Boa noite, tarde ou manhã aos que que lêem nosso blog, isso se vcs realmente existem, com esse post retorno a ativa e espero continuar contribuindo com filmes, musicas e trabalhos literários que sejam dignos de vossa atenção, então vamos nessa.

"O Sétimo Selo" é um filme do já aclamado diretor Ingmar Bergman, e é considerado uma obra prima não só do cinema como da carreira de Bergman e tal como a maioria (ou todos) os seus filmes este também é em preto e branco (alem de ser um filme Sueco e portanto este é o único idioma disponível no filme). Mas colocando ao lado tais "complicações" é possível dizer que as atuações não deixam nada a desejar, apesar de não serem nada espetáculares, o fato é que o filme leva o titulo de obra-prima cinematográfica por seu enredo um tanto confuso aos leigos (incluindo esse que vos fala) mas no entanto repleto de simbolismos e referencias externas que fixam o espectador a tela e trabalham suas emoções alterando-as junto ao personagem que for mais próximo a realidade física e sentimental de quem assiste. Com um final belíssimo que leva ao mais profundo pensamento sobre a existência humana e seu rumo aos que realmente acompanham os personagem em todas as suas perspectivas humanas (o que digo não ser difícil), com falas belamente trabalhadas uma a uma e um cenário que remete a decadência da sociedade na Idade das Trevas o filme é um drama que posso recomendar apenas aos poucos que realmente tem amor pelo pensar e pela arte em si.

Enredo:

O Sétimo Selo tem por tema fundamentalmente a questão do medo da morte; um cavaleiro que volta da Cruzada da Fé para encontrar em sua terra a peste e morte. Quando ele mesmo se depara com a personificação da morte, aceita-a como um visitante esperado, mas propõe-lhe uma negociação – numa disputa de xadrez - para que possa ganhar tempo e indagar sobre o sentido da vida e, conseqüentemente, o sentido da morte. Dessa forma, abre-se uma pausa no caminho da morte para vermos qual é o sentido da aflição que está sendo promovida e qual o caminho possível para fugir desse destino.

Quando ao Elenco infelizmente não pude encontrar todos os integrantes e portanto não julguei justo postar só alguns deles e assim não postarei nenhum.

Quando a duvidas e possíveis discussões que possam surgir (e espero que venham a existir) estou como sempre disposto a ouvir a todos e usar do que pesquisei e entendi sobre o filme para ajuda-los e é claro ser ajudado com a opinião dos que se dispuserem a falar.

Grato pela atenção de todos e um grande abraço.

Postado por: João Paulo

Odilon Redon

2009-07-18T13:48:00.000-07:00

Pintor Simbolista. Sou leigo em pinturas, mas o som do explosions in the sky me lembra as obras dele.
Só pra dar uma comparada mesmo.

Post Rock: Explosions in The Sky

2009-07-18T13:12:00.001-07:00

Corrigindo, Poulsen é o camisa sete da Dinamarca, não Paulsen.

Prometido: Cara nova aqui no blog. Música nova, banda nova, de um estilo novo. O tal do Post Rock, um negócio completamente viajado, ora prog, ora psicodélico, asas livres à criatividade e imaginação. Afinal, nem sempre é necesário palavras pra transmitir emoções.

Essa banda confesso que conheci a muito pouco tempo, mas que me impressionou gigantescamente. Músicas longas, bonitas, de diferentes progressões e harmonias, que muda repentinamente, ora estourando, ora rallentando, ora presto. As composições são de extremo bom gosto, delicadeza e ao mesmo tempo energia. Um incrível resultado de arrepiar e fazer com que passemos horas no escuro deliciando-nos com esse som maravilhoso, completamente viajado , de encher o ambiente de vibrações positivas.

Não sei quanto aos outros, mas de primeira esse estilo me lembrou o simbolismo, movimento literário do século passado. Isso mesmo, alguma espécie de sinestesia intelectual inesperada senti ao ouvir o som. Isso porque a música desses caras incrivelmente consegue transmitir um misto de sensações tão profundas, tão reais e ao mesmo tempo tão imaginárias e reconfortantes, que me sinto em um quadro simbolista. Parece que estou em um passeio de carro na madrugada pela cidade que nunca dorme, talvez tocando suavemente as luzes dos postes que acariciam o asfalto e dançam com as árvores ao vento. Ou em um voo transcendental por campos de líros e rosas, enquanto de longe avistamos um moinho em seu ciclo interminável. Talvez deitado em uma extensa planície a noite observando o céu estrelado, respirando o ar puro e fresco, e ao nosso redor uma névoa cobre evanescentemente as colinas, em imagens efêmeras, as saudades eternas de algum tempo que nunca vivi. Ou melhor dizendo, todas as sensações simultâneas e ao mesmo tempo tão claras.. Um som completamente trascendental.

Lembra violeta de outono. Talvez os caras fizeram esse som e esse estilo bem influenciados, mesmo que inconscientemente pela Violeta ( a começar pelo nome e pelas sensações) e também Pink Floyd.

O estilão Post Rock eu ouvi recentemente. Sinceramente, não posso dizer muito à respeito, exceto que fiquei muito impressionado pelo menos por essa banda e que tenho a profunda sensação de que já tinha pensado em algo assim musicalmente. Ou talvez seja apenas saudades.....enfim, deixa pra lá.

Melhor ouvir .

Link com todas as discografias ( achei mais cordial postar o link do blog que tem esses cds do que copiá-los. Mas recomendo principalmente The earth is not a cold dead place)

Boa Audição

Blogue Chemicall Blog ( ainda bem que passei em química geral 100 se não teria calafrios ao ouvir essa palavra) : http://chemicallblog.blogspot.com/2007/09/explosions-in-sky.html

Postado por : RICARDO FRANCO

Lonely Kamel

2009-07-18T12:36:00.000-07:00

LONELY KAMEL

Banda norueguesa de hard rock pesadão e sujo completamente old school. Sim, que gosta de coisa nova vai ter que esperar outros posts, porque esse aqui é briguento, anda em duas rodas motorizadas e barulhentas e ainda frequenta bares com mesas de sinuca, ambientes esfumaçados, freguesia de reputação duvidosa e ou/ "respeitosa" e muitos copos de scotch pelo balcão.

O grupo é formado por : Espen Nesset, batera, Tomas Brenna vocais e guitarra, Lukas Paulsen ( camisa seeeeeeeeeeeeeeeete da dinamarca!!!!) guitarra, e Stian Helle, baixo.

Pensando bem, lembra pra caralho o Mountain, como o vocalista ora seguindo à la Ian Astbury ora a James Hetfield, e Black Sabbath. Acca dacca dessa vez ficou de fora, a banda tem mais influência do Mountain e Sabbath. As guitarras também lembram riffs dos anos 60 tocados de maneira mais intensa. Tanto que "Shake it with the devil" lembra Grand Funk Railroad com um riff introdutório zeppeliano. Tem wah wah, uhuuuuus nos refrões, letras sobre mulheres, banjos tipo southern( caralho, parece pride and glory) e tudo o mais que o estilo precisa.

CD : LONELY CAMEL ( retirado da comuna Mega Rock)

DOWNLOAD

1. In My Lane
2. I'm Your God
3. Dark Lord
4. Don't Piss On The Lizzard
5. Madras
6. Damn You're Hot
7. Spacerider
8. Black Suits And Guns
9. Shake It With The Devil
10. Blindfolded

MYSPACE

YEAHHHHHHHHHHHH!!!!!!!!

postado por: RICARDO

Véio....

2009-07-15T17:19:00.000-07:00

Puta merda.

Final de semestre, quase morto, juntando os cacos da derrota mas tamo aí na atividade, plagiando os manos do gueto de nárnia.

Bão, tentarei em breve postar alguma coisa, algum cD, alguma parafernalha que preste.

Ricardo

Arcádia reabrindo suas portas.

2009-07-10T15:36:00.001-07:00

O blog acabou passando por um bom tempo de inatividade e estará voltando à ativa agora. Esse ano tem sido meio apertado para os colaboradores e agora aos poucos a poeira vai se assentando. Não prometemos atualizações diárias ou num ritmo demarcado, mas tentaremos manter a meta de pelo menos um post por semana.

A boa notícia dessa reinauguração é que todos, ou pelo menos a maioria, dos links antigos foram arrumados e estão em ordem novamente para quem quiser baixar. Qualquer problema quanto a isso, reportem a nós, ou aqui, ou na comunidade do Orkut.

Esperamos visitas e, por favor, comentem :)

Arcádia Psicodélica no Orkut.

2009-07-06T16:00:00.001-07:00

Para os afortunados que têm Orkut, podem agora acessar e entrar na comunidade do blog Arcádia Psicodélica.

Vamos agora conhecer aqueles que leem e estes conhecerem a nós =)
Estão todos convidados.

http://www.orkut.com.br/Main#Community.aspx?cmm=91810481&refresh=1

Jorge Ben Jor - 23 (1993)

2009-07-06T15:25:00.001-07:00

Seria o Frank Zappa brasileiro? Para o leitor mais afiado e crítico, essa comparação pode parecer extremamente esdrúchula. Tem razão, musicalmente falando estão em lados extremamente opostos. Porém, tanto Jorge Ben como Zappa tem uma certa característica em comum. Ambos trabalham suas composições em cima de um lado cômico e irônico do cotidiano, ressaltando aspectos culturais de suas vivências e os tratando de maneira satírica e teatral.

Posso dizer que Jorge Ben é um pouco novo pra mim. Seus hits conheço há muito tempo, assim como podem ser familiares para a maioria dos brasileiros, daqueles que tocavam direto nas rádios como "W-Brasil" e "Fio Maravilha". Porém, pegar para escutar algo com mais atenção foi só agora, o que não permite destacar talvez o seu melhor álbum, ou talvez suas fases, suas decadências e seu estilo característico, já que está há praticamente quarenta anos no ramo.

O que mais me chamou atenção até agora foi o álbum "23". Em algumas passagens, me lembra até um pouco o "Pet Shop: Mundo Cão" de Zeca Baleiro que postei há pouco, mas mantém-se original a sua própria maneira. Talvez as inspirações do álbum que sairia 9 anos mais tarde tenha sido justamente esta.

Vale a pena conferir para quem, como eu, ainda não conhece muito desse interessante artista e, para os mais informados no assunto, compartilharem suas opiniões sobre o mesmo.

1 - Alcahol (6:03)
2 - Eu Sou Cruel (4:38)
3 - Engenho de Dentro (5:16)
4 - Moça Bonita (4:47)
5 - Mulheres No Volante (3:57)
6 - Cowboy Jorge (4:30)
7 - Bumbo da Mangueira (4:32)
8 - Princesa (5:19)
9 - Goleiro (Eu Vou Lhe Avisar) (5:26)
10-Spyrogyra Story (11:36)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Zeca Baleiro - Pet Shop: Mundo Cão (2002)

2009-06-27T10:31:00.000-07:00

Zeca Baleiro é um conhecido músico maranhense de MPB. Muitas vezes, Zeca Baleiro é associado a uma imagem talvez preconceituosa, talvez realitária de pseudointelectualoide metido à besta. Por mais que isso possa ser verdade (não posso comprovar pois não o conheço como pessoa), muitos de seus trabalhos apresentam um refino bem acima da média. Ora poeta, ora músico, Zeca Baleiro destacou-se em muitos setores e estilos da música brasileira, tais como o Samba, Baião, Pagode e Forró (estes dois últimos não muito apreciados por mim) e misturando-os ao Rock com elementos de Drum'n Bass e do Pop americano.

Apesar de eu não ser grande fã de seus trabalhos mais recentes, creio que toda a genialidade de Zeca Baleiro se manifesta em Pet Shop: Mundo Cão, seu quarto disco lançado. Também tenho significativa consideração por este disco por ter sido o meu primeiro e muito responsável por ter suscitado em mim o interesse pela música.

Tendo ouvido parte considerável de sua discografia, posso afirmar que Pet Shop: Mundo Cão é o trabalho mais experimental de Zeca Baleiro. Cada música que o integra parece pertencer a um álbum independente em toda sua essência. Traz desde elementos de Samba até ritmos como o Funk, Rap e uma certa soberania do Rock'n Roll, mesclando-os por vezes à música eletrônica.

Hoje em dia a apreciação da arte tem se tornado difícil devido a sua efemeridade, culpa do mundo cultural em constante mutação em que vivemos hoje. Por mais que de 2002 pra cá, quando foi lançado este disco, possa ser considerado um intervalo de tempo relativamente pequeno na ordem natural, a ordem de tempo na sociedade e na cultura parece ser outra. Levando em conta a velocidade com que as novas frentes tornam-se obsoletas, seria de se esperar que este disco já estivesse talvez ultrapassado. Porém, o álbum preserva sua integridade, mantendo-se fiel aos requisitos mais contemporâneos e não deixando de lado a originalidade que trazia há alguns anos atrás.

Talvez essa contemporaneidade possa parecer algo ruim para o leitor mais exigente, mas mesmo hoje em dia não é impossível de se notar que ainda temos música muito interessante, por mais que ela esteja encoberta pela mídia.

Chega a ser introdutivo esse comentário sobre a mutação do mundo por ser uma das coisas que as composições presentes no álbum salientam. Vale a pena conhecer.

1 - Minha Tribo Sou Eu (4:12)
2 - Eu Despedi o Meu Patrão (3:36)
3 - O Hacker (4:02)
4 - Telegrama (4:26)
5 - Mundo dos Negócios (4:14)
6 - Guru da Galera (3:31)
7 - Drumembéis (4:02)
8 - Um Filho e Um Cachorro (4:20)
9 - Fiz Esta Canção (3:35)
10- As meninas dos Jardins (4:16)
11- Mundo Cão (1:18)
12- Filho da Véia (3:24)
13- A Serpente (Outra Lenda) (4:24)
14- Meu Nome é Nelson Rodrigues (0:46)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Novos Baianos - Acabou Chorare (1972)

2009-03-22T10:44:00.000-07:00

Os Novos Baianos foi um grupo brasileiro que permaneceu em atividade entre o final da década de 60 até o fim da década de 70. Englobando vários estilos musicais nacionais como o samba, a bossa nova, o baião e o choro e mesclando-os a demais estilos como até o próprio Rock'n Roll, o conjunto acabou criando uma identidade própria e atingindo grande popularidade em seus anos de atividade.

Com gênios como Moraes Moreira e Pepeu Gomes, o som característico emana as mais diversas possibilidades e criações, tal como até uma metáfora involuntária à extrema miscigenação que compõe o povo brasileiro. Essas características se transpõem na música de maneira intensa. A simplicidade e eficácia com que as composições são tratadas e o jeito tipicamente brasileiro de se fazer música fazem de "Novos Baianos" uma pedida primordial para qualquer alma que se diga Brasileira.

Seja no samba animado de "Brasil Pandeiro", na bossa-nova calma de "Preta-Pretinha" ou até mesmo no Rock "chorado" de "Tinindo Trincando", dificilmente se deixa o ouvido distrair das composições criteriosas. Segue-se "Swing De Campo Grande", uma mistura de Bossa-nova com samba cru, por mais pleonástico que isso seja.

Os demais destaques ficam para o samba animado de "Besta é tu" e ao baião atípico de "Um Bilhete Prá Didi"

1- Brasil Pandeiro (3:56)
2- Preta Pretinha (6:41)
3- Tinindo Trincando (3:26)
4- Swing de Campo Grande (3:10)
5- Acabou Chorare (4:13)
6- O Mistério do Planeta (3:39)
7- A Menina Dança (3:53)
8- Besta é Tu (4:26)
9- Um Bilhete Prá Didi (2:53)
10-Preta Pretinha (3:25)

DOWNLOAD

Postado por Caio Bucaretchi

2009-02-09T12:04:00.000-08:00

Caralho, Puta Merda, Puta que o Pariu, Porra, véio.

Alguém aí está vivo nesse naufrágio de tédio e preguiça que toma conta da cidade como se fosse a dona desta mesma? Um justiceiro pistoleiro que se apossa dos requisícios de boas idéias e as trancafiam dentro de um calabouço cujas paredes estão cobertas por relógios marcando hermeticamente o tempo que nos falta? Oxalá pudera retirar-me desta péssima platéia inercial, que mantém -se silenciosa e quieta enquanto a melhor banda dos pubs ingleses está a tocar seu furioso rock'n roll blues enchendo o recinto de fúria e criativadade. Agora estou sozinho em minha cela, com os retratos das paredes incisivamente massacrando meu cérebro como o psciopata massacra sua pobre vítima.

Até mais ver.

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy (1972)

2009-02-01T10:59:00.001-08:00

Trilogy é o terceiro álbum de estúdio do supergrupo britânico Emerson Lake & Palmer. Considerado um dos grandes trabalhos da banda, é para mim o melhor deles. Contendo algumas das mais icônicas músicas do grupo, entre seus trabalhos mais famosos, como é o caso de "From The Beginning", o disco é recheado de obras primas. Variando estilos, desde o folk cru, passando por baladas e improvisações geniais até o estilo progressivo marcante do grupo.

Trilogy abre com "The Endless Enigma, part 1", balada movida ao som dos sintetizadores de Keith Emerson e aos ritmos de Carl Palmer. "Fugue" marca o intervalo entre a parte 1 e a 2. Um solo de piano de Emerson que traz novos ares à obra. "The Endless Enigma Part 2" procede o solo de piano de Emerson, acompanhada novamente da bateria de Palmer, já retornando ao tema principal.

"From the Beginning" marca uma nova orientação quanto aos estilos antes apresentados. Acústico, com exceção de um solo de guitarra elétrica e sintetizador mais para o fim e tendendo mais para o lado Folk da banda, apresenta-se como uma das mais belíssimas canções da carreira inteira do grupo e um dos pontos altos do disco. "The Sheriff", ainda apelando para os extremos do grupo, novamente tende para os lados mais Folk e até com uma leve influência de Ragtime, apresenta-se mais como uma passagem, ficando talvez abaixo das demais canções, mas mesmo assim sendo uma ótima canção. "Hoedown" é uma das mais famosas músicas do grupo. Virtuosamente sustentada nos teclados rápidos de Keith Emerson, o ritmo alegre e dançante, até talvez inspirados nas músicas celtas, mantém-se fiel ao alto padrão do disco.

"Trilogy", a canção título, apresenta-se como uma balada, mas passando para ritmos mais pesados, marcados por batidas fortes e timbres supreendentes de sintetizador, que mantêm-se firmes até o fim da música. "Living Sin" já apresenta um lado talvez mais "bluesy" e um tanto dark, opondo-se de certa maneira às anteriores, mas divertida na mesma intensidade, marcada principalmente pelos vocais de Greg Lake. "Abbadon's Bolero" para mim soa como uma trilha sonora de SNES, mas não, não a estou desmerecendo em nenhum momento, pelo contrário, é para mim um dos auges entre tantos do ótimo álbum. Crescendo de intensidade com o decorrer do tempo de música, a canção em si parece ganhar vida a cada novo compasso. O ritmo e o tema marcados ainda conseguem enfatizar e tornar possível a assimilação da música e das sensações que ela transmite como nenhuma outra.

1- The Endless Enigma [Part 1](6:41)
2- Fugue (1:57)
3- The Endless Enigma [Part 2](2:02)
4- From The Beginning (4:14)
5- The Sheriff (3:21)
6- Hoedown (3:44)
7- Trilogy (8:51)
8- Living Sin (3:11)
9- Abaddon's Bolero (8:07)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Violeta de Outono-Violeta de Outono

2009-01-22T09:52:00.000-08:00

Violeta de Outono - Violeta de Outono

Formada na maior e mais cosmopolita cidade desse país, São Paulo, em meados de 1984, a banda era composta po Fábio Golfetti, Claudio Souza e Angelo Pastorello, membros que percorreram carreiras artísticas e isso certamente influencio a herança e espinha vertebral da identidade musical da banda. O primeiro Lp da banda chama-se Violeta de Outono e foi lançado em 1987. Com certeza Violeta era a banda mais sofisiticada e com um som mais experimental entre a chuva de bandas que precipitaram-se nos anos 80 no Brasil. Além do som mais bem produzido ( com um menor ímpeto punk e rock'n roll e mais visado para o som psicodélico e progressivo) a banda apresenta uma grande sofisiticação em composições, com timbres claros e belos, melodias, harmonias e levadas mais complexas, prova disso é as diferentes variações de temas que diversas músicas apresentam em sua essência. Mas, de longe, o que mais impressiona na banda são as letras que aproximam-se e em muitas vezes ultrapassam a simples forma literária, ou seja, possuem um forte apelo poético com evidentes influências do simbolismo, dando um ar etéreo, evanescente às músicas.

Umas das maravilhosas poesias e músicas da violeta:

Dia eterno- Violeta de outono

Dia eterno

Silêncio em mim

Espelhos planos

Saídas falsas, vôo, solidão

Só esperando

Vagando em seu olhar

Tudo é deserto, estranho lugar

Você sabe que não temos tempo

Dia eterno, noite escura adentro

Na escuridão

Relembrando planos

Quem se erguerá com o fogo nas mãos?

Adormecido

Eu o vi chegando

Na madrugada o sol vai brilhar

Você sabe que não temos tempo

Dia eterno, noite escura adentro

Seus reflexos, luzes constantes

Apontam pra muito distante

Você sabe que não temos tempo

Tempestades, noite eterna adentro

Bom, o álbum que aqui vos posto é uma maravilhosa viagem aos sentidos e ao universo poético. Os intrumentisas não deixam a peteca cair e fazem maravilhosas bases instrumentais para as poesias. O álbum abre com a músicas "Outono", que tem um belo Riff de guitarra e linhas de baixo, além de uma melodia muito bonita e andamentos diferentes no decorrer da música. A seguir, " declínio de maio" tem uma atmosfera sombria e tensa, com dissonâncias ao redor da melodia e uma letra gótica, cuja composição segue-se em "Faces", esta porém com linhas de violão e solos de sintetizadores. " Luz" também possui a mesmo atmosfera porém com mais intensidade. " Retorno" é uma música instrumental curta que mais parece um interlúdio mudando o conceito do álbum, que aliás é composto como se fosse uma ópera, com prelúdio, interlúdio e grand finale. " Dia eterno" abre a segunda atmosfera do álbum, dotada de uma pegada mais rock'n roll e pesada, porém nem por isso menos poética e bela.

" Noturno Deserto" possui uma introdução bem clássica de progressivo e vai aos poucos demonstrando sua força, rallentando e depois aumentando a intensidade, para culminar com um fim igual ao começo, como se fosse um ciclo. " Sombras Flutuantes" fecha o álbum em uma maravilhosa viagem aos sentidos. Isso porque a última música é um poderoso cover dos beatles: "Tomorrow never knows".

Em suma: ouvir esse disco de noite, acompanhado de vinho é ponta firme.

Até presenciei um show deles em 2009 fazendo um tributo ao Pink Floyd e então provei empiricamente a qualidade superba da banda. Grandíssimo espetáculo.

DOWNLOAD

Violeta de Outono- Violeta de Outono

Outono

Declínio de Maio

Faces

Luz

Retorno

Dia Eterno

Noturno Deserto

Sombras Flutuantes

Tomorrow Never Knows

Postado Por Ricardo Franco

Kings of Convenience - Riot On An Empty Street (2004)

2008-12-14T16:57:00.000-08:00

Kings of Convenience é formado por Erlend Øye e Eirik Glambek Bøe, dois Noruegueses com a proposta principal de tocar folk-indie-pop , sendo a principal marca da banda musicas com voz e violão sendo utilizados de maneira sutil bem típica do folk, no entanto sem apelar para as letras de conteúdo Histórico-Mitólogico como é costume em algumas bandas de Folk. Ambos cantam e compõe todas as suas musicas.

Erlend e Eirik nasceram em 1975, e eles se conheceram aos onze anos. Aos dezesseis anos tocaram juntos na banda Skog com outros dois amigos lançando um LP. Os dois iniciaram com shows em festivais europeus em 1999. Em Londres, em 2001, eles lançaram o álbum Quiet Is The new Loud. O álbum fez grande sucesso entre o publico e critica e até mesmo emprestou seu nome a um movimento pequeno de músicos pop underground que levou Belle & Sebastian e Simon & Garfunkel como suas inspirações e enfocaram em mensagens e melodias mais sutis.

O álbum "Riot On An Empty Street" é o segundo álbum do Duo o qual, julgo eu, ser o de maior expressão, e se baseia no estilo já citado acima, sutil e melodioso, sem no entanto ser tedioso, com musicas bem trabalhadas e com letras Fantásticas, lembrando que este álbum contem a musica "I'd Rather Dance with You" que chegou ao topo na MTV européia como melhor clip de 2004.

Discografia:

Álbuns:

Riot On An Empty Street (CD) - (2004)
Quiet Is The New Loud (CD) - Astralwerks - (2001)
versus (CD) - Astralwerks - (2001)
Kings Of Convenience (Lançado apenas nos EUA) (CD) - Kindercore - (2000)
Toxic Girl 7" (Ellet 1999)
Failure 7" (Ellet 1999)
Winning a battle, losing a war 7" (Ellet records 1999)

Singles:

"Winning a Battle, Losing the War" (2001)
"Toxic Girl" (2001)
"Failure" (2001)
"Misread" (2004)
"I'd Rather Dance with You" (2004)
"Know-How" (2005)

Musicas do CD "Riot On An Empty Street" :

1- "Homesick"
2- "Misread"
3- "Cayman Islands"
4- "Stay Out of Trouble"
5- "Know-How" (feat. Feist)
6- "Sorry or Please"
7- "Love Is No Big Truth"
8- "I'd Rather Dance with You"
9- "Live Long"
10- "Surprise Ice"
11- "Gold in the Air of Summer"
12- "The Build-Up" (feat Feist)

DOWNLOAD

Postado por João Paulo

Genesis - Nursery Crime (1971) + Foxtrot (1972)

2008-12-07T19:31:00.000-08:00

Os outros grandes méritos do Genesis, com certeza à altura do aclamado "Selling England By The Pound", ficam para "Nursery Crime" e "Foxtrot". Estas maravilhas da época progressiva do Genesis, ainda com o teatral Peter Gabriel como frontman, são a base de todo o respeito que o grupo herdou por seu trabalho.

Não é por menos. As duas obras juntas contém quatro das cinco principais composições que fizeram do Genesis um dos ícones do progressivo. Estes destaques ficam para "The Musical Box" e "The Fountain Of Salmacis" em "Nursery Crime" e, em "Foxtrot", para "Watcher Of The Skies" e à fabulosa "Supper's Ready". O 5º destaque fica para "Firth Of Fifth", de "Selling England By The Pound".

Foxtrot

1- Watcher Of The Skies (7:22)
2- Time Table (4:47)
3- Get'Em Out By Friday (8:36)
4- Can-Utility and The Coastliners (5:46)
5- Horizons (1:43)
6- Supper's Ready (22:51)

DOWNLOAD

Nursery Crime

1- The Musical Box (10:30)
2- For Absent Friends (1:48)
3- The Return Of The Giant Hogwee (8:10)
4- Seven Stones (5:11)
5- Harold The Barrel (3:01)
6- Harlequin (2:56)
7- The Fountain Of Salmacis (7:54)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Van der Graaf Generator - Godbluff (1975)

2008-12-03T19:19:00.000-08:00

Van der Graaf Generator é outra das bandas representantes do Rock Progressivo britânico que floresceu na década de 70. Apesar da qualidade sonora, o conhecimento quanto a banda se restringe, hoje, principalmente dentre os mais aficcionados pelo gênero, não muito mais que isso. Mesmo assim, o grupo liderado pela explosiva figura de Peter Hammill, com sua voz rouca e ecoante e pelos saxofones sintetizados de David Jackson, merece muito mais reconhecimento que apenas uma consideração tímida de um grupo seleto e resumido.

É difícil dizer que um grupo de rock progressivo se destaca dos demais, pois chega a ser pleonástico. Apesar de terem características em comum, poucos efetivamente se parecem. Van der Graaf, no entanto, inova em praticamente todos os aspectos. A objetividade musical, a potência sonora e a alternância de ritmos dão um ar transcedental a todas as obras de prestígio do grupo. Talvez exatamente por esta total marginalidade genérica, a música do Van der Graaf Generator seja uma das mais difíceis de se assimilar. Sim, acredito que são poucos os que baixarão este disco e REALMENTE se apaixonarão pelo mesmo.

Bom, talvez isto não aconteça no caso de Godbluff. Arrisco-me a dizer que a grande obra do grupo é mesmo o renomado disco Pawn Hearts, aclamado como uma das mais brilhantes pérolas do progressivo. Porém, Pawn Hearts é pra poucos. Godbluff é um dos grandes prestígios do grupo, e de certa maneira um disco mais acessível, que promete vários momentos de êxtase.

Godbluff é uma obra conceitual. Assim como outras obras do Progressivo como The Dark Side Of The Moon e Illusions On A Double Dimple, Godbluff resulta do aglomerado de canções diversas que se interrelacionam harmonicamente como uma peça única, assim como um quebra-cabeças completo. Desta metáfora, infere-se que ouvir uma música do álbum, somente, não é apropriado para sua total apreciação.

Os momentos de êxtase, surgem já na abertura. "The Undercover Man" aparece como um recurso útil, capaz de absorver totalmente o ouvinte à atmosfera do disco. Nesta faixa, particularmente, Peter Hammill, resume um pouco de sua capacidade vocal abismal. "Scorched Earth" é a parte mais profunda e violenta de "The Undercover Man", ordenada de tal maneira a causar calafrios na espinha. "Arrow" inicia o segundo momento do álbum, utilizando-se da alternância entre ritmos mais pesados e medianos. "The Sleepwalkers" inicia um terceiro momento e, neste caso, outra característica quase que particular de VdGG. Inicia-se um tema e, durante o desenvolvimento da composição, pouco retomam-se elementos de sua criação. Nisso, refiro-me a temas em geral. A música em si não se resume a um tema único, mas à integração de vários.

Ah, e por favor, faço um apelo aqui que ao menos comentem os tópicos. É chato o fato de postarmos material, sabermos (somente agora) que realmente existe gente baixando e sem elas deixarem pelo menos um comentário para sabermos de sua existência. Isto é, em partes, responsável pelo parcial abandono do blog. Um mero "oi" já seria um gesto realmente significativo. Obrigado.

1- The Undercover Man (7:26)
2- Scorched Earth (9:49)
3- Arrow (9:46)
4- The Sleepwalkers (10:32)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Uzva - Uoma (2006)

2008-10-24T18:24:00.000-07:00

Uzva é um dos grandes ícones musicais do Século XXI... tecnicamente, claro, pois não é lá muito conhecido mundo afora. A sonoridade da banda finlandesa mistura influências que variam do Rock Progressivo ao Jazz-Fusion e ao Folk e também boa influência das músicas do mundo. Esta mistura rica dá-se também pela multi-instrumentalidade característica do grupo. Só para se ter uma noção, são 8 os integrantes do grupo: Heikki Puska na guitarra solo; Olli Kari em instrumentos que acrescentam uma sonoridade exótica, o xilofone e a marimba; Jarmo Rouvinen nos sopros, como Saxofone e Flauta; Inka Eerola no violino; Antti Hermaja no trombone, Lauri Kajander na guitarra base; Antti Kivimäki no baixo e, finalmente, Ville Väätäinen na bateria.

O álbum Uoma é puramente instrumental e, até agora, o melhor trabalho do grupo em minha opinião. Neste disco, particularmente, o som final aproxima-se mais do Fusion que do progressivo, trabalhando-o em cima das músicas do mundo, como pode ser notado nas faixas "Chinese Daydream", "Vesikko" e "Arabian Ran-Ta".

O disco abre com "Kuoriutuminen" (partes 1, 2 e 3). Nesta excelente música é possível ressaltar uma característica marcante da musicalidade do grupo: A apresentação de um tema calmo que, por meio de muita improvisação e pegada, acaba migrando para um som mais trabalhado e pesado. Isto também se evidencia em "Different Realities", talvez a mais puramente "Fusion" do álbum. O álbum encerra com "Lullaby", a única faixa que não apresenta a característica "migratória" (até porque seria contraditório), calmamente fechando um dos melhores álbuns que conheci nos últimos meses. O último destaque fica para a capa, decorada com um trabalho artístico simples, porém, lindo.

Vocês não se arrependerão.

1- Kuoriutuminen part 1 (2:11)
2- Kuoriutuminen part 2 (6:18)
3- Kuoriutuminen part 3 (5:08)
4- Different Realities (11:15)
5- Chinese Daydream part 1 (3:12)
6- Chinese Daydream part 2 (5:43)
7- Arabian Ran-Ta (10:00)
8- Vesikko part 1 (4:01)
9- Vesikko part 2 (6:14)
10-Vesikko part 3 (12:57)
11- Lullaby (4:23)

DOWNLOAD
MYSPACE

postado por Caio Bucaretchi

Genesis - Selling England By The Pound (1973)

2008-10-24T18:11:00.000-07:00

Genesis foi uma das mais influentes bandas do cenário progressivo britânico. Após render alguns bons álbuns no gênero, o grupo, no entanto, mudou sua orientação musical radicalmente, fazendo um som mais pop e ausentando-se em grande escala do experimentalismo antes presente em suas obras. Isso deveu-se principalmente à saída do vocalista (e flautista) Peter Gabriel e do guitarrista Steve Hackett, com o baterista Phil Collins assumindo o vocal.

A banda em sua fase áurea do progressivo consistia de Peter Gabriel nas vozes, Steve Hackett na guitarra, Mike Rutherford no baixo, Phil Collins na bateria e Tony Banks nos teclados. Essa formação rendeu as maiores obras progressivas do Genesis: Nursery Crime, Foxtrot e Selling England By The Pound.

Das vezes que ouvi, notei algumas diferenças do progressivo do Genesis, assemelhando-se em alguns aspectos até com Yes (outro dos grandes nomes do progressivo), particularmente em um, em contraposição aos outros grupos do gênero: priva-se em vários momentos do exagerado experimentalismo dos demais (que de vez em quando chega a ser até cansativo). Com isso, digo respeito aos grandes intervalos das composições de outros grupos ou o uso de timbres extremamente inesperados e... bem... progressivos (Insira aqui: coisa que não entendo muito bem). Em resumo, Genesis é Rock Progressivo com menos enrolação, mas sem pecar na qualidade.

Claro que a aptidão musical do grupo também era excelente e ajudou bastante na manutenção de um som mais agradável e menos cansativo. Phil Collins, apesar de soar como um grande boçal ao microfone nos anos seguintes, até consegue ser um bom backing vocal, e, diga-se de passagem, um excelente baterista. Peter Gabriel não é nenhum Ian Anderson na flauta, mas quebra o galho e tem uma ótima voz, o que é o principal. Para Steve Hackett, não há muitas palavras que o descrevam, basta se ouvir o solo de "Firth Of Fifth". Mike Rutherford tem ótimas linhas de baixo e também esbanja categoria e Tony Banks surpreende nas composições e nas bases criativas que sustentam o som do grupo, novamente com destaque para Firth Of Fifth nos temas trabalhados em seu teclado.

Em Selling England By The Pound, os grandes destaques ficam para "Dancing With The Moonlit Knight", "I Know What I Like (In Your Wardrobe)", "The Battle Of Epping Forest", "The Cinema Show" e, claro, "Firth Of Fifth". Era mais fácil dizer praticamente o disco todo, até porque a última faixa do disco, também o encerra muito bem, apesar de sua curta duração. A única mácula mesmo é "More Fool Me", que até se assemelha um pouco ao som que o grupo viria a fazer alguns anos mais tarde.

1- Dancing With The Moonlit Knight (8:04)
2- I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:08)
3- Firth Of Fifth (9:37)
4- More Fool Me (3:09)
5- The Battle Of Epping Forest (11:46)
6- After The Ordeal (4:15)
7- The Cinema Show (11:05)
8- Aisle Of Plenty (1:32)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Five Iron Frenzy - Quantity Is Job 1

2008-10-18T20:43:00.000-07:00

Membros da Banda:

Reese Rope - Lead vocals
Micah Ortega - lead guitar, Vocal
Sonnie Johnston – guitarra
Keith Hoerig – Baixo
Andrew Verdecchio– bateria, Vocal
Nathanael "Brad" Dunham – trompete
Dennis Culp – trombone, Vocal
Leanor Ortega "Jeff the Girl" – saxophone, Vocal

Influencias: Ska-Punk e Heavy Metal

O Album Quantity Is Job 1 é um excelente trabalho do grupo como um todo, variando o seu estilo ao longo de cada música sem perder o padrão e a qualidade, ênfase na musica "Get Your Riot Gear"

Álbum:

1."My Evil Plan to Save the World"
2."All That is Good"
3."Dandelions"
4."One Girl Army"
5."Sweet Talkin' Woman" (ELO cover)
6."When I Go Out"
7."Get Your Riot Gear"
8."The Untimely Death of Brad"
9."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Salsa)"
10."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Meat Loaf)"
11."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Country)"
12."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Heavy Metal)"
13."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (R&B)"
14."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Reggae)"
15."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Cha Cha)"
16."These Are Not My Pants (The Rock Opera) (Hip-Hop)"
17."When I Go Out/Kingdom of the Dinosaurs"

DOWNLOAD

Postado por João Paulo

Easy Rider - Trilha Sonora

2008-10-17T11:53:00.000-07:00

Trilha Sonora Perfeita Para Viagens.

DOWNLOAD

Lado A
"The Pusher" (Hoyt Axton) – Steppenwolf - 5:49
"Born To Be Wild" (Mars Bonfire) – Steppenwolf - 3:37
"The Weight" (Robbie Robertson) – Smith - 4:34
"Wasn't Born to Follow" (Carole King/Gerry Goffin) – The Byrds - 2:03
"If You Want to Be a Bird (Bird Song)" (Antonia Duren) - The Holy Modal Rounders - 2:35

Lado B

"Don't Bogart Me" (Elliot Ingber/Larry Wagner) – Fraternity of Man - 3:05
"If 6 Was 9" (Jimi Hendrix) – The Jimi Hendrix Experienced - 5:35
"Kyrie Eleison/Mardi Gras" (When the Saints) – (Tradicional, arranjo de David Axelrod) - The Electric Prunes 4:00
"It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" (Bob Dylan) - Roger McGuinn – 3:39
"Ballad of Easy Rider" (Roger McGuinn/Bob Dylan) – Roger McGuinn - 2:14

Easy Rider

2008-10-17T11:15:00.000-07:00

Peter Fonda: Sabem....este país já foi muito bom.....não entendo o que está acontecendo com ele...

Dennis Hopper: Todos viraram covardes, é isso! Nós nem podemos ficar num hotel de segunda! O cara pensou que nós íamos matá-lo....eles têm medo.

Jack Nicholson: Não Têm medo de vocês, mas do que vocês representam....

Dennis Hopper: cara, para eles, só representamos alguém que tem que cortar o cabelo...

Jack Nicholson: Não, para eles, vocês representam a liberdade!

Dennis Hopper: E qual é o problema? Liberdade é legal!

Jack Nicholson: É verdade, é legal mesmo... mas falar da liberdade e vivê-la são duas coisas diferentes. É difícil ser livre quando se é comprado e vendido pelo mercado,. Mas nunca diga a alguém que ele não é livre...proque ele vai tratar de matar e aleijar para provar que é. Eles falam sem parar da liberdade individual, mas quando veem um indivíduo livre, ficam com medo.

Dennis Hopper: Eu não boto ninguém para correr de medo.

Jack Nicholson: Não. É Você quem corre perigo.

Easy rider, em português "Sem Destino". Lançado em 1969, esse filme é a cena perfeita da contracultura predominante nos anos 60. Em tudo, desde sua posição ideológica, personagens, música, tipos de cenas nas quais a natureza é focalizada e em passagens psicodélicas ( como os 20 minutos quase finais onde os personagens principais viajam em ácido), o filme consagra a contra cultura vigente na época.

Bom, o roteiro do filme é simples. Dois caras vendem uma grande quantidade de drogas, ganham muita grana e lançam-se na estrada sem destino nenhum, pela mítica rota66 dos EUA , buscando alcançar a costa leste. Parece muito simples, e é. Mas o que faz a diferença nesse filme é a fotografia, que compõe todo o corpo do filme : lindas paisagens do interior dos Estados Unidos sendo desbravadas, naquele silêncio da natureza profundo, cortado pelos sons das motos ( que para apreciadores dessas máquinas são um prato cheio, lindas choppers antigas ) e pela trilha sonora ( cujo link para baixar postarei) maravilhosa. Esta , inclusive, varia desde o folk até o psicodelismo e combina perfeitamente com as cenas, transmitindo muita paz. Dessa forma, é a essência dos "road movies"- cenas lindas e a trilha sonora ao fundo- e em todos os filmes desse tipo, há referências ou influências diretas de easy rider, desde "motoqueiro fantasma" até " diário de motocicleta". Em "motoqueiros selvagens", a piada do relógio é uma referência direta: a cena em que Peter Fonda pega o relógio e o joga ao chão, mensagem contra a sociedade e as regras, é parafraseada no filme, bem como sua aparição nesse filme e no "motoqueiro fantasma".

Senhores, ótimo filme.

Ficha técnica:

Sem Destino (Easy Rider, 1969) »

Direção: Dennis Hopper»

Roteiro: Peter Fonda, Dennis Hopper.»

Origem: Estados Unidos»

Duração: 95 minutos»

Elenco: Jack Nicholson, Peter Fonda, Dennis Hopper, Karen Black e Toni Basil

postado por Ricardo

Nossas Desculpas.

2008-10-13T18:49:00.000-07:00

Pedimos desculpas pelo longo período de tempo em que o blog permaneceu inativo. Isto deveu-se tanto aos estudos chatos e rotineiros que vem tomando a vida de nós, pobres vestibulandos e também à viagem de descontração que fizemos semana passada. Não preocupem-se, caros leitores (caso vocês realmente ainda estejam aí). Esta semana, se Deus quiser, ou até mesmo caso ele não queira, atualizaremos essa budega. Curito, caso você esteja lendo isso, eu estou falando no plural porque eu acredito que você vá parar de falar "Nossa, cara... preciso postar algo" e definitivamente poste.

Também nos desculpamos pelos posts deletados. Parece ser algum bug estranho do blogspot. O único problema é que não sabemos o que o causa. Não temam, caros amigos. Os posts deletados serão repostados, assim como novos serão postados.

Rapidinhas - The Vines

2008-09-19T17:47:00.000-07:00

Estilo: Rock/Indie/Garage/Psicodélico

Origem: Austrália (2000)

Integrantes:

-Craig Nicholls [Vocal e Guitarra]
-Ryan Griffiths [Guitarra]
-Hamish Rosser [Bateria]
-Patrick Matthews [Baixo]

Influencias: Suede, The Verve, Nirvana, Beatles, Beck, Pavement, Ac/Dc, Oasis, Velvet Undergorund

Discografia:

-Highly Evolved(2002)
-Winning Days (2004)
-Vision Valley (2006)
-Melodia (2008)

Eis aqui um dos cd's mais prestigiados da banda, "Vision Valley" - Muito recomendado para quem quer conhecer a banda - Enjoy!

1. Anysound
2. Nothin´s Comin'
3. Candy Daze
4. Vision Valley
5. Dont Listen To The Radio
6. Gross Out
7. Take me Back
8. Going Gone
9. Fuck Yeah
10. Futuretarded
11. Dope Train
12. Atmos
13. Spaceship

Download

by Thiago Loyolla

Morre Richard Wright/ Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon

2008-09-15T13:16:00.000-07:00

Morreu hoje (15/09/08) Richard Wright, aclamado tecladista e membro fundador de um dos mais famosos grupos de Rock Progressivo, Pink Floyd, aos 65 anos. Wright participou das duas formações da banda, com sua primeira junto a Syd Barrett, Roger Waters e Nick Mason e a segunda com a posterior saída de Syd Barrett e entrada de David Gilmour. Mais tarde, seria demitido da banda por certos desentendimentos com o então líder do grupo , o baixista Roger Waters, durante a gravação do disco "The Wall" (uma das ações mais polêmicas da história da banda, resultando até na certa infâmia que Waters carrega no conceito de alguns fãs).

Considerado por grande parte dos fãs como talvez o melhor músico do Pink Floyd, a morte de Rick Wright acaba com todas as expectativas de uma possível reunião do grupo, a não ser que esta aconteça como uma homenagem à sua morte. A falência resulta de uma breve batalha contra o câncer. Não é especificado nas fontes qual o tipo de câncer que a causou, devido a pedido da família.

Dentre suas grandes contribuições para o Pink Floyd, Waters escreveu duas das aclamadas composições que integram a obra magistral do grupo, "The Dark Side Of The Moon", sendo estas as faixas "The Great Gig In The Sky" e "Us And Them". Mais uma grande perda para a música Da esquerda para a direita: Nick Mason, Syd Barrett, David Gilmour (em baixo), Roger Waters e Richard Wright.

Mais Informações AQUI.

Em nossa homenagem ao falecido Richard Wright, fica o download para os interessados do famoso álbum conceitual da banda, "The Dark Side Of The Moon", com amplas contribuições do tecladista.

1- Speak To Me/Breathe In The Air (3:58)
2- On The Run (3:35)
3- Time (7:05)
4- The Great Gig In The Sky (4:47)
5- Money (6:23)
6- Us And Them (7:50)
7- Any Colour You Like (3:26)
8- Brain Damage (3:51)
9- Eclipse (2:01)

DOWNLOAD (NOVO LINK!)

postado por Caio Bucaretchi

Passport - Infinity Machine (1976)

2008-09-14T17:45:00.000-07:00

Passport é outra das bandas setentistas de influência no movimento de Jazz-Fusion que se iniciou na década em questão. Famosa especialmente pelo trabalho de seu excelente Saxofonista, Klaus Doldinger, o grupo parece se sustentar em inspirações musicais distintas, sejam de músicas do mundo, como pode ser notado no álbum resultante da viagem de Klaus ao Brasil, "Iguaçu", e também de gêneros, assimilando alguns quês do Funk, do Rock Progressivo e, claro, do Jazz em si. O resultado de toda essa mescla experimental na fusão dos estilos resulta na excelência do trabalho do grupo, como pode ser notado principalmente no álbum Infinity Machine.

A banda, oriunda da Alemanha, com uma formação que parece lembrar os padrões do Jazz Tradicional, com Klaus Doldinger no Saxofone, Wolfgang Schmid no baixo, Kristian Schultze nos teclados e sintetizadores e Curt Cress, que trabalhou também com grupos como Triumvirat, na bateria. Apesar da formação, o grupo foge a qualquer padrão mais "conservador" assim digamos, em relação a este Jazz mais tradicional, inovando em todos os momentos.

Infinity Machine é, para mim, dentre os álbuns que escutei, o grande trabalho do grupo. O álbum de 1976 se opõe totalmente ao som refletido um ano antes em Cross-Collateral, que se aproxima do Rock Progressivo. Em Infinity Machine, a banda ausenta-se do experimentalismo excessivo do disco anterior e estabelece um som mais objetivo, não se ausentando, porém, das magníficas improvisações e sons alternativos, que acabam por tornar-se a marca registrada da banda.

O álbum abre com "Ju Ju Man", um dos grandes destaques. Nesta faixa, principalmente, nota-se o trabalho da banda em sustentação com um estilo mais Funk. "Morning Sun", em seus altos momentos traz uma sonoridade mais calmante e exótica, seguida de "Blue Aura" que, em alguns momentos, lembra bastante o "Weather Report", o que leva a crer que, talvez, a banda de Zawinul teria buscado algumas influências em Passport. A faixa-título do álbum, "Infinity Machine", lembra bastante às composições mais progressivas e atrevidas do Jazz-Fusion. Esse recurso de aproximação ao Rock Progressivo teria sido, também, usado em larga escala pelo Mahavishnu Orchestra de McLaughlin. "Ostinato" é uma das belas composições do álbum, principalmente pelo timbres utilizados e a ambientação e harmonia instrumental atrativa. "Contemplation" fecha o álbum em grande estilo, lembrando até alguns trabalhos mais leves de Miles Davis, em quem a banda provavelmente buscou certa inspiração. Com certeza um dos grandes momentos do Fusion europeu!

1- Ju Ju Man (10:08)
2- Morning Sun (5:49)
3- Blue Aura (3:04)
4- Infinity Machine (5:13)
5- Ostinato (7:38)
6- Contemplation (6:38)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Crucis - Los Delirios Del Mariscal (1976)

2008-09-11T18:01:00.000-07:00

Crucis é uma banda argentina de Rock Progressivo que surgiu na época áurea do gênero, ou seja, na década de 70. O grupo tem dois álbuns lançados: Crucis e Los Delirios Del Mariscal. Vergonhosamente, eu, no momento, conheço apenas o segundo álbum. No entanto, é o bastante para se afirmar que este é com certeza uma das pérolas do Progressivo.

Logo na primeira vez que o ouvi, fiquei impressionado com a qualidade do som produzido pelos hermanos. Com Gustavo Montesano na guitarra e nos vocais, José Luis Fernández no baixo, Daniel Frenkel na percussão e Daniel Oil nos teclados e sintetizadores analógicos, o som do grupo muito se assemelha em alguns momentos ao Rock Progressivo da Europa Ocidental, mas, como toda boa banda seguidora do estilo, traz também suas peculiariedades. As influências de ritmos mais latinos não se faz com tanta relevância, mas ela com certeza está lá. O que mais se destaca é, principalmente, algumas orientações para o Jazz-Rock, aproximando-se do Jazz-Fusion.

O disco abre com "No Me Separen De Mi", a única faixa deste que conta com vozes. Apesar de no começo o som parecer até meio cafona, no desenvolver do tema, tem-se uma das mais belas e contagiantes canções do álbum. Na faixa-título, "Los Delirios Del Mariscal", nota-se nitidamente a influência do Jazz-Fusion e, no fim, 10 minutos de música parecem insuficientes para transmitir todo o sentimento contido na excelente composição. "Pollo Frito" progride praticamente na mesma ambientação da faixa que a antecede, porém, utilizando-se de variações rítmicas e harmônicas. O álbum fecha com "Abismo Terrenal", com o uso incansável de sintetizadores e de sons eletrônicos que dão origem à música mais bizarra do álbum, como o nome já sugere. Também marcada por vários improvisos sendo pelo menos um para cada instrumento, é outra das faixas magníficas de um álbum igualmente magnífico.

1- No Me Separen De Mi (6:08)
2- Los Delirios Del Mariscal (10:06)
3- Pollo Frito (5:44)
4- Abismo Terrenal (12:30)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Ten Years After (4)

2008-09-07T20:05:00.000-07:00

O Ten Years After nasceu nas ruas e Pubs Londrinos na década de 60. Misturando muito rock'n roll, blues e jazz tocados com responsabilidade e brilhantismo, a banda extrapolou os limites dos bares londrinos para conquistar o universo. O Ten Years After é um momento único na música, porque apesar de serem influenciados por várias bandas, nenhuma se assemelha a ela por completo. Isso se deve principalmente à Alvin Lee, o guitarrista da banda: sua maneira de tocar, com licks e riffs rápidos e bem feitos, com texturas que dialogam entre o blues e o jazz arranjados para o rock'n roll o fazem um dos magos da história da guitarra.

Alvin é o primeiro guitarrista a fazer solos em alta velocidade, influenciando nomes como Blackmore e Randy Rhoads, que abriram as portas da guitarra rápida para o mundo. Mas Alvin usava isso ao seu favor, e tocava as notas com paixão, não com o exibicionismo barato que caras com Vai e Malmsteen sobrepõe a Música para satisfazerem seus gigantescos egos e serem adorados pela molecada boba.

A banda foi acusada de a partir do álbum A Space In Time gravar albúns com apelos comerciais, deixando de lado a faceta psicodélica. Não posso dizer isso com certeza completa, pois tive poucos contatos com esses álbuns, mas o fato de acusar o Space In Time de ser comercial por possuir músicas menos compridas é um erro, uma vez que esse álbum possui vários experimentalismos, com texturas diferentes, o que definitivamente não o caracteriza como um álbum comercial.

É incrível ver a performace da banda no festival de Woodstock em 1969. Aqui fica registrada a loucura e a força da banda, além do brilhantismo dos músicos.

http://www.youtube.com/watch?v=tHw9b4BBV9Y

Discografia:

Ten Years After - 1967

Undead - 1967

Stonedhenge- 1969 parte 1

Stonedhenge- 1969-parte 2

Ssssh- 1969

Cricklewood Green - 1970 senha: by Esquadrão SS

Watt- 1970

A Space In Time 1971

Alvin lee And Company 1972

Rock & Rol Music To The World 1972

Recorded Live 1973

Positive Vibrations 1974

About Time 1989

Now 2004

Pure Blues

Roadworks (double live album) 2005
CD1
CD2 senha: by Ed

Evolution 2008

Live at Filmore East 1
Live at Filmore East 2

LINKS ATUALIZADOS EM 21/08/10

publicado por : Ricardo

Camel - Moonmadness (1976) + The Snow Goose [repostagem] (1975)

2008-09-06T12:41:00.000-07:00

Camel é uma banda britânica de Rock Progressivo. Já havia sido postado o álbum "The Snow Goose" do grupo aqui no blog, mas este foi deletado por acidente, portanto, será repostado. A resenha, no entanto, tratará de outro disco do grupo: Moonmadness.

O álbum Moonmadness foi lançado um ano depois de "The Snow Goose" e completa a primeira fase da carreira do grupo, sendo o último álbum com a formação clássica do grupo. Depois da dissolução, a banda passaria a fazer um som um pouco menos ligado ao progressivo e tendendo mais aos lados do Pop, onde passaria por um tempo. Esta formação clássica consistia do tecladista Peter Bardens; o guitarrista Andrew Latimer (que também assumia a flauta transversal em alguns momentos); o baixista Doug Ferguson e o baterista Andy Ward.

Moonmadness completa a tríade de álbuns geniais do grupo, sendo estes o próprio Moonmadness, The Snow Goose e Mirage. Ao contrário dos dois álbuns que o antecedem, este disco procura ausentar-se das influências literárias (Sendo Mirage em alguns momentos influenciado por "O Senhor dos Anéis" de J.R.R Tolkien e The Snow Goose pelo livro "The Snow Goose" de Paul Gallico, escritor americano) e fazer um som um pouco mais ligado aos músicos que o integravam, apenas baseando-se nas inspirações e idéias do grupo. Outra coisa que o grupo retoma nessa etapa intermediária da carreira é a presença dos vocais nas composições, o que ficou de fora em The Snow Goose.

O álbum abre com Aristillus, uma faixa rápida e totalmente estruturada nos sintetizadores de Bardens, é como uma iniciação ao álbum, assim como The Great Marsh em The Snow Goose. "Song Within A Song" é um dos grandes destaques do álbum, com vocais sintetizados e várias alternâncias rítmicas no desenvolvimento do tema. "Chord Change" é o primor instrumental do álbum, faixa esta que apesar de conter vozes, elas fazem a mesma função de qualquer outro instrumento que integra. Notam-se até algumas influências Jazzísticas. "Spirit Of The Water", tem dois destaques no álbum, a faixa principal e a bônus. Ambas são excelentes e acalmantes. A principal diferença entre as duas não está nos sentimentos transmitidos, mas na instrumentação, sendo a principal estruturada por diferentes instrumentos, e a bônus um ótimo concerto de piano arranjado por Bardens. "Another Night" contrapõe-se às ambientações antes apresentadas, trazendo temáticas sonoras que ora se aquecem, ora esfriam. "Air Born" segue nas mesmas tendências da anterior. A presença da flauta e dos sintetizadores se completam para dar origem a uma bela canção, tanto em sua parte instrumental como a vocal. "Lunar Sea" fecha o álbum com chave de ouro em outra faixa instrumental. Considerando-se que Bardens seria, mais tarde, um dos simpatizantes à criação da música eletrônica, alguns verão semelhanças consideráveis nos timbres utilizados pelos sintetizadores nesta canção em particular com as tendências musicais que se estabeleceriam algumas décadas depois. Mais um ótimo álbum de uma igualmente ótima banda.

Moonmadness
1- Aristillus (1:57)
2- Song Within A Song (7:14)
3- Chord Change (6:44)
4- Spirit Of The Water (2:07)
5- Another Night (6:57)
6- Air Born (5:03)
7- Lunar Sea (9:10)
Faixas-Bônus
8- Another Night [Single Version](3:24)
9- Spirit Of The Water [Instrumental](2:13)
10-Song Within A Song [Live](7:14)
11-Lunar Sea [Live](9:51)
12-Prepartion/Dunkirk [Live](9:32)

The Snow Goose (REPOSTAGEM)
1-The Great Marsh(2:03)
2-Rhayader(3:02)
3-Rhayader Goes To Town(5:20)
4-Sanctuary(1:06)
5-Fritha(1:19)

6-The Snow Goose(3:12)
7-Friendship(1:44)
8-Migration (2:02)
9-Rhayader Alone (1:50)
10-Flight Of The Snow Goose(2:41)
11-Preparation(3:59)
12-Dunkirk(5:20)
13-Epitaph(2:08)
14-Fritha Alone(1:41)
15-La Princess Perdue(4:44)
16-The Greath Marsh(1:41)

Moonmadness
DOWNLOAD

The Snow Goose
DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Emerson, Lake & Palmer - Emerson, Lake & Palmer (1970)

2008-09-04T17:31:00.000-07:00

Na passagem dos anos 60 para os 70, começavam a surgir os chamados "supergrupos", resultantes da união de músicos de diferentes bandas compondo outra diferente. Também é nessa época que começa a se projetar o Rock Progressivo. Os primeiros passos deste estilo um tanto, vanguardista, por assim dizer, dá-se principalmente pelo primeiro álbum da banda King Crimson, "In The Court Of The Crimson King".

Emerson, Lake & Palmer surge justamente nessa época e, levando em conta que o baixista/guitarrista/vocalista Greg Lake integrava o mesmo King Crimson antes citado, um ano antes do surgimento de ELP, não era de se esperar que a orientação artística do grupo fosse tomar qualquer outro rumo. Deve se levar em conta que os três músicos compunham a alta "estirpe" do ramo musical na época, portanto a expectativa na união era imensa, mas, acima de tudo, incentivada.

Dito isto, Greg Lake, ex-King Crimson; Keith Emerson, o aclamadíssimo tecladista do The Nice e Carl Palmer, o excelente baterista que antes integrava a banda Crazy World Of Arthur Brown (que por sinal, eu nunca escutei e vou procurar me informar) passam a dedicar-se excepcionalmente ao experimentalismo progressivo, inspirando-se principalmente na música Clássica, psicodélica no Blues e, em menor escala, no Jazz. A contribuição do grupo para a música viria a inspirar outras bandas progressivas. Um exemplo é o Triumvirat (Para quem se interessar, há o álbum Illusions On a Double Dimple aqui no blog).

Dentre vários trabalhos excepcionais como Brain Salad Surgery, Tarkus e Trilogy, o álbum de lançamento, Emerson, Lake & Palmer é em muitas ocasiões esquecido. Não se deve associar este esquecimento, no entanto, ao que seria um álbum ruim. O disco traz alguns dos grandes sucessos da banda. As ótimas Knife Edge e Take A Pebble são exemplos, destacando-se em ambas as composições recheadas de influências eruditas, no que diz respeito à composição e a harmonia musical.

Se levarmos em conta a influência clássica isoladamente, ela se dá, ainda mais latente do que em "Knife Edge" e "Take A Pebble, nas ótimas faixas instrumentais "The Barbarian" e "The Three Fates", em ambas destacando-se a excepcional aptidão técnica de Keith Emerson. Seguida de "The Three Fates", vem outra faixa instrumental: Tank. Nessa, porém, as influências clássicas ainda que permeiem o tema, são menos nítidas. Aqui se nota principalmente a construção de um som mais progressivo que em suas anteriores (com excessão de Knife Edge, que também é extremamente marcada por essa estruturação). O álbum se encerra com "Lucky Man". Nesta faixa, particularmente, nota-se as influências de outros estilos. Apesar de esbanjar certa inclinação progressiva, principalmente pela presença dos sintetizadores e as mudanças súbitas do tema mais para o final da música, têm-se nítidas influências do Folk. Isto chega a ser bastante peculiar vindo de uma banda como ELP, que muito pouco se dedicará a este tipo de estilo.

1- The Barbarian (4:32)
2- Take A Pebble (12:32)
3- Knife Edge (5:09)
4- The Three Fates (7:43)
5- Tank (6:52)
6- Lucky Man (4:38)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Béla Fleck & The Flecktones - Live Art (1996)

2008-09-02T18:01:00.000-07:00

A primeira vez que ouvi o nome de Béla Fleck & The Flecktones foi ano passado, por intermédio de um amigo que iria a um show deles. Procurei algum material do grupo na Internet nas principais fontes como blogs e redes de p2p (estas últimas atualmente em baixa), fora algumas coisas no Youtube que, à primeira vista, não me interessaram muito. Este ano, o mesmo amigo veio comentar comigo sobre a possibilidade de freqüentar a outro show do grupo. Dessa vez fui mais a fundo e procurei mais material deles, e não me arrependo em momento algum de ter tido contato com alguns dos trabalhos do grupo. Excelentes, por sinal.

Apesar de ainda não conhecer muita coisa a fundo sobre a banda, "Live Art", dentre alguns dos álbuns que escutei, foi o que me chamou mais atenção. Digamos assim... foi amor à primeira "ouvida". Mesmo sendo meio cético quanto à formação inovadora da banda mencionada, arrependo-me profundamente de não ter tido contato com esse tipo de som ano passado quando tive a oportunidade. Pois bem, a tão bizarra formação consiste de Béla Fleck no banjo; Victor Wooten no baixo elétrico; Jeff Coffin no sax e o irmão de Victor Wooten, Roy Wooten na "bateria elétrica". Caso tenha estranhado este último instrumento, não, você não leu errado. A criação desta bateria é de autoria de Roy Wooten mesmo, talvez por isso o quase que total desconhecimento (do instrumento).

Bom, vamos ao que interessa. A música. A fusão de diferentes gêneros se faz presente em grande escala. Do Jazz ao Bluegrass e de certa maneira, do Funk ao Country e até no que diz respeito a alguns "antropofagismos" culturais, utilizando-se, de vez em quando, de ritmos célticos, clássicos e, por que não, "épicos". O som resultante acaba sendo original, até por causa da peculiar formação da banda, mas principalmente pela exacerbada aptidão técnica dos instrumentistas, especialmente nas performances ao vivo que acabam significando boa parte do tempo em improvisos não menos merecedores de elogios que os próprios músicos.

Se o destaque são as performances ao vivo, Live-Art se encaixa perfeitamente. O álbum duplo traz grandes Hits do grupo, tais como "Stomping Grounds" e "The Sinister Minister", também acompanhado de outra canções igualmente ótimas. E o melhor. Ao vivo! O álbum é o resultado da gravação das melhores performances dentre vários Shows realizados pelo grupo de 1992 a 1996.

No primeiro CD, os principais destaques ficam para a faixa de abertura, "New South Africa" e também para "Stomping Grounds", "Bigfoot", "Flying Saucer Dudes"e a jazzística "Vix 9".
O segundo álbum não fica em nenhum momento abaixo da qualidade do primeiro. A primeira faixa deste figura improvisações no baixo de Victor Wooten em cima do tema de "Amazing Grace". Os demais destaques ficam para a homenagem do grupo aos Beatles, com uma ótima versão de "Oh, Darling" (ênfase no ótima), "Blu Bop", a country "Cheeseballs in Coutown" e a um dos grandes hits do grupo, "The Sinister Minister".

CD 1
1- Intro (0:39)
2- New South Africa (4:43)
3- Stomping Grounds (5:26)
4- Lochs Of Dread (5:46)
5- Bigfoot (7:33)
6- Far East Medley (7:21)
7- Flying Sauce Dudes (5:35)
8- Ufo Tofu (3:38)
9- Interlude-Libation/ The Water Ritual (3:06)
10- Vix 9 (6:02)
11-The Message (9:16)

CD 2
1- Improv/Amazing Grace (6:46)
2- Shubbee's Doobie (4:40)
3- Oh Darling (6:21)
4- Blu-Bop (7:36)
5- Sunset Road (5:56)
6- More Luv (7:43)
7- Early Reflection, Bach, The Ballad (6:09)
8- Cheeseballs In Cowtown (5:38)
9- The Sinister Minister (7:30)
10-Flight Of The Cosmic Hippo (4:55)

CD 1
DOWNLOAD

CD 2
DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Weather Report - Black Market (1976)

2008-08-29T17:14:00.000-07:00

Black Market é outro dos grandes álbuns do grupo de Fusion setentista "Weather Report". É o sexto álbum da banda, lançado um ano antes da obra prima, Heavy Weather. É o primeiro álbum do conjunto que teve a participação do baixista Jaco Pastorius. O disco, que muitas vezes fica à sombra de Heavy Weather, não deve ser em momento algum subestimado. É outro dos grandes trabalhos do grupo, trazendo a sonoridade característica deste e novamente se sobressaindo ante os padrões exigentes de uma época onde primores musicais eram lançados a todo instante.

O álbum, do início ao fim é delicioso e captativo. Não que seja desapropriado, uma vez que sua atenção será muito bem gasta. Abrindo com a faixa-título "Black Market", o álbum já se estabelece dentro de parâmetros mais do que esperados de uma banda da magnitude de Weather Report, surpreendendo a cada segundo de um dos grandes destaques deste. Se o previsível é que a qualidade venha a cair, muito pelo contrário, o disco está apenas começando e tende a manter-se em oscilações entre momentos ótimos e apenas esperados, mas nunca ruins. Segue-se a ótima "Cannon Ball", que, apesar do nome, é uma música calma, mas trabalhada fielmente a todos os instantes, fornecendo variações e improvisações que adequam-se e aprimoram o tema.

O álbum volta a ficar quente. "Gibraltar" é a música mais longa deste, e não que seja por coincidência, mas a maioria das músicas longas costumam ser os grandes destaques dos discos. "Gibraltar" não é exceção à regra. Basta dizer-se isso, e o resto é somente sonzeira. Os demais destaques ficam para a animada "Barbary Coast", marcada essencialmente pelo baixo de Jaco Pastorius e "Herandnu", trabalhada em cima de harmonizações de sintetizadores, encabeçadas por Joe Zawinul em uma excelente combinação.

Olha, difícil dizer se este excelente disco se iguala a Heavy Weather, mas caso não o faça, chega bem perto! Mas a questão é que, melhor ou não, vale mais do que a pena ser ouvido.

1- Black Market (6:32)
2- Cannon Ball (4:38)
3- Gibraltar (7:47)
4- Elegant People (5:05)
5- Three Clowns (3:22)
6- Barbary Coast (3:09)
7- Herandnu (6:36)

DOWNLOAD

Postado por Caio Bucaretchi

Batman, O Cavaleiro Das Trevas

2008-08-29T15:54:00.000-07:00

Aos leitores do blog, inicio fazendo uma critica aos céticos que acusam o novo filme do homem morcego de ser puramente comercial, pois por mais que tenha grande repercussão na mídia, é possível, sem grandes problemas, dizer que o filme é uma obra prima, um trabalho genial realizado por um elenco muito bem dirigido e com, ao meu ver, um ator que supera às barreiras do inacreditável com sua atuação pontual, perfeita e sincronizada. Me refiro obviamente ao falecido Heath Ledger, que mais a frente será citado novamente.

A sinopse é simples, aumentando ainda mais o fascínio do filme.
Todos os eventos se passam um ano após o ocorrido em Batman Begins. Batman, Comissário Gordon e Harvey Dent o novo promotor de Gothan tentam combater às ruas infestadas de criminosos, dentre esses surge um homem misterioso que se auto denomina O Coringa, um vilão completamente Anárquico que só se importa em espalhar o caos e atinge Batman em seu interior, fazendo o Cavaleiro das Trevas confrontar tudo o que é e tudo em que acredita.

Bale comentou sobre o personagem dizendo: "Será que realmente tem um fim? Ele pode desistir e levar uma vida normal? Esse tipo de intensidade maníaca que alguém precisa ter para manter a paixão e a raiva que sentiu quando criança precisa de um esforço, depois de um tempo, para continuar fazendo isso. Em algum ponto, você precisa exorcizar seus demônios". "Agora você não tem apenas um jovem homem em dor tentando encontrar uma resposta, você tem alguém que tem poder, que sente o peso desse poder e que precisa reconhecer a diferença entre alcançar esse poder e mantê-lo".

Vamos agora ao primor do filme, Ledger, o Coringa, a lenda criada por um homem que teve um fim trágico levando ao túmulo seus segredos de como ser puramente Caótico.

Heath Ledger ficou isolado em um quarto de hotel durante um mês formulando a postura, a voz e a psique de seu personagem. tentou muitas vozes, pois queria fugir do Coringa de Jack Nicholson, do filme "Batman", de Tim Burton. Ledger escreveu em um diário dia após dia os pensamentos e sentimentos de seu personagem para poder se guiar nas filmagens.
Disse ser inspirado além de outros, por “Laranja Mecânica” e “Sid Vicious”, e ainda completou: "Tem um pouco de tudo nele. Não há nada consistente", disse Ledger, complementando que "há algumas surpresas nele".

Após o lançamento do trailer, o diretor de cinema Guillermo del Toro e o escritor de HQ Jeph Loeb elogiaram Ledger, enquanto que o co-criador de Batman Paul Dini, disse: "Ele parece mais 'de rua' do que qualquer outra versão do Coringa. Sua atitude é severa e sarcástica, ao contrário de maníaca. Não há piadas ou traquinagens com ele. Esse Coringa não divide lados, ele divide crânios"
Mark Hamill, que deu voz ao personagem no desenho animado, disse que: "A abordagem de psicopata debochado parece ser um jeito ótimo de reinventar o palhaço assustador favorito de todos".
Ledger morreu em 22 de janeiro de 2008, após a conclusão das filmagens. "Foi uma emoção tremenda, logo após ele falecer, ter que voltar e olhar para ele todos os dias", lembra Nolan. "Mas a verdade é que me sinto bastante sortudo por ter algo produtivo para fazer, por ter uma performance da qual ele se orgulhava muito, e confiado a mim o dever de concluí-la."

Ledger mais do que merecidamente está cotado a receber o Oscar Póstumo, e por mais polêmico que o prêmio possa ser, desta vez ele será mais do que justo.

O filme reserva outras surpresas, sejam elas de Harvey Dent, Bruce Wayne, Comissário Gordon e o próprio Coringa.
Ledger inicia e finaliza um ciclo com este filme, um ciclo que sem dúvida tem de ser memorizado a todos os apreciadores da arte Caótica e Anárquica.

Recomendo a todos o filme que é ao meu ver o maior marco do cinema na geração atual e que deve ser visto por todos os que desejam um excelente espetáculo.
Muito obrigado a todos e um grande abraço.

Elenco:
Christian Bale
Michael Caine
Heath Ledger
Maggie Gyllenhaal
Gary Oldman
Aaron Eckhart
Morgan Freeman
Eric Roberts
Anthony Michael Hall
Nestor Carbonell
Melinda McGraw
William Fichtner
Nathan Gamble

Direção:
Christopher Nolan

Produção:
Christopher Nolan
Charles Roven
Emma Thomas

Fotografia:
Wally Pfister

Trilha Sonora:
James Newton Howard
Hans Zimmer

Postado por: João Paulo

Banda Black Rio - Maria Fumaça (1977)

2008-08-28T17:32:00.000-07:00

Quando se fala da década de 70 em parâmetros musicais, logo remete-se a uma das épocas mais ricas culturalmente, junto à de 60, que viria a moldar a música popular como esta era conhecida. O Funk surgia dentro desse contexto, nos EUA. Derivado da fusão de estilos como a Black Music, o Rock e o Soul, a influência do gênero começava a se fazer presente no Brasil. A Banda Black Rio surge justamente com base nessa sólida influência, misturando o Funk norte-americano e o Jazz a ritmos brasileiros como o Samba e o Baião.

Fundado em 1976 no Rio de Janeiro pelo saxofonista Oberdan Magalhães, o grupo alcançou inicialmente grande sucesso nas pistas de dança cariocas. O sucesso da banda se alimentou principalmente da fusão de estilos já citada, trabalhando no Funk, mas valorizando a cultura brasileira com os ritmos seculares que compuseram toda a identidade musical do país. A receita foi tão bem sucedida que alcançou até certa fama no exterior, como por exemplo nas paradas britânicas.

Maria-Fumaça é o primeiro disco do grupo, trazendo somente faixas instrumentais. O disco abre com a faixa-título, "Maria Fumaça". Já à primeira-vista, é possível notar-se a forte influência do samba, misturando-se ao Jazz e ao Funk. "Na Baixa do Sapateiro" é a interpretação do grupo de uma das composições do mineiro Ary Barroso. Uma versão mais voltada para o Black e Funk. Quanto a "Mr Funky Samba" não há muito o que se discutir... é exatamente o que o título sugere. Os demais destaques ficam para "Metalúrgica", que procura explorar todos os ritmos que influenciam a banda, do Samba ao Funk e do Jazz ao R&B; "Baião", que desta vez traz ares nordestinos à música do grupo e "Casa Forte", no mesmo enfoque de "Metalúrgica" de misturar os vários ritmos diferentes, dando tons únicos à composição.

1 - Maria Fumaça (2:25)
2 - Na Baixa do Sapateiro (3:27)
3 - Mr. Funky Samba (3:39)
4 - Caminho da roça (3:03)
5 - Metalúrgica (3:02)
6 - Baião (3:00)
7 - Casa forte ( 2:22)
8 - Leblon via Vaz Lôbo (2:32)
9 - Urubu malandro (2:31)
10 - Junia (3:42)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Traffic - Traffic (1968)

2008-08-24T14:34:00.000-07:00

Traffic é uma banda britânica, mais especificamente da cidade de Birmingham. Isto acaba sendo difícil de acreditar, uma vez que o grupo faz um Rock recheado de influências do Country, Blues e Folk, assemelhando-se muito em algumas passagens às bandas de Southern Rock norte-americanas e trazendo também vários toques do Rock Psicodélico e do Jazz, especialmente nas improvisações.

A banda era composta por Stevie Winwood, ora guitarrista ora organista; Dave Mason, o segundo guitarrista; Jim Capaldi na bateria e Chris Wood nos instrumentos de sopro, mais especificamente sax e flauta.

Traffic é o segundo e provavelmente o melhor disco da banda que viria a se dispersar dois anos mais tarde. O álbum abre com "You Can All Join In", fazendo-se notável as influências do Folk e Country. "Pearly Queen" já apresenta outra ambientação, dirigindo-se aos braços do Rock Psicodélico. "Don't Be Sad" traz alguns tons do Country e do Folk, seguida de "Who Knows What Tomorrow May Bring", trabalhada em cima do Blues e do Rock Psicodélico. "Feelin' Alright" é outra bastante influenciada pelos Blues. "Vagabond Virgin" explora bastante o Jazz e alguns tons do Folk, mesclando-os. "Forty Thousand Headmen" é outra que revive as influências do Rock Psicodélico e do Jazz no grupo. "Cryin' To Be Heard" é minha predileta deste magnífico álbum, trazendo várias cores do Jazz e do Blues. "No Time To Live" é um dos clássicos do álbum, lembrando bastante às baladas musicais da época. O álbum finalmente se encerra com "Means To An End", outra que é guiada pelo Blues e em partes pelo Rock Psicodélico.

1- You Can All Join In (3:37)
2- Pearly Queen (4:19)
3- Don't Be Sad (3:22)
4- Who Knows What Tomorrow May Bring (3:13)
5- Feelin' Alright (4:18)
6- Vagabond Virgin (5:22)
7- Forty Thousand Headmen (3:14)
8- Cryin' To Be Heard (5:14)
9- No Time To Live (5:20)
10-Means To An End (2:38)
Bonus:
11-You Can All Join In (mono single mix)
12-Feelin' Alright (mono single mix)
13-Withering Tree (stereo single mix)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Al Di Meola, John McLaughlin, Paco De Lucia - Friday Night In San Francisco [LIVE] (1980)

2008-08-23T14:11:00.000-07:00

Primeiro trabalho deste trio magistral, "Friday Night In San Francisco" é um álbum gravado ao vivo. A pergunta inicial seria como três músicos de orientações tão antagônicas poderiam gerar algo excepcionalmente bom, como é o resultado por aqui. A mesclagem dos estilos não só se mostra compatível no disco como também complementar.

O disco traz um jovem Al Di Meola, já com certa fama por seu trabalho com Chick Corea no grande grupo de Fusion "Return To Forever"; o virtuoso e já consagrado John McLaughlin por suas participações com Miles Davis e seu próprio grupo, Mahavishnu Orchestra e introduz o mestre do Flamenco, Paco De Lucia aos amantes do Jazz. Em conjunto, o resultado traz abusados solos acústicos e os três excepcionais artistas pintando, experimentando e deliciando-se entre as mais variadas cores do Jazz, Flamenco e até com alguns tons de Blues.

"Friday Night In San Francisco" é um trabalho acústico, o que poderia criar algumas dificuldades para guitarristas elétricos, como é o caso de McLaughlin e Al Di Meola. No entanto, ambos contornam esse problema muito bem, até o transformando em uma qualidade.

Analisar cada faixa do disco profundamente é uma tarefa árdua, o único jeito de se entender é mesmo ouvindo-o, portanto, deixo os com direito a uma análise bastante superficial. O álbum abre com "Mediterranean Sundance/Rio Ancho", uma dádiva aos amantes de Flamenco. São 12 minutos de solos de violão na mais pura forma do estilo, alternando melodias e temas. "Short Tales Of Black Forest" traz a navegação do grupo em todos os estilos que se propõe a apresentar, incluindo o Jazz, o Flamenco e o Blues, com direito até a um revival do tema principal de "A Pantera Cor-de-Rosa" e marcado pelo improviso do trio em cima deste. "Frevo Rasgado" é exatamente o que o nome evidencia: Um frevo acelerado e pegado, novamente marcado pelas improvisações e ótimos solos de violão acústico. "Fantasia Suite" progride na mesma fórmula das outras, trazendo tons de Flamenco e de Jazz e muitas alternações rítmicas que enriquecem a composição. O álbum fecha com "Guardian Angel", a única música com menos de 8 minutos no disco, mas não menos merecedora de destaque que as outras, explorando novamente e encontrando o Jazz dentro do Flamenco. Os ouvidos agradecem.

1-Mediterranean Sundance/Rio Ancho (11:36)
2-Short Tales Of The Black Forest (8:44)
3-Frevo Rasgado (7:57)
4-Fantasia Suite (8:54)
5-Guardian Angel (4:02)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Mahavishnu Orchestra - Birds Of Fire (1972)

2008-08-23T11:15:00.000-07:00

Mahavishnu Orchstra, liderada pelo virtuoso e aclamado guitarrista John McLaughlin, é outro dos grandes pioneiros do Jazz-Fusion, unindo vários elementos do Jazz e do Rock e fazendo um som um pouco mais pesado que, por exemplo, Return To Forever e Weather Report, bandas incluídas no mesmo gênero.

Um fato curioso quanto ao grupo é a composição deste, sendo formado por membros de diferentes países. John McLaughlin é inglês; o baterista Billy Cobham, Panamenho; Rick Laird, o baixista, é Irlandês; Jan Hammer, o tecladista, é Tcheco e o violinista Jerry Goodman é Estadunidense. Unindo as diferentes influências culturais ao som que se resulta, nota-se que este é único.

Apesar de ser considerada uma banda de Fusion, o Mahavishnu Orchestra se aproxima em vários momentos também do Rock Progressivo, fazendo um som marcado pelo experimentalismo de sintetizadores, distorções de guitarra e várias alternâncias rítmicas, contrapondo-se aos padrões de grande parte dos outros grupos de Fusion. O uso de improvisações extraordinárias e freqüentes, no entanto, colocam o conjunto novamente nos trilhos do Jazz.

Birds Of Fire, o segundo álbum lançado pelo grupo, é um dos grandes trabalhos do mesmo. A canção-título abre o disco, sendo um dos grandes destaques e mostrando todo o virtuosismo e capacidade técnica de McLaughlin e do resto do grupo. As composições seguintes, "Miles Beyond" e "Celestial Terrestrial Commuters" são provavelmente as mais Fusion do álbum. "Sapphire Bullets Of Love", apesar de curta volta a trazer aproximações ao Prog. "Thousand Island Park" é um belo Jazz acústico e bastante tranqüila, nem parecendo ser do mesmo grupo de autoria da música que abriu o álbum, "Birds Of Fire". Em seguida vem Hope, outra que une elementos do Fusion e do Progressivo. "One Word" lembra bastante as tendências do Rock na época, também trazendo algumas nuances de Funk. O álbum fecha em grande estilo com "Resolution", em minha opinião a mais Progressiva do álbum inteiro. Ótimo disco!

1- Birds Of Fire (5:50)
2- Miles Beyond (4:48)
3- Celestrial Terrestrial Commuters (2:55)
4- Sapphire Bullets Of Pure Love (0:24)
5- Thousand Island Park (3:24)
6- Hope (2:00)
7- One Word (9:58)
8- Sanctuary (5:06)
9- Open Country Joy (3:56)
10-Resolution (2:09)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Ten Years After! (3)

2008-08-22T19:13:00.000-07:00

Olá galera, cumprindo de novo a promessa venho aqui postar outro álbum do Ten Years After:

" Undead" é o segundo álbum da banda. Isso mesmo, não estou surtando: o segundo disco lançado é ao vivo, gravado em um clube de jazz de Londres em 1968. Isso é de uma responsabilidade tremenda, uma vez que O Segundo Disco lançado por qualquer banda é considerado pela crítica como sendo o álbum decisivo: após o impacto do primeiro, o importante é mostrar que há uma continuação do trabalho da banda, que não se resume apenas em um único grande álbum. Enfim, o Ten Years After mostrou toda sua grandeza lançando esse álbum como o segundo gravado e explodiu o mito do segundo álbum. A capa do álbum também é expetacular.

"Undead", principalmente por ter sido gravado ao vivo e em um club de jazz, tem uma pegada jazzísitica e bluesy muuuuuito forte. O álbum contém apenas 5 músicas, mas que músicas! São incríveis relatos e aulas de como se faz música boa! O incrível é também que as músicas deste álbum ora são clássicos famosos ora são musicas compostas pelo próprio Ten years After, inéditas em trabalhos de estúdio, ou seja, é o lançamento de várias músicas em versões ao vivo em um LP ( isso porque algumas músicas foram lançadas anteriormente como EP, vide Going Home). Tal fato dá um gostinho a mais na audição do álbum, pois as músicas foram tocadas já numa versão "viajada" e longa ao vivo, diferentemente de outras músicas de estúdio que recebem tal tratamento apenas em outros álbums ao vivo.

A abertura é por conta de " I May Be Wrong But I Won't Be Wrong Always", composta por Alvin lee , um bluesão inédito e muito bom. " At the Woodchopper's Ball" é uma música de outro compositor, mas que recebe um tratamento diferente na mão do Ten Years After. " Spider in My Web" é um blues lento mas com muito feeling e emoção, que logo faz quem ouve sentir-se em um Pub solitário em alguma madrugada em alguma rua do centro chuvoso de Londres acompanhado de um bom Uísque. A banda também faz inclusive uma versão da mega-ultra-famosa música mais regravada do mundo, "Summertime", de Ira e George Gershwin, com direitos a solos de baterias. " Going Home" , talvez a música mais amada pelos fãs da banda, com longos solos de guitarra e que ficou famosa ao ser apresentada em Woodstock fecha o álbum, mas de maneira diferente do que estamos acostumados a ouvir: nessa versão, ela está mais lenta e muito mais Blues do que a original, o que não perde a grandeza dessa versão.

Um disco excelente!

I May Be Wrong But I Won't Be Wrong Always (Alvin Lee)
At The Woodchopper's Ball (Woody Herman; Joe Bishop)
Spider In My Web (Alvin Lee)
Summertime (George Gershwin)/ Shantung Cabbage (Ric Lee)
I'm Going Home (Alvin Lee)

DOWNLOAD ( FUNFANDO)

postado por: Ricardo

Marcus Miller - Silver Rain (2005)

2008-08-22T17:22:00.000-07:00

Marcus Miller é de Nova York, nascido em 1959. É compositor e músico de jazz, um dos mais, se não o mais renomado Contra-Baixista da história da música.

Entre os vários músicos com quem Miller já tocou podemos incluir principalmente Miles Davis e David Sanborn.

O mais impressionante no repertório instrumental de Miller é que além do fato de ser um mito do Baixo também domina outros instrumentos como Clarineta, Teclado, Saxofone, Guitarra e teve aulas de Canto.

Miller é o criador do "Slapping", pois sua habilidade no baixo Fletless era inexplorada ao usar o baixo elétrico.

Foi influenciado por Baixistas de uma geração anterior a sua, grandes nomes da musica como Keni Burke e obviamente ao grande mestre Jaco Pastorius, responsável por influenciar Miller em quase todos os seus trabalhos, o que muitas vezes gerou acusações (principalmente no inicio de sua carreira) de plágio devido à semelhança do estilo de Jaco e de Miller, pois inegavelmente Jaco foi essencial para o desenvolvimento do estilo de Miller

Miller possui uma extensa discografia, costuma viajar muito para Europa e Japão, tanto como líder de banda, como músico acompanhante ou solo.

O Álbum “Silver Rain” é um solo de Miller, para ser exato é seu nono álbum solo.

O álbum mostra bem as várias facetas de Miller ao seu melhor estilo de Slapping, com algumas levadas de Rock em músicas como Frankenstein, mas mantendo o Jazz como foco principal. Musicas em que Miller não poupa seu inegável talento aparecem em todo o Álbum. Bruce Lee e Boogie On A Reggae Woman merecem destaque, porém, o restante do álbum é igualmente genial em todas as possíveis comparações do estilo.

A Música-Título “Silver Rain” é uma criação de Miller que combina diferentes estilos ao longo de sua composição, e mostra claramente a influência de Pastorius na obra de Miller, sendo de tal importância ao álbum que faz-se merecido este destaque à parte.

Agradeço a todos pela atenção, recomendo mais uma vez o Álbum a todos os fãs do Jazz e da boa música.
Um grande abraço a todos.

"Silver Rain - Marcus Miller - 2005"

1. Intro Duction

2. Bruce Lee

3. La Villete
4. Behind The Smile
5. Frankenstein
6. Moonlight Sonata
7. Boogie On A Reggae Woman
8. Paris(Interlude)
9. Silver Rain
10. Make Up My Mind
11. Girls Et Boys
12. Sophisticated Lady
13. Power Of Soul
14. Outro Duction
15. If Only for One Night

DOWNLOAD

Postado por: João Paulo

Cat Stevens - Tea For The Tillerman (1970)

2008-08-21T18:08:00.000-07:00

Cat Stevens é o nome artístico do cantor batizado Steven Demetre Georgiou e rebatizado mais tarde Yusuf Islam, quando converteu-se para o Islamismo, abandonando sua carreira musical e dedicando-se às atividades educacionais e filosóficas.

Quando músico, no entanto, Cat Stevens foi um dos grandes intérpretes do Folk Rock e também considerado um dos maiores ativistas pela paz por meio de sua música, com composições que viriam a se tornar simbólicas do protesto contra o armamentismo desenfreado, a construção de um mundo cada vez mais caótico e a favor da paz, tais como "Where Do The Children Play".

Tea For The Tillerman é um dos grandes trabalhos do cantor. A arte da capa do LP foi desenhada pelo próprio Cat Stevens, então um estudante de arte. Dentre as canções, o álbum contém provavelmente a maior coletânea dos grandes sucessos do cantor. As primeiras cinco faixas são incríveis, contando com "Sad Lisa"; "Where Do The Children Play", provavelmente a mais famosa do cantor; e "Wild World". O disco inteiro é fantástico do começo ao fim e vale a pena para qualquer apreciador de música, seja de Rock, Folk, Blues etc...

1- Where Do The Children Play (3:53)
2- Hard Headed Woman (3:48)
3- Wild World (3:20)
4- Sad Lisa (3:45)
5- Miles From Nowhere (3:38)
6- But I Might Die Tonight (1:53)
7- Long Boats (3:13)
8- Into White (3:25)
9- On The Road To Find Out (5:08)
10-Father And Son (3:42)
11-Tea For The Tillerman (1:05)

DOWNLOAD

Postado por Caio Bucaretchi

The Umbilical Brothers

2008-08-21T15:29:00.000-07:00

"The Umbilical Brothers" é uma dupla de comediantes australianos especialistas em mímica e efeitos especiais totalmente realizados com a voz, sem o auxílio de qualquer áudio além de suas próprias vozes e sem nenhum auxílio material além de seus fantoches e seus próprios corpos.

David e Shane se conheceram em uma escola de teatro em Sydney no ano de 1988. Em 1990 começaram a se apresentar em shows locais. Devido ao trabalho muito competente da dupla eles venceram um grande campeonato de stand-up comedy em Sydney. O prêmio para a dupla foi uma passagem para Los Angeles. em 1995 participaram do show Just for Laughs em Montreal, sendo assim apresentados ao mundo. Algum tempo após o show ganharam seu próprio programa no Reino Unido o "Umbilical TV".

O mais impressionante sobre a dupla é o competente aspecto vocal e corporal de suas apresentações, ambos mostrando um Timing perfeito e uma dicção impecáveis, sendo assim hoje ambos estão entre os maiores mímicos vivos do mundo.

Trago este post ao blog pois se trata de mímica e também porque admiro muito o trabalho da dupla. Creio que a mímica sendo uma arte performática alternativa em relação ao teatro convencional, é ideal aos leitores do blog.

Aqui vou inserir alguns vídeos encontrados no YouTube. Estes vídeos em minha opinião são os melhores, porém, uma vez assistido um deles, caso desperte interesse basta continuar a assistir as dezenas de cenas da dupla nos vídeos relacionados.

Agradeço a todos e um grande abraço.

Umbilical Brothers - Encore :

http://br.youtube.com/watch?v=peLmnkqm6-Y

Umbilical Brothers - Bathroom :

http://br.youtube.com/watch?v=QifM6Uz8taY&feature=related

Umbilical Brothers - Taxi race driver :

http://br.youtube.com/watch?v=JA5clDG52jw&feature=related

Postado por: João Paulo

Crosby, Stills & Nash - Crosby, Stills & Nash (1969)

2008-08-20T17:43:00.000-07:00

Crosby, Stills & Nash é um dos chamados Supergrupos. Essa classificação deriva da formação de uma nova banda a partir da união de músicos de diferentes grupos e tornou-se prática comum no decorrer da década de 60 e 70. David Crosby, ex-Byrds; Stephen Stills, ex-Buffalo Springfield e Graham Nash, ex-Hollies constituem a formação inicial do trio que mais tarde teria a adesão do genial cantor, compositor e músico, Neil Young. A música criada pela banda é amplamente influenciada pelo Folk norte-americano, mesclando-o ao Rock, ao Pop e até contando com certas nuances do Country, servindo apenas para dar uma incrementada que acabar por dar certo. Vários arranjos de violão e a excelente harmonia vocal entre Crosby, Stills e Nash, fazem do grupo citado uma ótima pedida, provando que corinho de macho de vez em quando pode ser ótimo, como é o caso. O disco de lançamento do trio, Crosby Stills & Nash foi finalizado em 1969, mesmo ano de Woodstock, onde chegaram a se apresentar ao público pela segunda vez desde a formação. Para mim é o melhor disco do grupo, não subestimando a presença Neil Young que um ano depois participaria da realização de outro ótimo álbum da banda, Dejá Vu. O álbum abre com uma das grandes canções do grupo: "Suite: Judy Blues Eyes", provavelmente o maior destaque do disco. As outras canções não perdem por muito, contando ainda com uma seleção de grandes sucessos da banda, tais como a belíssima "Wooden Ships" (minha preferida), Marrakesh Express, A Long Time Gone, a excelente "Guinnevere" e fechando com a animada "49 Bye-Byes".

1- Suite: Judy Blue Eyes (7:25)
2- Marrakesh Express (2:39)
3- Guinnevere (4:40)
4- You Don't Have to Cry (2:45)
5- Pre-Road Downs (3:01)
6- Wooden Ships (5:29)
7- Lady Of The Island (2:39)
8- Helplessly Hoping (2:41)
9- Long Time Gone (4:17)
10-49 Bye-Byes (5:16)

DOWNLOAD

Ten Years After! (2)- A Space In Time

2008-08-20T17:17:00.000-07:00

Cumprindo a promessa anterior, volto com mais posts do Ten Years After!!

A Space In Time, é sem dúvida nenhuma, um dos melhores discos da história da música, e o sétimo álbum do Ten Years After, lançado 4 anos após o primeiro disco (!), Ten Years After, de 1967. Ou seja, se você for péssimo em matemática, o disco é de 1971. O disco mantém o ritmo habitual dessa banda, misturando muito som psicodélico com blues, rock'n roll e jazz, produzido numa época de ouro, quando os sonhos de liberdade brilhavam e criaram produndas esperanças nos corações jovens daquela época, vestígos de uma primavera que nunca devia ter terminado.

Mas o e o disco? Bom voltando ao álbum. Nota-se profundamente a textura psicodélica e viajada predominando em todas as músicas , com mudanças de ritmos e andamentos e também com experimentalismos nos fundos musicais e nos vocais de Alvin Lee, que demonstra ser um Monstro do instrumento nesse álbum. A blnda inteira, aliás, passava por um período de inspiração magnífica, o que notadamente permite a criação dessa belezura. " One of these days" abre o álbum com grande estilo. A música começa lenta, com efeitos na voz de Alvin, mas que aos poucos vai aumentando o andamento, até estourar com solos de harmônica e guitarra. " Here They Come" mostra toda a psicodelia da banda, começando com sons plasmáticos e futuristas, mais parecendo o início de Contatos imediatos de terceio grau ou algum filme alienígina do tipo ( sou fã desses filmes). Aliás, é sobre isso mesmo que a letra fala: seres de outros planetas ou de outras dimensões cósmicas, não explicitados se aliens ou anjos, veêm para transformar o mundo. A música tem incríveis três variações de temas e andamentos, todos perfeitamentes ligados, com direito a solos de assobio. " i'd love the change the world" é sem sombras de dúvidas, o maior hit do Ten Years After, sendo que é uma música extremamente famosa cujo nome parece ter passado o do próprio Ten Years. Uma tristeza, porque é não é uma das melhores músicas da banda, embora a letra seja linda, transmitindo mensagens de paz.

" Over The Hill" quebra a melancolia do hit anterior, sendo que é uma bela música acústica com arranjos orquestrais que transmitem muita alegria. " Baby Won't Let Me Rock'n roll You" apresenta uma face mais rock'n roll, mas que abre com uns sons chatinhos e desnecessãrios, mas é uma música que com certeza faria lindo em qualquer álbum do Led. " Once there Was a Time" é uma música com incrível temática Faroeste, mas que fala da paixão ao rock'n roll: "teve uma vez que eu passava fome, mas não vendi minha guitarra, porque se eu não a tivesse, agora estaria tocando em uma harpa de algum anjo" Ou seja: se não tivesse rock'n roll, morreria.

" Let the sky Fall" é uma música que lembra a intro de 'Good Morning Little School Girl', mas que tem outra temática, inclusive com variações de temas e ritmos e um solo ponta firme de Alvin. " Hard Monkeys" é um som bem legal também, com Alvin explorando novas sonoridades na guitarra.

" i Ve been There Too" tem uma introdução acústica como a maioria das músicas do Álbum, mas logo mostra-se ser uma antecendente dos sons que o Black Crowes buscava fazer: melodias alto astral e sons de viagem: música para botar no carro e partir, vendo atrás o asfalto e apenas o Sol brilhante na relva verde...Essa música é na minha opinião a melhor do álbum. Aliás, a música fala exatamente sobre isso: ser alto astral e viajar também. Outra vez a banda consegue causar a percepção que queriam através do som, sem necessitar entender a letra. E isso não é pouco mérito.

"uncle jam" é uma música jazz instrumental na forma de jam session como o próprio título sopõe. A impressão final do disco é que ele deixa a quem ouve estupidamente bem: é como se lavasse a alma, elevando os espíritos a outro cosmo.

Um discasso imperdível!!!!!!!!!

PS: Ainda falta o UNDEAD, LIVE IN EUROPE e BBC SESSIONS. Até breve!

Postado por Ricardo

DOWNLOAD

Triumvirat - Illusions On A Double Dimple (1974)

2008-08-19T18:01:00.000-07:00

Mais um post de banda de Rock Progressivo. Prometo que me controlarei nos próximos e tentarei trazer algo diferente. Triumvirat, porém, não poderia faltar! O grupo, como o nome já diz, era composto por três membros. Estes eram: Hans-Jürgen Fritz nos teclados e sintetizadores, Hans Bathelt na bateria e o baixista Werner Frangenberg. Dá pra se inferir pela grafia do nome dos membros que trata-se de uma banda Européia... Alemã pra ser mais específico.

Formado no início da década de 70, o grupo, particularmente Jürgen, foi fortemente influenciado por bandas como The Nice e Emerson, Lake & Palmer, ambas bandas pelas quais o prodígio dos teclados, Keith Emerson passou. Essas inspirações por si só já bastam para classificar superficialmente o som de Triumvirat: Apoiado na experimentação em larga escala de sintetizadores, ritmos e distorções sonoras, o grupo faz música sem intervalos para respirar e um progressivo mais solto e objetivo, lembrando em alguns momentos a música de ELP. Para entender melhor o grupo, no entanto, só escutando mesmo.

Illusions On A Double Dimple é uma verdadeira pérola do progressivo. As músicas parecem interligar-se, harmonizando entre as várias combinações, mas cada nova canção vem acompanhada de um diferente sentimento. O álbum abre com "Flashback", uma espécie de reminiscência, como o nome já diz, mas a música parece familiar, como um Dejá Vu. "Schooldays" muda totalmente as intenções de sua predecessora e apresenta realmente a música que o grupo se propõe a fazer. "Triangle" se compromete a apresentar o uso incansável (e bom) de sintetizadores, que se perpetuará até o fim do disco. Mas calma, só tende a melhorar. "Illusions", como uma vinheta abre "Dimplicity", uma das grandes composições do álbum. Os demais destaques ficam para "Maze", "Dawning" (Diga-se de passagem, uma ótima apresentação de piano), "Bad Deal" e "Roundabout". Imperdível!

1- Flashback (0:57)
2- Schooldays (3:23)
3- Triangle (6:53)
4- Illusions (1:43)
5- Dimplicity (5:38)
6- Last Dance (4:53)
7- Maze (3:04)
8- Dawning (1:03)
9- Bad Deal (1:43)
10-Roundabout (5:50)
11-Lucky Girl (5:14)
12-Million Dollars (4:43)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

The Who - Tommy (1969)

2008-08-17T08:59:00.000-07:00

The Who é uma das maiores bandas britânicas que o Hard Rock já teve. O grupo tornou-se famoso pelas apresentações explosivas ao vivo, a destruição de instrumentos em palco, que virou uma característica da banda e, claro, pelo ótimo som que fazia. A qualidade da banda já era notável em sua formação. O excelente baixista John Entwistle (Thunderfingers!); o lendário guitarrista e compositor Peter Townshend; o explosivo, lunático e monstruoso Keith Moon na batera e a ótima voz de Roger Daltrey, que viria a inspirar mais tarde gente de alto calibre como Robert Plant.

O grupo firmou-se no mundo da música durante a década de 60, ao concluir apresentações fantásticas no aclamado "Monterey Pop Festival" de 1967, ainda no início da banda, e em "Woodstock" em 1969. Sua discografia é repleta de deliciosos álbuns tais como The Who Sell Out, Quadrophenia, Who's Next e claro, Tommy.

Tommy é provavelmente o álbum mais famoso da banda e o primeiro do gênero "Opera-Rock". Mais tarde surgiriam mais álbuns nesse modelo como "The Wall" do Pink Floyd. As músicas, em sua ordem apresentam-se como a estória de um garoto que acaba por se tornar surdo e mudo após um trauma, chamado Tommy, que descobre-se mais tarde como um Deus do Pinball. Para quem tiver interesse, também existe o filme "Tommy" com Roger Daltrey no papel principal, contando com participações de Eric Clapton, Tina Turner e Elton John.

Musicalmente o álbum é ótimo, lançando hits da banda como Pinball Wizard e See Me/Feel Me (Go To The Mirror). O disco conta ainda com as ótimas Cousin Kevin, Acid Queen, e a extasiante I'm Free.

1- Overture (5:22)
2- It's A Boy (0:39)
3- 1921 (2:50)
4- Amazing Journey (3:25)
5- Sparks (3:47)
6- Eyesight To The Blind [The Hawker] (2:14)
7- Christmas (3:34)
8- Cousin Kevin (4:07)
9- The Acid Queen (3:35)
10-Underture (10:09)
11-Do You Think It's Alright (0:25)
12-Fiddle About (1:30)
13-Pinball Wizard (3:02)
14-There's A Doctor (0:24)
15-Go To The Mirror (3:50)
16-Tommy Can You Hear Me (1:36)
17-Smash The Mirror (1:35)
18-Sensation (2:28)
19-Miracle Cure (0:13)
20-Sally Simpson (4:12)
21-I'm Free (2:40)
22-Welcome (4:34)
23-Tommy's Holiday Camp (0:58)
24-We're Not Gonna Take It (7:08)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Tower Of Power - The Very Best Of Tower of Power The Warner Years (2001)

2008-08-16T20:37:00.000-07:00

Emilio Castillo, o principal responsável pela fundação do grupo, saxofonista e tenor, formou aos 17 anos após se mudar para California, a banda "The Gotham City Crime Fighters" que futuramente veio a ser chamada de "Motowns".

Em 1968 se juntou ao saxofonista Stephen "Doc" Kupka e o trompetista e trombonista Mic Gillette e alteraram o nome da banda para "Tower Of Power" após mudarem para Oakland e começarem a escrever material próprio.
Em 1970 o trompetista Greg Adams se juntou ao grupo, e após assinar um contrato com a gravadora "Bill Graham's San Francisco Records", lançaram o álbum "East Bay Grease".
Em 1972 foi assinado um contrato com a "Warner Bros. Records" e lançando o álbum "Bump City".
Já em 1974 a banda alterou sue estilo para o funk, porém continuava a compor baladas.
A banda saiu de sua fase comercial após a saída do vocalista Lenny Willians.

Mudanças de membros fazem parte da história e da evolução da banda; cerca de 60 músicos tocaram, viajaram e/ou tocaram com a banda através dos anos, incluindo o diretor musical do "Saturday Night Live", Lenny Picket; o baterista David Garibaldi; o trompetista Rick Waychesko; o baixista Rocco Prestia; o saxofonista Richard Elliot; e o baixista e fundador do BALCO, Victor Conte. Depois de deixar a banda, um dos vocalistas originais, Rick Stevens, foi condenado à prisão em Three Counts por homocídio em primeiro grau. O vocalista original, Rufus Miller, fez a maioria dos vocais principais em "East Bay Grease" .

18 álbuns foram lançados pela banda, além do músicos e bandas influenciados como por exemplo Little Feat, The Monkees, Santana, Elton John, Linda Lewis, e outros mais.

O álbum "The Very Best Of Tower of Power The Warner Years " recomendo de forma breve, pois apresenta as varias metamorfoses do grupo, um álbum bem trabalhado, realmente com os melhores hits da banda desde sua origem até 2001, ano do lançamento do disco.

Essa basicamente é a historia do grupo, o "Tower of Power", uma banda que ao longo de uma história longa e conturbada, porém muito digna e boa. Variando do Jazz ao R&B ou do Funk ao Black e Blues a banda se manteve forte, independente dos estilos, pois mudar faz parte da história da banda. "Tower Of Power" ainda dev continuar por muito tempo, é ao menos o que os fãs de boa música esperam.
Agradeço a todos, um abraço.

Discografia

1970 East Bay Grease
1972 Bump City
1972 Lights out: San Francisco
1972 Fillmore - The Last Days
1973 Tower of Power
1974 Back to Oakland
1974 Funkland
1974 Urban Renewal
1975 In The Slot
1976 Live and in Living Color
1976 Ain't Nothin' Stoppin Us Now
1978 We Came to Play
1979 Back on the Streets
1981 Direct
1986 What is hip?
1986 TOP
1987 Power
1991 Monster on a Leash
1993 T.O.P.
1995 Souled Out
1997 Rhythm and Business
1997 Direct Plus!
1999 Soul Vaccination: Tower of Power : Live
1999 Dinosaur Tracks Previously UNRELEASED Tracks (Recorded 1982)
1999 What Is Hip? Tower of Power Anthology 2-CDs
2001 The Very Best Of Tower of Power The Warner Years
2002 Soul With A Capital "S"
2003 Oakland's Own, In the Oakland Zone
2003 Havin' Fun
2003 What Is Hip? & Other Hits

The Very Best Of Tower Of Power: The Warner Years - Tower Of Power (2001)

1. You Got To Funkifize
2. What Happened To The World That Day
3. Down To The Nightclub
4. You're Still A Young Man
5. What Is Hip
6. So Very Hard To Go
7. This Time It's Real
8. Will I Ever Find A Love
9. Soul Vaccination
10. Time Will Tell
11. Below Us, All The City Lights
12. Don't Change Horses (In The Middle Of A Stream)
13. Willing To Learn
14. Only So Much Oil In The Ground
15. I Won't Leave Unless You Want Me To
16. You're So Wonderful, So Marvelous

DOWNLOAD

Postado por: João Paulo

Ten Years After!

2008-08-16T14:32:00.000-07:00

Ten Years After. A primeira vez que eu ouvi essa banda, putz, não vou me esquecer. Num DVD de Woodstock, chega um cara loiro bem drogado com um vozerão e começa a falar: essa é uma chamada " Going Home by Hellicopter". E começa o momento de fúria, paixão. O cara parecia um demônio debulhando a guitarra com licks e riffs antológicos numa velocidade descomunal. Não, não era nada parecido com Steve Vai-Vai ou com Joel Satriani. Era algo a mais...a música tinha sentimento, faíscas incandescentes de magma roqueiro. Sim, eu nunca mais esqueci essa performace.

Alvin lee, vocais & guitarra, Leo Lyons, baixo, Chick Churchill, Teclado e pianos; e Ric Lee( que não é parente de Alvin Lee) na batera. A banda formou-se em 1967 e uniu rock n' roll, hard rock, som psicodélico, blues e jazz. Dotados de técnica invejável, o Ten Years After é para mim a melhor banda dos anos 60. O som é incrivelmente pesado para a época, levando em consideração as apresentações em Woodstock e o álbum Live in Europe ( Recorded Live). Mas para vocês entenderem do que estou falando, nada melhor do que baixar os álbuns que aqui postarei.

Ten Years After é o primeiro álbum da banda, lançado no ano 1967. A arte de encarte é muito piscodélica, com a foto da banda ainda " muleque" destacada frontalmente de maneira meio embaçada e o título escrito em letreiros coloridos.

Este álbum é excelente. Abre com um som rock'n roll blues à la " Memphis". A segunda já é um biscoito finíssimo: " I Can't Keep From Cryin' Sometimes", um jazz blues fusion demais, com solos maravilhosos de Alvin Lee, o grande mago da guitarra. " Adventures of a Young Organ" é um som que mostra bem a cara misturada da banda, com sons que alternam entre o psicodélico, jazz e blues em 2 minutos e 40 segundos. A única irregular " Losing The Dogs" dá uma textura meio country, mas que felizmente desparece nas próximas " bluesy " " Feel it For me" e " Love You Until i Die", com solos de harmônica efetuados por Alvin Lee. A acústica " Don't want you Woman" não deixa a peteca cair, e sua textura é muito semelhante aos " Spirits-Blues" do sul profundo dos estados unidos, ou seja, Muddy Waters e compania. O gran Finale vem com a incrível música de 9 minutos " Help Me", um lindíssimo lamento sentimental em que Alvin Lee coloca toda a paixão em seus vocais.

Ten Years After é um álbum indispensável para quem gosta de música, digamos, de outro planeta. Nada mais a declarar.

1- I Want To Know
2- I Can't Keep From Crying, Sometimes
3- Adventures Of A Young Organ
4- Spoonful
5- Losing The Dogs
6- Feel It For Me
7- Love Until I Die
8- Don't Want You Woman
9- Help Me

DOWNLOAD

postado por: Ricardo

The Zombies - Odessey & Oracle (1968)

2008-08-15T20:38:00.000-07:00

Durante o transcorrer da década de 60, alguns grupos começaram a experimentar a fusão de um ritmo mais "pop" com o Rock, o que levou ao surgimento de grupos como Manfred Mann, The Zombies e até alguma influência na discografia dos Beatles e dos Byrds. Zombies, porém, executa essa miscigenação artística de uma maneira muito sutil e original, procurando estabelecer um meio termo entre o pop inglês e a psicodelia explosiva da época.

Quem já teve a oportunidade de ouvir "She's Not There" sabe que os Zombies são capazes de fazer um som leve e agradável. Odessey & Oracle, no entanto, é um caso à parte na carreira dos britânicos. O álbum inteiro é marcado por uma experimentação de ritmos e timbres, tornando cada música que integra o disco única. Não é possível dizer com clareza se seria o ritmo, as vozes ou a música em si (todos muito bons, por sinal), mas algo neste disco consegue tocar o espírito de uma maneira impactante e harmônica. Com certeza não será um dos "xodós" de ouvintes mais "hardcores", mas vale a tentativa.

Odessey & Oracle é considerado um dos melhores álbuns de todos os tempos, trazendo a mistura do Pop com o Rock Psicodélico e consagrando canções como Time Of The Season, hit nas rádios britânicas. O álbum inteiro traz composições excelentes, porém, minhas preferidas giram em torno de Butcher's Tale, Changes e Care Of Cell 44. Beechwood Park, A Rose For Emily e Time Of The Season, com destaque para os divertidos solos de teclado de Argent, são outras excelentes pedidas.

1- Care Of Cell 44 (3:54)
2- A Rose For Emily (2:17)
3- Maybe After He's Gone (2:32)
4- Beechwood Park (2:42)
5- Brief Candles (3:28)
6- Hung Up On A Dream (3:00)
7- Changes (3:17)
8- I Want Her She Wants Me (2:51)
9- This Will Be Our Year (0:57)
10-Butcher's Tale (2:45)
11-Friends Of Mine (2:15)
12-Time Of The Season (3:32)
13-I'll Call You Mine (2:37)
14-Don't Cry For Me (2:13)
15-If It Don't Work Out (2:27)

DOWNLOAD

postado por Caio Bucaretchi

Weather Report - Heavy Weather (1977)

2008-08-15T18:08:00.000-07:00

Weather Report é uma das bandas pioneiras do Jazz-Fusion, junto a grandes grupos do gênero como Headhunters, de Herbie Hancock e Mahavishnu Orchestra, do virtuoso John McLaughlin. Erradicado no início da década de 70, nos Estados Unidos, o grupo chegou a contar em suas formações com excelentes músicos, tais como o ótimo tecladista Joe Zawinul, que já havia tocado com grandes nomes como Miles Davis; e o Deus do baixo elétrico, Jaco Pastorius. Só essa observação já bastaria para atestar a qualidade musical do grupo. Weather Report, no entanto, é ainda mais do que somente uma reunião de bons músicos. O grupo traz uma mistura equilibrada de Jazz e Rock, trazendo até algumas pitadas de Funk e criando uma sonoridade original e atraente.

Heavy Weather é um dos grandes álbuns do grupo e um dos marcos do Fusion, sendo ainda superior, em minha opinião, a outros destaques como Black Market. Grande parte das faixas são instrumentais, com destaques para "Birdland", "Teen Town" e a simpática "Palladíum".

1- Birdland (5:59)
2- A Remark You Made (6:53)
3- Teen Town (2:52)
4- Harlequin (4:01)
5- Rumba Mamá (2:11)
6- Palladíum (4:47)
7- The Juggler (5:03)
8- Havona (6:01)

DOWNLOAD

Postado por Caio Bucaretchi

Drácula Morto, Mas Feliz (1995)

2008-08-15T16:18:00.000-07:00

Bram Stoker não esperava que sua obra viesse um dia a se tornar uma grande sátira nas mãos de Mel Brooks. "Drácula morto, mas feliz" carrega a assinatura de Brooks, com o típico humor exarcebado, porém, pouco grosseiro, também utilizado em "Agente 86" e outros de seus trabalhos como "Os Produtores".

O filme conta a história de Conde Drácula (Leslie Nielsen), que abandona sua propriedade na Transilvânia para morar em Londres. Drácula ataca alguns cidadãos da elite inglesa e objetivando por um fim ao terror causado pelo Conde, o renomado doutor Abraham Van Helsing (Mel Brooks) é chamado para o serviço.

Admito que sinopses ainda não são meu forte, porém, garanto aos que lêem que o filme, por mais desconhecido que possa ser, é um trabalho muito bem realizado por Brooks. O filme trás cenas hilárias aos que já tiveram ou não a oportunidade de ler o livro de Stoker, retratando cenas do livro em novos ambientes e velhas crendices.

Como costume na Cinegrafia de Brooks, os tradicionais exageros da comédia são presentes, contendo algumas cenas com apelo sexual, mas consideravelmente sutis.
Destaque para o trabalho competente no padrão cômico de todo o elenco, um filme que atingiu as expectativas sem forçar a barra em momento algum. Os cenários e (De)feitos especiais (dado que estes são apenas fumaça gerada por gelo seco e algumas transformações em morcego) são bem trabalhados apesar do orçamento não tão signifacativo, e o filme não tão recente.

Concluo mais uma postagem, recomendando novamente o filme, que considero uma comédia bem trabalhada, não aos pés dos Pythons, porém muito adequado ao gênero.
Obrigado a todos, um Abraço.

Direção: Mel Brooks

Com: Leslie Nielsen; Peter MacNicol; Steven Weber; Amy Yasbeck; Lysette Anthony; Harvey Korman; Mel Brooks; Mark Blankfield; Megan Cavanagh; Clive Revill; Chuck McCann; Avery Schreiber; Charlie Callas; Anne Bancroft

Postado por: João Paulo

Gentle Giant - Gentle Giant/Octopus

2008-08-14T17:38:00.000-07:00

Destacar somente algumas obras diante do grande acervo de herança cultural deixada pelo Gentle Giant é uma tarefa difícil. Qualquer fã do grupo se veria em um grande dilema quando a este fosse dada a tarefa de escolher um dentre nomes como Octopus, Free Hand, Three Friends, Acquiring The Taste, In A Glass House e o ótimo álbum que leva o nome da banda, Gentle Giant.

Gentle Giant é um dos grandes nomes do Rock Progressivo britânico, sendo um dos pioneiros do gênero. Sua curta duração (1970-1979) não foi em momento algum um fator limitante para a inextinguível criatividade do grupo, trazendo inovações em cada um de seus 12 excelentes álbuns.

Os primeiros álbuns do grupo, no entanto, são um caso à parte. Cita-se King Crimson como o principal pioneiro do Rock Progressivo com seu excelente álbum de 1969 "In The Court Of The Crimson King". Em 1970, no entanto, o som de Gentle Giant era bem diferente de qualquer coisa antes já vista, ausentando-se da psicodelia ainda presente no som dos amigos do Rei Escarlate um ano antes, e trazendo um novo vasto mundo de possível exploração musical.

O experimentalismo e a constante alternância para com os padrões culturais da época são uma característica de qualquer banda progressiva. Gentle Giant, no entanto, eleva essa afronta a outro patamar, algo muito claro em seus álbuns Gentle Giant e Octopus, respectivamente 1° e 4° LPs da banda.

Quanto ao primeiro disco, o destaque fica para todas as 7 faixas. Não, não é preguiça de comentar, simplesmente faltam-me adjetivos para resumir o álbum. O melhor elogio que este pode receber é ser ouvido. Octopus é outra grande obra do grupo, com destaques para Advent Of Panurge; Racounter, Troubadour; Knots e Dog's Life. Dois discos magníficos.

Gentle Giant:
1-Giant (6:24)
2-Funny Ways (4:23)
3-Alucard (6:01)
4-Isn't It Quiet and Cold? (3:53)
5-Nothing At All (9:07)
6-Why Not? (5:31)
7-The Queen (1:40)

Octopus:
1-The Advent Of Panurge (4:45)
2-Racounteur, Troubadour (4:03)
3-A Cry For Everyone (4:06)
4-Knots (4:11)
5-The Boys In The Band (4:34)
6-Dog's Life (3:13)
7-Think Of Me With Kindness (3:31)
8-River (5:53)

Gentle Giant
DOWNLOAD

Octopus
DOWNLOAD

Postado por Caio Bucaretchi

Beowulf

2008-08-14T16:51:00.000-07:00

Apresento-lhes hoje, o maior poema épico da Literatura medieval: Beowulf, o poema que originou o filme, porém, estou optando por publicar apenas o poema, pois assim podemos nos desvincular da extrema temática comercial exposta no filme.

O poema data entre 700 e 1000 d.C com o uso de aliterações, poema clássico da literatura Anglo-Saxã, não possui titulo, mas é conhecido como Beowulf desde o inicio do século XIX. Este marco da literatura medieval foi umas das fontes de inspiração de Tolkien para "O Senhor Dos Anéis".

Nos é contado a lenda de um herói, vindo de terras distantes junto a seus homens. Desembarcando nas terras de Herot, terra do grande rei Hrothgar, amaldiçoada por um demônio chamado Grendel, monstro terrível que se alimenta de homens inteiros. Beowulf é o herói que vem ao socorro do povo de Herot, pronto a desafiar o demônio Grendel. Uma grandiosa batalha entre ambos ocorre e Grendel é mortalmente ferido, porém consegue escapar de Beowulf e foge para morrer nos braços de sua mãe. Esta jura vingança àquele que matou seu filho.

Beowulf ao descobrir a existência de um outro demônio vai a sua caça, adentra seu covil e "derrota" a criatura. Hrothgar promete a Beowulf sua coroa quando o tempo retirar-lhe a vida. O rei, no entanto, sofre um estranho acidente e perece alguns dias após sua declaração. Todos gritam viva ao novo rei Beowulf. O poema pára e uma grande reflexão sobre o tempo se inicia. Ao fim desta, passaram-se muitos anos do reinado de Beowulf e uma nova criatura surge para conquistar o reino de Herot, um Dragão. Beowulf deve pela ultima vez lutar como guerreiro e enfrentar seus erros do passado.

Extrai alguns trechos do poema original e os inseri neste post. Infelizmente só consegui encontrar o poema em inglês atual, pois não se encontra o poema original no "velho inglês" e quanto menos em português. Creio que os leitores do blog não enfrentem dificuldades na tradução dos trechos que postarei, mas caso venha a aparecer qualquer complicação peço minhas sinceras desculpas pois fiz o meu melhor.

*Adaptação: Dr. David Breeden

Beowulf

Prologue: Early History of the Danes

Listen: You have heard of the Danish Kingsin the old days and how they were great warriors.Shield, the son of Sheaf,took many an enemy's chair,terrified many a warrior,after he was found an orphan.He prospered under the skyuntil people everywherelistened when he spoke.He was a good king!(...) Grain ruled the Danesa long time after his father's death,and to him was bornthe great Healfdene, fierce in battle,who ruled until he was old.Healfdene had four children--Heorogar, Hrothgar, Halga the Good,and a daughter who marriedOnela, King of the Swedes.

Grendel Attacks

One night, after a beer party,the Danes settled in the hallfor sleep; they knew no sorrows.The evil creature, grim and hungry,grabbed thirty warriorsand went home laughing.At dawn, when the Danes learned of Grendel's strength, there was great weeping. The old king sat sadly, crying for his men. Bloody footprints were found.

Beowulf Comes to Herot

The paved road guided the men.Their war-coats shone,the hard locks ringingas they came toward the hall.The sea-weary ones settheir broad, strong shieldsagainst the building's wall,then sat down on benches,their armor resounding.They stood their spears together,ash wood tipped with gray,an iron troop.(...) The brave one answered him,he of the proud Geats tribe,hard under his helmet:"We are Hygelac's table companions.Beowulf is my name.I will declare to the great lord,Healfdene's son, my errand,if your prince will greet us."

Aqui temos apenas pequenos trechos do poema original, vou anexar o site ao qual removi os trechos, neste os leitores podem ter acesso a obra completa, porem não em sua forma original. Mais uma vez Agradeço a atenção e paciência de todos, um Abraço e espero que apreciem a obra.

http://www.poetseers.org/the_great_poets/the_classics/beowulf/beowulf-poetry (site confiável e muito bom aos fãs de literatura estrangeira)

Postado por: João Paulo

Os Indomáveis

2008-08-14T14:52:00.000-07:00

Os Indomaveis é o remake de um "bang-bang" clássico intitulado "Galante e Sanguinário". Para os leitores que estiverem se perguntando o porquê de não procurar um filme mais alternativo, eu respondo que "Os Indomáveis" é um filme de faroeste que merece ser ressaltado por sua temática praticamente não desfocada do aspecto comercial e por tratar-se, como já citado, da refilmagem de um filme clássico, mantendo a fidelidade do original até em muitas falas no decorrer do filme.

Dan Evans, interpretado por Christian Bale, (um excelente trabalho por sinal) é um rancheiro que se encontra em dificuldades financeiras. Ben Wade (Russel Crowe, outro trabalho muito bem realizado), é um perigoso foragido que acaba de assaltar uma diligência e parte para a cidade próxima ao rancho de Dan. Ambos se encontram no saloon, Dan reconhece o vilão e o mantém distraído até a chegada das autoridades, que prendem o foragido, sendo este levado a uma diligência em Yuma. No entanto, o grupo de oficiais não é o bastante para evitar a gangue de Wade durante todo o percurso. Em troca de dinheiro para salvar suas terras, Dan Evans aceita ajudar a levar Wade ao trem das 3:10, porém, a menor de suas tarefas será levar Wade à estação, pois sua gangue está disposta a matar qualquer um que se coloque à frente deles.

A sinopse realmente não é das melhores, mas sem dúvida o filme consegue manter-se fiel a seu original e fugir do rótulo comercial ao qual a maioria de filmes desse porte na atualidade tem se relacionado, com raras exceções, como Batman o Cavaleiros das Trevas e outros que futuramente possam ser citados aqui. O cenário do filme nos remete aos anos 50, época que foi filmado Galante e Sanguinário, clima texano típico de filmes do gênero, porém, com a vantagem da alta resolução e cores mais vibrantes ressaltando a ação e movimento do filme. A Trilha Sonora é um espetáculo à parte. Cativante, aprisiona os ouvintes, revelando um novo contexto. Esta acaba por compor um personagem discreto porém vital ao filme. As indicações que recebeu neste quesito foram merecidas, porém, infelizmente o filme não saiu vitorioso. A trilha típica faroeste, mas elevada a um novo nível. Sutil e agressiva, inconstante como cada um dos personagens.

No quesito atuação, o elenco é impecável. Todos os atores foram, no mínimo, grandiosos, fazendo com que os espectadores adentrassem à estória e, indo além, mostraram ainda o nível que filmes que abordam a mesma temática podem atingir hoje, com atores capacitados e com ótimas estórias, belas de ver e ouvir.

De maneira alguma quero desmerecer o filme original, mas hoje os atores e companhias de cinema encontram-se melhores preparados para realizar trabalhos épicos como é "Os Indomáveis". Digo isto pois o envolvimento dos atores foi tanto a ponto de o nome de Russel Crowe não aparecer nos créditos. Em todos os locais em que seu nome deveria supostamente aparecer, lê-se o nome Ben Wade. Apenas lamento o fato de o prêmio mais visado do cinema ser o hoje o Oscar, que, em alguns casos, acaba por ser extremamente influenciado pelas grandes produções Hollywoodianas. Enfim, "Os Indomáveis" merece toda a dedicação a que lhe fora dado neste espaço

Encerro minhas participação por aqui, pois creio que agora me faltam palavras para dar continuidade aos fatos. Recomendo aos Cinéfilos assistirem e se possível re-assistirem. A mitologia, o desenvolver e o final são cativantes, surpreendentes e próximos da perfeição (e) do real. Espero ter sido convincente e que procurem o filme, que sem duvida é um de meus favoritos.

Muito grato a todos pela atenção e um abraço.

Elenco

Russell Crowe (Ben Wade)
Christian Bale (Dan Evans)
Logan Lerman (William Evans)
Dallas Roberts (Grayson Butterfield)
Ben Foster (Charlie Prince)
Peter Fonda (Byron McElroy)
Vinessa Shaw (Emmy Nelson)
Alan Tudyk (Doc Potter)
Luce Rains (Delegado Weathers)
Gretchen Mol (Alice Evans)
Lennie Loftin (Glen Hollander)
Rio Alexander (Campos)
Johnny Whitworth (Tommy Darden)
Shawn Howell (Jackson)
Pat Ricotti (Jorgensen)
Benjamin Petry (Mark Evans)
Forrest Fyre (Walter Boles)
Luke Wilson (Zeke)

Elenco de Galante e Sanguinário:

Glenn Ford, Van Heflin, Felicia Farr, Leora Dana, Henry Jones (1), Richard Jaeckel, Robert Emhardt, Sheridan Comerate, George Mitchell, Robert Ellenstein, Ford Rainey, Dorothy Adams, Woody Chambliss, Barry Curtis (1), Richard Devon

Direção: James Mangold ( Os Indomáveis, 2007 ), Delmer Daves ( Galante e Sanguinário, 1957 )

postado por: João Paulo

The Black Keys

2008-08-13T16:26:00.000-07:00

Com sede de (sangue MUAHAHA) escrever e ansiando para perder a virgindade, de postar, obviamente, trago a vocês alguma coisa nova em meio a tanta velharia. Não, não estou desmerecendo nem um pouco o que foi postado por meus amigos da base governista, principalmente porque conheço quase nada do que foi indicado por eles.
Tá OK, mas essa “alguma coisa” é boa?
Black Keys nasceu em Akron, Ohio e confesso a vocês que essa nem eu conhecia. Dan Auerbach e Patrick Carney tocam, respectivamente, “Guitar and lots of other instruments” e “Drums and lots of other instruments” como escrito em seu último CD, Attack & Release, de 2008, tendo sido gravado (para os que são curiosos) em NY e feito com encarte reciclável.
Se bem observado, aliás, é possível notar que a qualidade começa já com esse último. Logo na capa vê-se que Jesus+Lobão=Black Keys. Simples equação, assim mesmo. O interessante, contudo, é que há certos efeitos em guache que dão um tom leve ao CD, o que me fez pensar, antes de ouvi-lo pela primeira vez, “O que será que eles tocam?”. Chega-se então a resposta contrária e ao mesmo tempo equivalente à leveza do encarte: É Blues Rock puro, mas minimalista, sem firulas e ao mesmo tempo pende ao pop rock com pegada leve e entristecida. Parece Led? Foi a minha primeira impressão. Porém, como não gosto muito da trupe de Plant, eu prefiro (essa vai doer no Caio e no Curito ) a banda de Ohio. Eles fazem parecido, mas é, na verdade, o Led Zeppelin que eu gostaria de ouvir, com o mesmo feeling e menos enrolação. Mas, bah!, ouçam vocês mesmos e digam se gostam!
Enfim, como não sei dar upload do álbum, coisa que pretendo fazer posteriormente com algum álbum deles, espero que vocês gostem da seleção de vídeos, do “Youtubiu”, claro, que eu selecionei. Se alguém que gostou tiver a chance, imploro: Compre um CD deles! Os CDs deles são difíceis de se achar. A não ser que você peça de aniversário, porque desembolsar 80 reais em 12 faixas é osso! Só lembrando que eu paguei U$17,00, em torno de R$28,00, preço que seria mais justo se a maioria do dinheiro fosse ao artista, que é quem realmente merece nossa atenção.
E, sim, o baterista é fodão!
http://www.youtube.com/watch?v=q9AfKcHwoP4
(Ao Vivo no David Letterman – do álbum Attack & Release)
http://www.youtube.com/watch?v=N8EVNdbbYoA&feature=related
(Versão Original – Attack & Release)
http://www.youtube.com/watch?v=6gmqO88h-Fw
(Versão Original – Attack & Release)
http://www.youtube.com/watch?v=dKXlgISd3iA
(Videoclipe – Single do álbum Magic Potion, de 2006)

Postado por : Guilherme